妈咪

跟导演的处女作如出一辙，描述母亲与儿子之间又爱又恨的矛盾关系。

发现只要导演没有亲身上阵，自恋程度立即会下降不少，客观地说这部也是我看过的Xavier Dolan这么多部里面最好看最深刻的一部。

最吸引眼球的莫过于画面比例。

大部分场景将人物的面孔和动作死死地限制在1比1的小方块里，让观众目不转睛地留意着演员们的演技发挥，母亲与儿子的对戏最为耀眼：语言、肢体、情感冲突不断的场面比比皆是，女主角Anne Dorval的演技实力让人惊讶。

同时这种小画框的设计也暗中对应着这对母子的命运，注定是一场无法自由舒展的悲剧。

明显地，两次画面变形拉长的场景都是主人公心理变化的契机描绘，第一次儿子推着购物车在大街上伴随着Oasis的Wonderwall，淋漓尽致地展现出他欣喜若狂的心境，如在电影院看的话，这一幕必定全场欢呼不断；另一场则是接近全片高潮，母亲在车里幻想儿子不断成长过程中的幸福片段，也是让人唏嘘不已的一幕。

在打破电影常规形式方面，Dolan实在具有天才般的创造力。

不过，影片的缺点和优点同样明显。

首先是节奏很有问题，感觉很多场景不够精炼，反复啰嗦的对白砍掉三分之一效果会更棒。

留白的空间欠缺，令大部分情节沉浸在狗血般的吵闹和对骂里。

其次则是见仁见智的音乐了，尽管相比起过往的几部作品已有所收敛，不过歌曲部分仍觉得太满，令部分段落看起来像是MV，这无疑令影片的整体连贯性大打折扣。

话说回来，Dolan的音乐口味实在令人无话可说，很多歌曲都让我听得津津有味，除了刚才提到的Wonderwall，还有Dido的White Flag、Celine Dion的On ne change pas和结尾的Born to Die。

提到结尾这场，不得不说，这是我最近几年来看到最震撼的电影结局。

当Born to Die的乐声一响起，男主角挣脱掉医院护工，飞奔的慢动作招牌场景一出现，画面就立即黑屏，整个悲剧的力度再次提升，让观众为人物唏嘘的同时，也不得不钦佩这位天才导演的想象力。

有点类似于《一念无明》的剧情，即将面临监禁的躁郁症青年、还想着救一救的母亲，以及失语症邻居之间的故事。

演员演技和情绪表达都无可挑剔，只是在深度上缺少一些层次，但更集中在个人视角上，这一点直接通过这部片子最大的特点：画幅来体现。

现在的电影大多都是16:9或者21:9，连早年的3:2和4:3都很少用，1:1的画幅最近几年我也就在《聂隐娘》里看到过，但这部片子95%的时间（2个多小时）都是1:1画幅，且不是中画幅相机那种大场景的1:1，而是像极了ins风的小视角。

1:1长时间的这种视角给人一种压抑、无望的感受，片子只在两处使用了16:9的宽画幅，一处是主角三人第一次痛快的玩耍，画幅改变的很突然，第二处是母亲送孩子去少管所路上做了个“如果我的儿子不是这样，我还有个多美好的人生”的白日梦，画幅改变缓慢，伴随着渐进的音乐推向高潮，又随着白日梦做完而迅速回到现实——1:1画幅。

看似这种手法很刻意，但确实很好的体现了导演的目的，因为这种手法真的很压抑，且真的在改变画幅是能让人迅速体会到情绪的变化，没错这与其说是一部剧情片，不如说是一部情绪片。

这些应该都是后期剪辑时候做的处理，但前期拍摄应该就已经确定了尽量把主体放在画面中间拍摄的想法，方便后期遮挡。

就像旁观者听到自杀的人自杀的理由感到值得吗、真荒谬一样，我无权评价《妈咪》里的妈妈戴安是否真的尽力做好了一个妈妈，她有她的立场，她过她的人生，她有她的感受，别人再怎么想介入也无能为力。

我始终觉得我有必要做一个更好的妈妈，同样的，希望戴安可以收敛一点光芒，像邻居凯拉一样找到和患有多动症的儿子的沟通方式，从而实现儿子上美国茱莉亚音乐学院的梦想和自己在电影末段里幻想儿子顺利毕业结婚生子的想象。

电影隐晦地暗示了恋母情结？

儿子在和戴安争吵之后亲吻了戴安，戴安什么也没说转身走了。

单亲家庭长大的男孩想要和普通人一样平平凡凡地过日子是不是很难？

电影再没给任何答案。

我在背景资料里看到这样一条：这部电影最大的亮点在于全片采用了1:1的屏显比例以及两次神一样的画幅变化，可惜在我看的版本中并没有显示。

什么意思呢？

简单说，就是用屏幕显示比例的变化烘托人物情绪的变化。

至于1:1的比例，看惯了16:9屏显的我并没觉得有什么不适，就是视觉上感觉像立着的长方形，尽管我特意拿尺子去量了确定是长等于宽的1:1。

又一个开放式结尾，这次我宁愿它不开放，给我一个有点希望的结局。

大风吹要把所有稻草折弯长得好的都是随风撒欢那些生动有趣的稗子说是不伦不类被风削了筋骨被草抢了净土为什么越是可爱有趣的灵魂越是留不住自己的年轮入坑多兰第三部，是目前看到剧情最精彩，情感爆发最多的一部。

“问题”少年与母亲，多兰永恒的话题，而看不够的是那种深深的无助感。

以爱坚持，却又因爱而破碎。

当母亲从光鲜的想象回到现实的路口，观众被这廉价的把戏骗到泪崩，这就是多兰的功力。

青春是美好的，有着穿过乌云被阳光包裹的希望。

可阳光终究匮乏，有些人的青春中恒常不变的，是被阴影笼罩着的残酷现实。

讨论残酷青春题材的影视作品，英国有《去他妈的世界》，韩国有《巨人》和《人间课堂》，美国有《大象》，日本有《坏孩子的天空》，法国有《四百击》，中国有《牯岭街少年杀人事件》······以及，加拿大导演泽维尔·多兰独具个人特色的真挚之作《妈咪》。

今天我们就来聊聊它——妈咪Mommy导演: 泽维尔·多兰编剧: 泽维尔·多兰主演: 安娜·多尔瓦尔 / 安托万-奥利弗·波尼安 / 苏珊娜·克莱蒙 / 帕特里克·华德类型: 剧情 / 家庭制片国家/地区: 加拿大语言: 法语上映日期: 2014-05-22(戛纳电影节) / 2014-10-08(法国)片长: 139分钟又名: 亲爱妈咪(台) / 慈母多恶儿(港)

16岁写下剧本，18岁时自编自导自演的处女作《我杀了我妈妈》斩获戛纳电影节三大奖项。

26岁成为该届戛纳电影节主竞赛单元最年轻的评审团成员。

他就是“戛纳亲儿子”——泽维尔·多兰。

多兰本人和他的电影的都给人一种忧郁的文青气质：悠扬的慢镜头、痛苦的情绪、缓慢的节奏、人物之间的长对话、艺术性强烈的色彩与构图等等，颇有王家卫的电影的感觉。

《妈咪》是他执导的第五部剧情长片，故事讲述一位单亲妈妈和患有多动症的儿子史蒂夫之间的故事。

1、相爱相杀的母子故事开头，单亲母亲戴安到拘留中心把儿子史蒂夫接走。

她的儿子和三个伙伴在咖啡馆纵火，导致一个孩子烧伤住院。

工作人员告诉她，这次保释这是给史蒂夫的最后一次机会，政府将颁布新法律， 如果父母无法对有心理问题的孩子负责，则需把孩子送回拘留中心。

母亲戴安告诉工作人员：“我绝不会把我的儿子送回去。

”“我知道你们的伎俩。

”。

母亲没有学历，没受过良好的教育，没有稳定的工作，也没有社保。

她的所有缺点都被史蒂夫继承了——心情好时像天使，心情不好时疯狂又暴力，极端时处事和魔鬼无异，孤独时又脆弱如孩童。

这对母子的人物色彩都非常强烈，两人的相处模式也是相爱相杀。

听到儿子心碎地说：“我连垃圾都不是” ，母亲安慰他：“你当然不是垃圾，当然不是，你是一个王子啊，亲爱的。

”。

看到儿子被律师扇了耳光，母亲也会以眼还眼替儿子出头。

她爱他，但这爱是糟糕的爱。

受母亲影响，史蒂夫患有多动症，满口脏话，举止粗俗而有趣。

他热爱音乐，有些无赖，却也不失天真稚气。

听到母亲被司机辱骂，儿子会狂怒暴走；看到母亲哭得像个小女孩，他会给她擦眼泪，承诺她：“我要照顾你，我要保护你。

”，眼神是清澈见底的温柔。

他对母亲有着极深的爱与依恋。

然而每当出现矛盾冲突时，两人第一时间都会唇枪舌剑，互相伤害。

史蒂夫把不知来历的项链送给母亲，满心欢喜得到的却是母亲的怒斥，气急败坏之际被母亲误伤。

这种极其复杂矛盾的真挚情感来自多兰的亲身经历，再加上演员舒适自然的表演方式，让观众联想到自己家庭中交流的壁垒与隔阂。

暴戾、边缘的主角，审美趣味下是一个严肃的议题——问题青少年的教育缺失。

十岁的时候，史蒂夫的父亲去世，欠下的债款让母子二人的生活捉襟见肘，母亲没有教他怎样才能排解内心的痛苦，史蒂夫经常做出一些暴力行为，不得不被送到少管所。

他需要被认可和长大，需要自由，需要学习，他需要有人来指引他去了解世界的复杂性。

而这些，他的母亲给不了他。

2、拨云见日的情绪炸弹困顿之际，新来的女邻居凯拉好心为史蒂夫包扎伤口。

萍水相逢，却颇有惺惺相惜的感觉。

患有失语症的女邻居便以家教的身份进入了母子二人的生活。

三人由此产生了奇妙的平衡，他们从各自生活的束缚中挣脱出来，意外地释放自我，依偎着彼此的温暖。

于是，全片最惊艳的一幕出现了——

电影画幅的改变像是一个情绪炸弹，窄得仅能容下一人的画面变得广阔，让人激动得起鸡皮疙瘩，引得戛纳全场欢呼。

那一刻，对自由的渴望与向往，让人长舒一口气。

风一般的熊孩子，肆无忌惮地勇敢做自己。

他想要维持眼前的美好生活，一笔一画认真写作业，努力申请朱莉娅音乐学院，亲手编了手链给辅导自己功课的女邻居，笨拙地为自己做的蠢事道歉。

3、保护膜变成荆棘但短暂的欢愉后仍是无穷尽的问题。

眼前有绚烂的梦，梦里有重复的人。

在戴拉的幻想里，史蒂夫有着辉煌的未来，完成着自己的成长，迈入婚姻的殿堂，过上成功的人生。

配乐蓬勃肆意，却让人潸然泪下。

多兰随时可以让你陷进失望，同时又给你希望，然后把你推进绝望中。

无论是具像化角色的内心世界，还是展示角色之间的关系，灯光强调了这些角色强烈的情绪。

《妈咪》的用光着色让人眼前一亮，让人联想到青春美剧《亢奋》。

但它的颜色并不像彩虹般缺乏体系感，多数情况下是使用三原色红黄蓝。

再配合画幅被拉开的神来之笔，慢镜头的运动，以及喷薄流动的配乐，创造出本片独特的视听效果。

回到故事中，儿子的极端行为再三再四，因在咖啡馆纵火的罪行而将被起诉。

我们在变好，世界却觉得我们在沉沦。

事情已经超出控制，生活压得她苟延残喘，戴安别无选择，她做了自己当初最不愿做的事——把史蒂夫送回拘留中心。

“你他妈的把我当作垃圾丢在这里！

你让我恶心。

”，“你想让他们电死我！

”从歇斯底里的愤怒到躺在地上的痛喊乞求，史蒂夫觉得自己被母亲再次抛弃。

现实催促他成长，疼痛只有自己去消化。

本该是治疗他们的人，却成了把他逼向绝路的帮手。

本该是保护膜，却成了束缚伤害的荆棘。

拘留中心里，这个满身伤痕的少年，此时难得一见的安静。

母亲没接电话，史蒂夫对着话筒留言：“我真的太他妈难过了，因为你值得更好的儿子，而不是我这样该死的垃圾。

”。

他不是自己了，母亲不再爱她了，这和地狱有何两样。

不论是《伯德小姐》、《四百击》、《潜水艇》，还是本片，剧中主人公都渴望“出逃”，可拒绝成长要付出很大的代价。

最终，少年带着狂喜奔向自由，逃离疯人院，画面戛然而止。

耳边回响着他的那句：“尽管疼痛，我依然爱你”。

*本文作者：Pei

从另一个角度来探讨问题少年，首先它没有过多纠缠于为什么他会成为问题少年，不同于其他片子会把这归因于父母的不管教或错误管教，其次它还展现了这个问题少年善良的一面，对母亲的爱，甚至是超越其他孩子的。

第二个类似妈妈角色的出现事实上改变了很多，正如那个孩子没有获得足够的认可一样，她事实上也没有，从她家中的几个镜头来看都是她偷偷地在透过窗帘看。

她在他身上获得了认可，他也在她身上获得了成就（他认为口吃的变好归功于他）。

片中的结尾给了很真实，也可能是唯一的处理办法，尽管这很残酷，尤其是和他美好的梦境做对比。

画幅的变化很有趣，全片只有两段用到了长的画幅，其他都是更类似正方形的，而这两段都是心情愉悦的表现，第一段止于那份要求赔偿的信，画面慢慢变窄很有想法，第二段则是最后梦境的美好和结尾被送去的残酷形成非常非常鲜明的对比，可能先扬后抑，会更加压抑。

2022-11-11看

文 / 柳莺1989年出生的加拿大美型导演泽维尔·多兰拍出第一部长片《我杀了我妈妈》的时候，就得到了“天才少年”的称号。

虽然此后他继续恣意大胆的创作，诸如《双面劳伦斯》这样疯狂诡异的影片，却得到了两极的口碑，青春期的叛逆在多兰的镜头中被无节制地放大，中产阶级高雅又浪荡的生活亦时常被诟病为矫揉造作的温床，“多兰是个自恋的家伙”这样的评价也几乎是影评人圈内的共识。

就是这么一个靠着禁忌影像起家的少年，这一次终于在戛纳证明了自己成长。

从题材上看来，《妈咪》和他的出道之作有太多的相似，多兰自己也并不反感把这两部影片拿来比较。

不过，时隔五年之后，他终于跳出了自我沉溺的泥潭，带着丰沛的同情和热爱来表现母子关系。

在《我杀了我妈妈》中，多兰似乎想“惩罚自己的母亲”，而通过《妈咪》，他表达了自己的忏悔，“你们什么都别问，我期待她的复仇”。

在导演手记中，多兰写道，长久以来“母亲”是唯一能够给他带来创作灵感的主题，“我愿意看到她赢得战斗，我愿意为她创造困境好让她施展解决的才华，我通过她质问自己，我愿意在众声沉默的时候交给她大声疾呼的权力，我愿意在我们都犯错时，她却保持永远的正确。

不论发生了什么，她将拥有最终的话语权”。

相比《我杀了我妈妈》中明显的炫技和不知所谓的风格化，《妈咪》对于人物关系充满爆发力的刻画，让电影始终在一种令人亢奋的基调中前进。

由母亲迪安（安妮·杜尔瓦乐饰演）、儿子史蒂夫（安托万·奥利维也·皮隆饰演）和邻居凯乐（苏珊娜·克莱蒙饰演）构成的三角关系，呈现出一种微妙而愉悦的平衡，而三人各自性格的缺陷则不断产生将平衡打破的风险。

一面是浓情四射的情感蜜月，一面是万劫不复的暴怒深渊，在心绪的角力中，伤害与抚慰并存，爱与恨也彼此消长。

少年对于母爱绝望的渴求是《妈咪》的主题，这是一部黑暗与温暖并存的电影。

故事发生在不久以后的加拿大，暴躁的单身妈妈迪安有一位同样无法控制自己情绪的儿子史蒂夫，而根据当时政府颁布的法律，患有心理问题的青少年要么必须得送进专门的治疗所，要么得在父母的严密监护下生活。

《妈咪》开始于史蒂夫的重新回归家庭，面对大大咧咧的母亲，他也时常词不达意地表达自己的爱。

两人之间的关系有时又会超越通常意义上的母子之情，史蒂夫对母爱强烈的占有欲和妒忌心，常常给人一种恋爱关系的错觉。

当含有失语症的邻居凯乐出现在他们的生活中，这个情感的三角才渐渐趋于稳定。

从某种意义上来说，凯乐扮演了父亲的角色。

虽然电影并未对史蒂夫父亲做出具体交代，但我们仍能揣测他的去世对母子俩的精神产生的伤害。

凯乐平日沉默不语，偶尔来一下大爆发的性格更具男性特质，她的加入让这个家庭变得完整。

可惜好景不长，迪安对追求者的心动引来了儿子的不满，而后者的冲动又导致了更多的悲剧。

为了展现这个故事中时而纠结时而激昂的情绪，多兰在视听效果上动足了脑筋。

当1:1的画幅出现在大银幕上时，几乎所有的观众都以为他要像韦斯·安德森那样玩起比例切换的把戏。

虽然一开始对正方形的构图不太习惯，观众的视点还是不由自主地集中到了狭窄的区域中，对细节进行长时间的凝视。

长宽相同的画面在观众的心理上也时常造成压抑的效果，特别是在室内戏中，笼罩在一片红金色调下的屋子，显示着某种藏在温暖背后的无名的烦躁之情。

《妈咪》的原声也是电影又一引人入胜的元素，绿洲乐队、席琳·迪翁、黛朵、贝克、安德烈·波切利……各种流行歌曲将电影的声音空间挤得满满当当，让《妈咪》看起来好似一部超长MV。

不过，这些歌曲串烧竟然没有让观众产生厌烦之情，反而在音乐的推动下不断重振鼓舞着自己的情绪。

在电影最为乐观的两个高潮，正方形画面竟然随着歌曲的上扬慢慢被拓展拉伸成了正常的16:9长宽比，这个在电影前半段藏了一个多小时的视觉游戏，也顿时在抛头露面的瞬间点燃了现场所有的观众，《妈咪》中视觉和音效绝妙的结合，也让多兰这个曾经的“耍小聪明的男孩”真正转变成了“让人眼前一亮的天才”。

本文发表于《电影世界》2014年6月刊

实话是冲导演来看的，泽维尔多兰从没让人失望过。

电影开头到结尾，每一个细节都值得绝对值得回味细琢。

也不会写影评什么的，总之我认为给到人真正切身或者不一样的感受就是好电影。

带来的是一些新视角甚至是加入一些新东西到你对世界的看法中。

显然这部电影完完全全实现了电影的作用，通过影像、音乐、表演传达导演的思想，思想观念能有共鸣与灵魂找到契合处，无疑最能得到精神的满足。

文/［法］菲利普·鲁耶 杨·多潘译/ 赛珞璐您在五年内拍摄了五部长片。

您是怎么做到的？

您会同时进行多个项目吗？

是的。

比如在拍《汤姆的农场旅行》时，我还有其他两个已经完备的剧本，但《汤姆的农场旅行》最适合我当时的条件，它是一部能够在短时间内拍完的影片（仅仅用了17天），用手持摄影机和有限的资金，就像对我的第一部长片《我杀了我妈妈》的回顾。

那么《妈咪》也是在那时候写的吗？

不是。

我是在完成《汤姆的农场旅行》之后开始创作《妈咪》的，因为在《汤姆的农场旅行》参加威尼斯电影节之前我有一点时间。

我们没有为戛纳做准备是因为我想要推迟后期制作，以便在一部魁北克电影，丹尼尔·格（Daniel Grou) 的《奇迹》（Miraculum）中饰演一个角色。

我在其中扮演一位耶和华见证人（Jéhovah）教徒，他非常固执和虔诚，宁愿死去也不愿接受能治愈他癌症的输血疗法。

他不是主角，但这个人物让我很感兴趣。

我从四岁开始就做了演员，我也从未真正停下来过。

在电影中，演员的工作是我最热衷的。

我喜欢扮演我自己，我也喜欢引导演员，帮助他们去诠释自己的角色，让他们的表演有所进步。

指导演员这项工作会在拍摄之前完成吗？

当然，对于《妈咪》我们经过了反复排练，大家聚在桌前读了三次剧本，然后在有布景的情况下，对个别较为复杂的场景进行排练，但没有重复很多遍。

况且苏珊娜·克莱蒙（Suzanne Clément）不是一位能让我们和她一起重复排练多次的女演员，但是我们可以讨论。

剧本上的对话允许重新编写。

在片场，我们没有太多即兴发挥，最多也就是在某处加一点个人色彩，尽管我的演员们都非常有创造力。

另一方面，必须完全适应我的这两位女演员，苏珊娜·克莱蒙饰演的邻居凯拉是富有直觉且盲目的，而安妮·杜尔瓦勒（Anne Dorval）饰演的妈妈则是有理由的且能被理解的。

对于苏珊娜，您让她饰演困难重重的结巴……这个人物我在剧本中写得很少，是在片场的时候，我们俩才找到了真正的凯拉。

相比之下，安妮和安托万仅仅是在“念”他们的对话。

为了使凯拉这个人物的结构清晰，您有试着按故事的顺序进行拍摄吗？

从来没有过。

我们必须得适应季节，拍摄场景以及各方面的实际情况。

刚开始，我对次要人物的设置过于或者不够重要感到困扰，最后我们找到了平衡，当我们不再认为凯拉是一个次要人物时，她成为和其他两位演员同样重要的人物。

演员在出场时的站位都很精确，您做了分镜头稿本吗？

我没有做分镜头稿本，但有些场景我画了机位和布光的草图。

我从开始写剧本的时候就思考着这些，因为我在写的时候已经考虑到了剪辑。

之后，我们去看了拍摄场景，发现构思好的一切完全没有可操作性，因此必须得随机应变。

演员们带来了一个我们愿意采纳的提议，我们的剧组在早晨一起排练，这让我们发现过于勉强的创意是不可行的，我们必须再改动。

在拍摄了Indochine乐队的mv《学院男孩》（College Boy）还有《汤姆的农场旅行》后，这已经是您和摄影师安德烈·杜邦（André Turpin）的第三次合作了，您是怎么找到他的呢？

我以前很想跟他一起工作，我觉得他是一个很优秀的人，我欣赏他的才华，我觉得他简单、随和。

那是一次至关重要的相遇。

跟他一起工作您感觉怎么样？

我们一起取舍。

在美国，除了那些大制作的影片，主摄影师也是会负责取景的，而安德烈却很谦虚地把这个位置让给了一位斯坦尼康操作员，由他完成了整部电影的取景。

在片场，我和安德鲁说个不停，我俩都会把拍摄中的问题重新提出来和对方讨论。

他真是了不起。

我喜欢被这样的一群人包围，通过分享我的想法使他们的思维得到拓展。

关于灯光，哪些部分来源于您的想法呢？

我想要一部明亮的、阳光的电影，尤其不要那种阴沉的、抑郁的风格，我们总是把这种调子和这样的人物联系在一起。

我觉得这不仅是品味的问题，更是对这种人物的不尊重，就如同一位在底层人民的生活中“探索”的电影创作者。

这两年我看过太多深思熟虑的电影，自以为这样做对弱势群体是公正的。

对我来说，我想要摄影机平拍这些人物，我们可以和他们对视。

这样的话，您就完全和《汤姆的农场旅行》的那种视觉风格告别了……《汤姆的农场旅行》是关于无的审美,没有解释什么。

在格外令人厌恶的背景当中，我们利用景深来避免它显得过于黏稠。

接近结尾的部分，我们本来拍了一个主角破碎眼镜的很棒的镜头，这副眼镜是他用来观察被那位母亲放在他床下鞋盒里的东西的，我们都对这个镜头感到很满意，但在样片中看到这个镜头时，我们觉得不能保留它了，它已经让人联想到佩金帕（Peckinpah）那部《稻草狗》（StrawDogs）的海报了，而且它太不自然了，完全不能留在电影中。

为了获得《妈咪》中这种阳光的影像，布景师哥伦布·瑞比（Colombe Raby）的工作应该是很重要的吧，她是您从《双面劳伦斯》开始的合作者……当然，把布景从它本来的状态重新布置成我们想要的样子是一项很重要的工作。

我想要一个很昏暗，但又有很多光的客厅，因此我们就用了彩色墙纸，它是以前住户留下的痕迹，就像两位主人公回到了其他人的世界。

母亲在开头就明确指出：她接管了一位老妇人的公寓，她还没有重新装修它，在我们看来，这正是一种不用把彩色墙纸弄得太具有美感的方法。

同样，对于服装必须考虑得周到，我为斯蒂夫选择了一些反时尚（normcore）的服装，这是一种反文化的服装风格，它是对嬉皮士的颠覆。

比如说，我们没有选择Lacoste或者Ralph Lauren品牌的polo衫，我们选择了一个更便宜和不怎么知名的品牌，我会让这些服装看起来像2000年初时那样，这对人物来说更加真实。

母亲戴安的衣服显然都不贵，但更加精心修饰过……她穿得像一个十六岁的青春期少女，有一套自己固定的讲究，即使显得品味很奇怪。

她想要显得性感但还是停留在了穿着舒适的阶段，因为她有很多工作要做。

因此我让她穿那种九十年代末至两千年初的牛仔裤，我们得重做这样的裤子，因为现在已经找不到那样的牛仔裤了，但我还是坚持要做。

对她来说，这个阶段正是她的黄金年龄，她的妆容并不过时。

可能之后她也没有再买衣服。

在片头字幕中，您作为服装师被提到，您为演员们选了服装吗？

服装的选择常常是跟演员联系在一起的，但是我挑选了他们的全部服装，然后他们来试，接受或拒绝这件或那件衣服。

对我来说，给他们挑选服装这项工作和跟他们对台词是差不多的。

这是一种大家一起确定人物的方法。

是的，这时候演员会跟我说他对于角色的想法，他总会为人物构思出其过往经历，我们一起讨论，这比一件服装对他演技的影响更重要。

我记得有一个晚上，我们必须完成一个镜头以结束当天漫长的拍摄日程，这个镜头是要苏珊娜脱掉那双已经把她的脚磨出水泡的鞋。

但她跟我说她更想要穿着它们，因为她饰演的人物凯拉穿着过于小的鞋子感到如此不适，以致于脱掉它们会有影响她演技的风险。

同时，必须注意不能总想要去调整一切不利于视觉协调的东西。

在现实生活中，人们不会在回到餐桌前打电话咨询自己该选哪件衣服的问题，但在我的电影中会这样。

我必须听取演员对于角色服装的所有想法，考虑如何为其他角色设计服装。

对于整体的美学，对您指导摄影起到参考作用的是电影，绘画还是摄影呢？

不是电影！

人们认为我参考大量电影，但没有想想我还很年轻，在我的迷影文化当中还有很大的空白。

我最强烈的灵感是那些没有被人觉察到的事物，就像谣言，它从那边的终点开始，传到这儿的时候它就变成了其他的东西。

对我来说，这就是影响和灵感的不同，影响是种致敬。

我们已经在您的前两部电影中发现了这些影响。

是的，那些和《花样年华》中使用相同音乐的慢镜头……其实，对于《幻想之爱》，人们没有提到伍迪·艾伦《贤伉俪》中那些有说服力的人物，正是这些人物给我片中那些面对摄影机的采访提供了参考。

人们引用了很多阿莫多瓦，因为他拍高跟鞋，而且他是gay，像我一样，但相似之处也仅此而已。

但在电影之外，您会从摄影和绘画当中获得一些灵感吗？

当然。

最简单就是给您看我的look book。

（采访中断，因为他去宾馆房间拿他的look book）这是一份能让我回忆起所有圈内大师和演员的档案，我将它装订好然后选择纸张，此外，我非常喜欢制作这些东西。

我按主题制作了词条，比如，所有关系到人物死亡的图片。

这是朱丽娅·罗伯茨在《永不妥协》中发型的照片，这不是我们决定采用的发型，但这也许能带给我们些灵感。

还有这些纹身，我们已经模仿了这头狮子的纹身。

可能还有星座符号，指甲或者鞋子……这些照片是哪儿来的？

您从网上找到它们吗？

不是，我买了好几吨的摄影画册还有一些杂志。

我把我感兴趣的人物，布景，和所有电影相关领域的部份都剪下来，尤其是那些背景。

比如说？

这张南·高登(Nan Goldin)的照片《剃须的托马斯》(Thomas Shaving)正是凯拉教史蒂夫自己刮胡子那个场景的灵感源泉。

看那个，我模仿它做了浴帘。

这儿，一张格斯·范·桑特《心灵捕手》中的照片，镜头中他在黑暗中给他的妈妈打电话。

还有那儿，我们在室内重新发现的橙色的光，还有最后一组镜头中带点蓝色的光。

我们有印象，您在那些最痛苦的瞬间保留了这些带点蓝色的光，比如唱卡拉ok还有最后在停车场……是这样，但我不知道是不是有意识的。

停车场那场戏是在白天，天一直阴着。

我们在那儿拍摄了两天，第一天，天气晴朗还有朵朵白云，但我们知道第二天要下一整天雨。

当史蒂夫坐在汽车里看到雨快来的时候，我开始在汽车上方制造雨滴，我们衔接了这一瞬间，然后就真的开始下雨了。

可以确定的是，对于这个场景，我想要一种光的断裂。

必须是一种中断，我们在别处。

我们觉得您在每个镜头的场面调度中都有不同的构思……对我来说，《妈咪》在美学上是具有统一性的，即使每个镜头都各有特点。

比如说，在拍第一次晚餐时我用了正反打镜头作为画面的开端，在开始介绍这些人物之前先使他们相互孤立，这样做是为了加强私密的感觉。

我们在他们背后拍的时候，他们会更专注地听别人在说什么。

这都是一些常用的经典拍摄方式，但很有效。

当我们一直在装饰相同的室内时，构图的多变也是一种防止观众疲劳厌倦的考虑吗？

当然，必须得避免无聊和重复，尤其是构图，它必须为叙事服务。

一种构图区别于其他构图的意义正是它的美，我可以欣赏其他的但我不想让它们出现在我的电影里。

就好比黑白片。

在我仅有的一次经验，拍了Indochine的MV《学院男孩》后，我很想再做黑白画面，但我必须得找到剧作上使它成立的理由。

在拍《汤姆的农场旅行》时，我养成了对每一个镜头发问的习惯。

我用这样的构图和色彩讲了什么故事？

它会对观众产生什么效果？

这一刻他会有怎样的感受？

在《汤姆的农场旅行》中我们充分感受到了这种严密。

这部电影不意味着您电影作品中的一个转折点吗？

从情节的角度来看《汤姆的农场旅行》已经离我很远了，但是这部电影让我明白了很多电影之外的事情，它们存在于我们生活当中的方方面面。

因此，是的，这部电影对我来说是一个转折点，它让我有所提高。

在其中出演某个角色对您来说重要吗？

在观察了一年《双面劳伦斯》中的演员后，我在其中出演就是为了丰富它。

在《妈咪》中，我本来想要扮演安托万-奥利弗·波尼安的角色，这个人物就是我。

这点也可以在我对他表演风格的指导中看出来。

您是怎么指导他的呢？

安托万是一位非常出色的演员，他无拘无束，理解力强，早熟。

因为我自己也是演员，所以我有时候会把他的戏先自己演出来，而且我也很乐意和安妮还有苏珊娜配合。

无论如何，当我开始一场戏，在我思考要怎样拍摄之前我都会考虑我想要他怎样表演，然后我观察这些演员，我告诉他们如何做。

为了引导他们，在拍摄过程中我会继续说下去，我说个不停。

因此在后期录音时，清除我的声音就成为一项很繁重的工作！

但是在表演中，这就产生了一些纯粹自发性的瞬间，演员必须放弃所有他之前已经准备好的情绪才能回应我的要求。

我不太知道演员如何反应，他们在心里思量着小把戏：“我要用我的眼睛完成这个拿手好戏，我要拿我的耳环开玩笑！

”不过，会突然有人跟他们说话，然后改变了他们在镜头中所有的表现。

在您的电影或者您的表演中，这是不同的。

您必须指挥团队内部……当然。

在拍摄的过程中我不能给出我的指示。

但是在《幻想之爱》中，我想出了解决的办法来指挥主摄影师的运动，就是在画面外拉动他的羊毛衫，就像是一部纪录片。

因为有些东西不总是能在片场重现：当魔力在那儿，必须要利用它。

您拍了很多镜头吗？

看情况。

我与苏珊娜和安妮长期以来的默契为我们节省了时间。

我保留了《妈咪》中许多第一次拍摄的镜头。

但是对于那些感情丰富的场景必须得多拍几遍。

为什么选择了1:1这种奇怪的正方形画面比例？

真的是正方形，画面似乎把我们拉长了？

画面的确是完美的、由电脑计算好的正方形。

在我拍摄短片《学院男孩》时，我明白了它不是一种强制性的，既受限又朴实无华的画幅比例。

对于人像来说，这是理想的比例，因为观众只能看到人物，画面中除此之外什么也没有。

在电影中间拉开画幅的主意是从写剧本的时候就想到的吗？

在《汤姆的农场旅行》中我们已经对你缩小画面的方式留下很深的印象了……是的，在那些感到呼吸困难的时候。

这次正相反，他们活得很开心，他们的视野也宽广。

这次不同的是，人物直接参与进来推开了画幅的限制。

是电影中的人物改变了语言，他也因此掌握了电影的命运。

第二次画幅拉开也是一样，当他们出发去旅行；然后画幅缩小到画面中只有母亲，当现实再次夺走她的权利时。

为什么您觉得有必要为问题青少年群体虚构出这项法律，这是您在一开始构思阶段就想要表达的吗？

这项法律和黛安的命运联系在一起，它也是剧情当中设置的一枚定时炸弹。

我们会和剧中人物一起开心欢笑，但我们知道未来的某一时刻这位母亲将会履行这条法律，而且，这项法律也为影片提供了政治背景，从而解释了剧作中那些站不住脚的部份。

在现实生活中，拘留所不会将一位已经纵火的年轻人送回家。

为了维护社会安全，他只是被委托给国家看管。

跟往常一样，配乐方面，您列出了一份众星云集的歌单。

这次不同的是，这些歌曲都是剧中人物当时在听的，不再是导演选择的了，这些歌曲都来自男主角父亲在死之前录的一张歌曲合集，这会让观众很感动，因为正是这些歌证明了他在故事当中的存在，推动情节的发展直到最后，当他们在搬家时听那首席琳·迪翁的歌，我们听到那饱满的嗓音……即使到最后的时刻，史蒂夫还在拍手，这段完美的音色继续着电影配乐的风格。

一般来说，您选用一些Noia的原创歌曲，他是谁呢？

一个年轻的秘鲁人，非常有才华，他给《双面劳伦斯》配乐45分钟。

给《妈咪》只配了25分钟，但我们还是都买下来了。

我们并不总是能感受到这些配乐，但我把这些原创音乐放在我的电影中。

而《汤姆的农场旅行》，我想跳过这些配乐，用无声来为心理惊悚片伴奏会更有效，但对于剪辑，配乐的作用占90%！

所以我也明白自己错在哪儿了。

那《妈咪》您剪辑了很多吗？

第一次剪辑完是2小时35分钟，本来还要多二十来分钟，在我看来，这太长了，我本来想要剪掉更多，但那样的话，电影就变样了。

绝不应该强迫影片维持下去，否则影片就会受到严重损害。

一个过于快的场景，有时会让它变得过于长。

您剪掉了一些完整的场景还是一些小的片段？

我去掉了很多场景当中幽默但有点跑题的部份，还去掉了那些啰嗦重复的部份！

尤其是一个在史蒂夫刚被关进拘留中心后，两位女士在咖啡馆的场景。

对演员来说，这个场景是令人十分满意的，对人物结构绝对是有帮助的，但是它削减了我更喜欢的一个镜头的力量，就是最后凯拉和戴安摊牌：这个场景很长，我也很喜欢它；感受到它的不易就好。

让电影即有英语字幕又有法语字幕，这真的是您自己想出来的吗？

是的，为了让观众能更好的理解影片，这是很有必要的，依然是我决定要这么做的。

《汤姆的农场旅行》中有些场景我没有加字幕，但《妈咪》全部都有字幕。

必须要说，在这部电影中，我的这些人物都说若阿尔语（le joual），就像英语中的俚语或者法语中的方言。

这是一种有些魁北克人也同样理解不了的语言！

我认识这样一位母亲，东北吉林人，有着洪亮的嗓音和爽朗的笑声。

都说黑土地走出来的女人性格刚烈直率，动作爽脆麻利，这话一点不假。

就因为老公当年一时鬼迷心窍有了外遇，她便一气之下离家出走，这一走就走到了法国。

在巴黎，她像所有背井离乡偷渡过来的打工者一样，披星戴月早出晚归，含辛茹苦只为“攒够钱”回国“过上好日子”。

她每日天还没有亮透就要摸黑出门，通常坐上一个多小时的车，到城市另一端法国人家的别墅做家政。

别墅大，房间多，上上下下的打扫任务颇为繁重，边边角角都不能忽略。

即便她手脚灵活，动作利索，但有时也忙的连午饭都来不及吃。

过来两年后，她又想办法把刚成年的儿子也带来巴黎，母子二人一起在巴黎近郊租金便宜的地段租了一小间十几平的屋子，一张上下床，儿子上铺她睡下铺，虽然地方不大，但经过她的一番打理，倒也干净温馨。

和她聊天，很少听她抱怨工作的辛苦和在异乡的艰难，挂在嘴边最多的就是“儿子”。

她说只要儿子稳定了，能过上有盼头的好日子了，她就放心了，到时候也能回国养老了。

我还认识另一位母亲，出生于新中国刚刚成立的年代，一心向佛，善良宽厚，一生从未做过伤害别人的事情。

她在动荡的年代里养育了五个儿女，四个女儿如今都已成家立业，也相继有了自己的孩子。

但唯独他的小儿子，因为年少时的一次溺水事件，精神方面出现了不可逆转的损伤。

大部分时候，他和普通人并无区别，行为举止也并无异常，甚至还会讲些笑话逗大家开心。

但有时候，他头脑中的魔鬼就会在毫无征兆无法预料的情况下突然爆发，他疯狂喊叫、摔打物件、甚至产生暴力倾向或做出自残的举动。

母亲心疼儿子，一直允许儿子与自己住在一起，亲自照料他的生活起居。

直到终于有一天，儿子再一次无端失控，而这一次则是将佛龛上的瓷瓶对准了母亲的前额。

如果把这两位母亲的真实故事交织起来，就是电影《妈咪》（Mommy）里的单亲妈妈Diane。

生活对一些人来说总是显得过于残酷。

Diane丈夫离世、失业在家、勉强找到一份家政的工作但仍然经济拮据，她还要独自抚养照顾患有精神障碍的儿子，多动症、精神亢奋甚至时常出现暴力倾向和举动，Steve就像一颗随时可能引爆的炸弹。

这个时候，如果导演Xavier Dolan站在道德制高点把Diane塑造成一个柔弱可怜不堪一击的女子，或者俯在人物脚下抬头仰望，把她描绘成一个拥有金钟罩铁布衫的女金刚，这部电影也就彻底烂番茄了。

而《妈咪》之所以能够在今年第67届戛纳电影节获得评审团大奖的重要原因，就是它让观众从平视的角度，进入了一位真实女人、普通母亲的生活。

于是电影中的这位母亲，说话聒噪，谈吐粗俗，加上魁北克地区厚重咸腻的法语口音和她“颇有创意”的穿衣风格，影片最开始的Diane并不是一个讨人喜欢的“贤妻良母”。

但随着故事展开，她的热忱和直率，简单和坚韧，慢慢赢得了观众的心。

她会勇敢，在签署儿子的出院协议时漫不经心，嚼着口香糖掏出一大串挂满各种小物件的钥匙链，从中挑出一只圆珠笔，叮叮当当地在文件上签上自己的名字，然后拉着儿子头也不回地走进外面街道的阳光中；她会脆弱，失业的时候在儿子面前痛哭流涕，像个需要别人安慰的小女孩，直到儿子搂着她轻声说“我们是一个队伍，ok？

我会照顾你的”；她会恐惧，在儿子失控发作时，害怕得推翻书架挡在她和儿子之间，并躲进房间拼命呼喊试图让儿子平静；她也会享受生活，无论是骑着单车迎风大笑还是在晚餐后打开音乐尽情舞蹈；她也会痛苦挣扎，在儿子自杀未遂后，忍痛决心把他送进精神病院，但又在看到医生们为抓住儿子而强行使用电击时几乎失去理智，像一只受惊的猎豹。

Steve在超市里用货架上的小刀划开自己动脉的时候，恍惚中抬头看见Diane，问她：--“我们还是深爱着彼此的，对吧？

”--“这是我们最擅长的事情，伙计”，Diane平静地回答。

于是想起罗曼·罗兰的那句话：这个世界上只有一种英雄主义，那就是认清了生活的真相后还依然热爱它。

《妈咪》是年轻的加拿大导演Xavier Dolan第二部关于描写母子之间细腻情感的电影，2009年他自编自导自演的影片《我杀了我妈妈》（J'ai tué ma mère）讲述了同性恋叛逆男孩和单亲母亲之间的故事，获得当年戛纳电影节导演双周单元艺术电影奖。

而这一次《妈咪》获得评审团大奖，当Dolan从Jane Campion手中接过奖杯时喜极而泣，他说就是因为受到Jane Campion当年电影《钢琴课》（The Piano）的影响，他决定记录和拍摄那些真实生活中伟大女性的故事。

最后回到电影的名字，《Mommy》，不仅因为Diane扮演了一位母亲的角色，影片中还有一个具象的符号，那就是儿子Steve送给Diane的一条刻镀着Mommy字样的项链。

虽然Diane收到礼物时怀疑并责怪儿子是从商店里偷来的，但却从此以后一刻都没有摘下来过。

或许就像这条项链，Diane在戴上它的同时也打上了“母亲”两个字的烙印。

而每一位女性，自从孩子诞生的那一瞬间开始，这个小小的生命从此便成为了生活中的“第一顺位”，终生不离不弃。

我个人对于小孩子没什么耐心，尤其是对那种在公共场合哭闹个不停的熊孩子，恨不得甩给他一片安眠药（不太人道但真情实感）。

但往往当我在抱怨那些“可恶”的小屁孩时，身边有经验的长者便会会心一笑，意味深长地说上一句：“等你有了自己的孩子，你就知道了”。