西区故事

西区故事 ★★★☆今天这边第一天上，我去的那场基本满席，可以想到大家对这部音乐剧改编电影有很大的期待。

不外乎我也是其中一员。

但是直到片尾音乐响起我也没有太大触动，在我这里就算不上是一部特别值得推荐的电影了。

看下来的第一感想：舞台感很重。

不过似乎舞台剧话剧音乐剧改编都会有这种通病，就是说看起来没那么像是一部连贯的电影。

男女主角的爱情线插入的太过生硬，甚至比两方帮派冲突更加没有缘由，这跟我预想的爱情线柔软穿插在帮派矛盾的主线中的安排大相径庭（也许是我对故事情节的编排过于自作多情）。

以至于结束时我都不觉得这有啥爱情可说，仿佛这一切都只是为了让男女主唱一出tonight（当然歌很好。

）此外，由于是很久以前的音乐剧改编，剧中有许多在今天的我看来很不想理解的地方（不是不能是不想），比如种族主义，性别问题，这些社会问题完全没有被探讨而是不经思考生搬上来，最后出现的无谓牺牲好像也没有给这些人的想法带来什么变化。

而结尾处爱情这个伪命题又被拉出来挡枪，致使全片既没有以小见大反映社会问题，也没能做到描绘爱情令人动容。

有如干吞白饭生咽野蔬，食之无味并再无回味之意。

但是，作为一个音乐剧改编电影，它当然也有对得起它的名号的地方。

比如说服化道，比如说音乐舞蹈。

确实对得起奥斯卡的提名。

总结：音乐舞蹈服化道好卡司都救不了一个烂故事。

色调渲染的很有年代感，画面也蛮吸引人的，尤其是年轻小伙和大姑娘们的群舞表演，可以说是赏心悦目，就是这个情节有点太过虐心，不是理想中的结局。

我原以为男主会凭借自身的魅力说服双方，然后大家一起相互尊重，最后在甜蜜的爱情下结尾。

没想到这家伙太虎了，开头打架和最后捅刀的都是他。

要我说，劝不了就别劝，拉不下脸就撕破脸的行为，属实丢人，这也算了，你还敢去找人家妹妹交流感情，真是六的一批。

另外Maria的表现也是离谱到家，这里不想多说……也许是情节的锅，两位主角不太讨喜，但演技是骗不了人的，特别是这个托尼，一副人畜无害的表情，不是耍帅就是在耍帅的路上，身上连点底蕴都没有，我是真的无感甚至小厌，除了他们，剩下的演员我都很满意，像Anita、Bernardo、Riff等等，因为能感受到鲜活的色彩。

总之，忽略两人的感情线，只关注他人和舞蹈，作品还是挺精彩的。

我觉得在选角方面，演员显然没有旧版惊艳，人物的个性塑造没有旧版的突出，在新版里的主角，尤其是男主，带给人的感觉更像是有双重人格的问题少年，而不像旧版中的那样有人格魅力，而且唱功上也比其他演员略逊一筹。

另外那个鲨鱼帮的跟屁虫假小子女孩在前期的介绍和描述也并不是很多，在后面虽然起到了一定的作用，但是总感觉人物并不是特别饱满。

还有我觉得新版在开头展现帮派斗争的舞蹈上，没有了旧版的诙谐意味，旧版的场景是篮球场，新版似乎是废弃的还是正在重修的房屋，我感觉场景变换上没有旧版的更加明晰，不过从歌舞上来说调动还是不错的。

新版让我感觉创新的点是波多黎各的男女在展现对美国的不同看法时，场景由场内移动到了场外，并随着跳舞的人的移动，看到了当时纽约街头上的形形色色和各种社会现象，配合着他们歌词显得更加真实明确，画面信息量更加多了，展示性和趣味性也变强了。

另外在男主和鲨鱼帮老大抢刀那里镜头调动和画面安排都很棒，跳舞和打架的动作融为一体，非常和谐流畅，观感很畅快。

在看新版时，有关男女主的情感线，我的观感和态度也发生了变化，至少从电影中展现的剧情来说，看旧版的我会觉得这种爱情观是可贵的，我们就应该不顾一切勇敢去爱，但我现在并不倡导这样的爱情观了，我现在认为，在你将要为一个人付出一切的时候，在你确定要把你的真心付出之前，你至少应该先考虑一下你认识的这个人是不是真的就如他所展现给你的这个样子一样，是否真的值得你去付出（并不是要鼓励在感情中考虑其他方面的收益，而是对方是否认可并回应你的真心），显然在电影中，女主并没有确定第一件事，我认为女主还并不了解他的情况下就愿意付出真心是很冒险的一件事，不值得我们去提倡，现实生活中，有多少女生因为男生在一开始接触时的虚假面具就芳心暗许，最后发现真相的时候受伤的只能是她自己。

而且我认为我们也不要过于将爱情碰上神坛，是的，一段美好的爱情确实会让一个人的各个方面都更加添彩，但良好的情感关系的前提是两个心理健全的人，我觉得在现在碰到心理健全充盈的人已经很难了，更不要提其他外部因素，所以现在大多的恋情都只是为了填补内心的空虚和改变无聊的生活罢了，而影视剧又将爱情渲染的如此伟大和神圣，让一些本就难以找到爱情的人更加向往（甚至会让他们急于寻找而降低标准），让处在爱情中本就心理不充盈的人的期望又过高而产生不健康的心理状态，我个人感觉通过这种不合理的剧情来营造爱情的神圣是不太好的，容易误导一部分观众。

（本文修改版刊载于《环球银幕》2022年3月刊，未经授权，严禁转载）

在《西区故事》的最后，导演斯蒂文·斯皮尔伯格将一行简单的“给爸爸”（For Dad）放在了字幕之前，让整部电影有了一个更为私人又温馨的结局。

作为1961版《西区故事》的翻拍，本片以一种“反哺”的姿态，让几代人一起重回影院，感受纽约街头“火箭帮”和“鲨鱼帮”那群野小子们的劲舞，感受波多黎各人烈焰般的激情，也被伯恩斯坦那打通古典交响乐和当代爵士乐的完美曲调所感动。

西区故事 (1961)7.51961 / 美国 / 剧情 爱情 歌舞 犯罪 / 杰罗姆·罗宾斯 罗伯特·怀斯 / 娜塔莉·伍德 理查德·贝梅尔献礼父亲，是因为父亲阿诺德·斯皮尔伯格是《西区故事》的“死忠粉”，斯蒂文伴着这部作品的原声度过了青春期。

在他对电影产生浓厚兴趣的启蒙阶段，这些歌舞不经意地融入了他的审美基因里，原作的结构和编排他也早已烂熟于心。

“给爸爸”于是，在新版的《西区故事》中，他并未对脱胎于《罗密欧与朱丽叶》的故事做改动。

距离莎翁的时代太远，在当代年轻观众心中，这个过于梦幻而甜蜜的故事多少变得难以令人信服，一见钟情后紧跟而来的血雨腥风也显得有些刻意甚至狗血。

《西区故事》的情节似乎和罗密欧与朱丽叶一起，被冻结在了时间里，缺乏某些被共同想象所构建的“时代精神”。

白人演员需要涂黑皮肤来扮成波多黎各裔但这并不意味着新版《西区故事》失去了它存在的必要性。

对于老版，影迷所熟知和诟病的一点便是电影的选角：60年代的好莱坞并不能为真正的波多黎各裔提供舞台，当时 “鲨鱼帮”头目贝尔纳多的乔治·查金思是希腊裔白人，他需要涂黑皮肤来演绎一位拉丁裔的角色，而这在当今的好莱坞是破坏底线、不可接受的大忌。

因此，斯皮尔伯格一开始就带着“纠错”的历史使命来重启这个项目，要把塑造角色的权力还给真正的有资格诠释他们的人。

我们等来了“万里挑一”的拉丁裔演员瑞秋·泽格勒、大卫·阿尔瓦雷茨和阿丽亚娜·德博思，博德斯已经斩获金球奖最佳女配角并获得了奥斯卡提名。

但斯皮尔伯格想做的显然不只是如此表层而直接的赋权，他希望能让这些角色以自己的方式重述根植于他们身上的这段移民历史，从而完整他们的个体叙事。

我们可以看到他是如何想方设法加入更多内容，比如将核心场景设定在了正在施工的林肯艺术中心。

在上世纪60年代，这项工程把移民社区挤出了他们的家园，让他们在流离失所中进一步被边缘化。

“鲨鱼帮”和“火箭帮”的舞台，围绕着这个以真实历史事件紧密关联的空间展开，所有的废墟布景都有了自己的叙事意义。

拆迁的铁球悬挂在天空中央，它沉重的质感让我们怜悯着两群青年的狂躁、迷茫和不安，电影在文本层面也有了更多的内涵。

电影开始，镜头从拆迁废墟的特写和写有“贫民窟清理”字样的标牌摇起后，滑过林肯艺术中心的效果图，紧跟着便是拆迁的大全景。

在一个十几秒钟镜头之内，导演便高效完成了故事背景介绍与场景的“亮相”，顺便同老版做了鲜明的区隔。

镜头自上而下移动，接连经过两个硕大的铁球，然后“火箭帮”的成员推开地窖大门探出头，压迫感和危机感便在镜头运动和调度之间灵巧传达出来。

与此同时，大师的斯皮尔伯格同样丰富了《西区故事》的视听呈现。

相较于老版，我们能从电影的开场就感受到他是如何精心排布场面调度：帮派成员们穿梭于纽约的街头，镜头捕捉着他们的动作，随着他们在地面上用滑步前进，镜头也带着我们一起向前滑行。

流畅的剪辑卡在音乐的节奏上，运动感扑面而来。

除此之外，老版中那场已经成为歌舞片的经典范例的“天台歌舞”的段落，也被斯皮尔伯格平移到了地面上，这首波多黎各人传达他们心中梦想的歌曲《美国》得以真正在宏伟的场面中进行。

前后景交错，人物你方唱罢我登场，摄影机在其间优雅而丝滑地移动着，却从不会让观众遗失注意力——歌舞类型片最令人沉迷和愉悦的调度美感，斯皮尔伯格都成功地呈现了出来。

《美国》唱段的歌舞场面六十年过后，大银幕上的歌舞还在继续，斯皮尔伯格为年迈的父亲和年轻的自己编造了新的梦。

社会的发展或许让我们不再相信爱情童话，对刻意的悲情也充满了抵触，但我们始终还可以在歌声和舞蹈中被艺术最本质的美打动，被电影魅力所吸引。

从这点上来说，《西区故事》便完成了它在这个时代的使命。

没有看过原版，英文勉强过关跑影院看的。

非资深影迷，主观写评。

电影的爱情线好听点说有点过于戏剧性和理想化，看到Maria跟她悲痛欲绝的嫂子唱I love him I love him时整个人懵了，转身就跟朋友说了句这剧情好迷。

除此之外，男女主塑造单薄，尤其男主文艺青年气质太盛完全看不出他曾是个每日除了在痛苦和迷茫中吃喝唱跳就是等死的街头混子，关键这种气质还不是一句i am a different person now能改变的——你能想象Riff对着一个女生一见钟情二见倾心然后在浪漫夜月踏波独舞深情地一遍遍高呼MariaMaria吗？

对他们这种人改过自新需要过程，因为安全感的缺失、与正常生活的脱轨再加上疯癫惯了的恶习，需要一个艰难的自我和解的过程。

在此提名Riff，非常亮眼，每一个动作和表情都富有张力，站在那里就能感觉有情绪宣泄而出。

从他和Bernardo的戏份就能看出，两个帮派间的相互敌视不只因种族对立还有更复杂的揉杂其中，Jets象征旧美利坚青年被原生家庭所缚、深陷于酗酒和暴力的麻痹、绝望，Sharks则代表着新美利坚满怀希望、充满干劲，甘愿跨越重洋努力生活却饱受歧视和不公的新一代移民，影片中两者有所对比：Jets每次出场的背景色都偏黯然阴郁，冷色调的衣服，他们在警局用夸张谐谑的手法自嘲自己是废物的那一段虽然滑稽——但相较于Sharks总衣着鲜艳的暖色，还携眷在阳光普照的街道歌舞，在抱怨着生活苦难嘴臭的同时但仍憧憬未来——却仍是悲剧内核，荒诞的悲剧。

互相羡慕导致互不理解、再导致互相敌视互相折磨的悲剧。

Riff被刀捅时神情一怔，在转瞬即逝的害怕的颤栗中嘴角带笑说的那句：“It’s ok, it’s ok.”，看得我如鲠在喉，说不出的难受。

男女主的爱情线撑不起来，太完美太单纯，撑不起那种矛盾的对立感和两者之间跨越隔阂互相救赎之感，男主Tonny在影片中就是个不谙世事满嘴情歌的罗密欧——这种诗意的角色只能被华丽辞藻的莎士比亚戏剧赋予灵魂，跟背景的西城有很强的割裂感——在陀思妥耶夫斯基的小说里演怦然心动，你不领盒饭谁领盒饭？

这直接导致后期看点不强，主题陷入俗套，结束后盯着黑屏很久直到弹出导演名称灯亮了才察觉到已经观影完毕，第一反应：就这？

第二反应：好拉啊，你强行升华下也行啊。

但整体来说，还是值得一看的。

非专业角度来讲，影片里歌唱得很好听，每段跳舞的片段色彩碰撞、镜头流畅表现力极强，尤其是Tony和Riff边抢枪边唱Crazyboy的那段。

以上。

说实话，这个电影好的地方是真的好，烂的地方合作真的烂。

由于好坏交错，经常有一种莫名众星捧💩的感觉 我喜欢的地方：绝大多数的选角都很在线， Ariana DeBose， Mike Faist 包括新人Rachel都非常出彩。

如果说普通人的眼睛是窗户，那Ariana眼睛就是钻石了， America那首歌里真的是眼睛里都闪着火彩！

Mike Faist舞蹈唱歌演技每一项都很赞，我最喜欢他去买枪的那场戏。

Rachel作为新人真的很不错，她声音真的好甜啊。

我很喜欢让Rita演Valentine然后唱Somewhere这个改动！

她唱这首的时候真的有一种超脱出宗教意义的慈悲感，在苦难中保持希望，继续前行。

因为我个人不是很懂编舞，我只能感觉到看了以后舞蹈好帅啊。

但是我非常喜欢电影里对灯光的运用， 每个镜头都非常漂亮。

我不喜欢的地方剧情逻辑，好吧，这故事是罗朱改编的要求剧情逻辑是强人所难，电影也确实试图给冲突做更多的逻辑铺垫，但是罗朱故事就是不make sense啊剩下都是对男主吐槽了，可以跳过去了朋友电影前给我打了预防针，说男主唱歌难听，但是男主一开口Maria我真的笑出声了。

从此以后他唱歌电影院里真的是一片欢声笑语，我还以为我自己看了个喜剧。

而且他和女主合唱的几首真的好像是女主在做声乐教学，同样一句真的拉垮太多了。

Tonight唱得像phantom！

女主教一个没感情的小C！

男主唱歌🙄️ 就算不谈技巧，声音里完全也没有故事感和叙述性。

舞蹈灾难演技麻麻，连肢体语言都非常难看，几场高光戏处理的都毫无感情。

他以为女主死了以后的那场戏更是灾难，这到底是为什么 。。

一句话，如果还没看过这部电影的，就别看了——不如再去把1961年原版电影找出来看一遍。

是我大意了，真的。

我原以为在LMM已经成为美国主流文化代表人物的今天，是时候可以重新讲述一下波多黎各裔上世纪50年代来纽约定居的“美国故事”了。

但是我忘记了，音乐剧翻拍成主流商业电影并不容易。

当初拍什么像什么的伊斯特伍德，因为拍了电影版的《泽西男孩》差点儿让我觉得晚节不保。

何况是近几年几乎拍一部我失望一部的斯皮尔伯格。

当然了，这个电影表现力不佳，也不完全就都由斯大师背锅。

那么我们今天就借由对本片各主要部门的功过评定，来简单聊两句，在21世纪，该如何翻拍一部musical？

1、歌舞范式与现实主义表现手法的分野歌舞片作为好莱坞成熟的类型片之一，在上个世纪中期曾经非常受欢迎。

那个时候电视还没有在普通家庭得到普及，看电影要专门去电影院，某种程度上，这项活动的隆重程度和看一场舞台演出类似。

那个时候的观众不会纠结于银幕上的角色走着走着路突然在街上来了一大段踢踏舞或者情到浓时脱口就是一段咏叹调，音乐片，虽然在表现手法上会比人们的日常生活夸张许多，艺术嘛，总是要高于生活，而演员们的悦耳歌喉和曼妙舞姿给观众带来了极强的视听享受，大家会欣然买账。

于是，很多歌舞片的叙事“语法”就逐渐被固定了下来，与当时如日中天的音乐舞台剧一道，从有声电影产生初期一路火到了60年代。

观众印象中最经典的歌舞片大多产生于那个时代（R&H什么的，横跨百老汇与好莱坞）。

后来音乐剧和歌舞电影开始分化发展，音乐剧挣扎过一段时间后，随着流行文化的变化，开始有更多曲风，民谣、摇滚、说唱，也开始出现小清新的舞台，更加自然平实的艺术风格，但是不论如何，因为音乐剧始终是高度“舞台化”的，观众在观剧的同时已经默认了舞台上发生的一切“不是真实生活本身”。

但电影就不一样了，大部分电影是不能突破“第四面墙”的艺术，有着无限趋近于真实的场景，天然就有让观众信服的义务。

所以，一部真人歌舞电影，怎样做才能让观众“不出戏”，就变成了重要的命题。

基于我上述论点，相信大家不难理解，为什么动画片做歌舞片就要容易许多。

事实上自90年代以降很多经典的歌舞片都是动画片。

而原创的真人歌舞片越来越少，近年受到主流艺术/商业双认可的就更是凤毛麟角（当然了，歌舞的创作成本较高且涉及跨界，大部分电影导演也不会凭空就选择歌舞作为自己的叙事手段），而且这类影片大多看起来“非常复古”。

近几年最具代表性的也就是2016年的《爱乐之城》了，下一年的《马戏之王》勉强也可以算一部，但是《马戏之王》受到的关注和吹捧基本都没有出圈。

再往前数，恐怕就是2001年的原创电影《红磨坊》了，凭借巴兹卢瑟曼精美的艺术风格和男女主角的完美演绎，获得了口碑与票房双丰收，在多年后反向输出到舞台，有了自己的改编音乐剧。

但是《红磨坊》的成功仍然比不了第二年的《芝加哥》，而后者则是对经典舞台剧的翻拍。

在华语影坛，凭我个人印象21世纪能达到这样成功的主流歌舞片就只有陈可辛的《如果爱》。

可见这个品类，放在今天，并不好驾驭。

除了上面列举的几部优秀的原创歌舞片，大部分歌舞片都是传奇音乐人物的传记，或者音乐舞台剧的翻拍。

好处在于，当电影创作时，你已经有了一个成熟的、且具有一定票房号召力的IP，有了剧本的蓝本（注意，改编电影时剧本仍要进行再创作，但是毕竟是改编，而且原始素材招人喜欢和惹人讨厌的地方都是经过市场印证了的），还可以在相关跨界领域寻找演员（音乐圈演音乐人、舞台剧演员演舞台剧的电影版，有些还自带名气）。

而挑战则是，原始素材可能已经过分深入人心，而它一开始并不是为了【电影艺术】所创作的。

个人见解，一部音乐舞台剧要翻拍成电影时，挑战最大的主要是三方面：音乐、镜头和舞蹈。

这么说似乎有点多余哈，音乐和舞蹈本来就是musical的灵魂要素，而镜头设计则是电影艺术的精髓所在，但是，当艺术形式转化时，最先产生矛盾的恰恰就是这些核心部门。

关于音乐，有些musical可能没有那么看重舞蹈，但是所有的musical都一定非常重视音乐。

电影导演允许原曲谱在影片里占怎样的比重？

选择什么样的编曲风格？

更重要的是，和电影的整个声音部门怎么配合？

一部影片往往有比较统一的风格设计，当重要的歌曲唱段响起的时候，我们会进入情绪性段落，听角色唱歌抒情，但是在叙事的主体段落呢？

在歌曲的间隙呢？

在黄金年代，一部歌舞片可能会选择用全配置的交响乐团（full-orchestra）将曲谱满铺整部影片，但是那种审美意趣已经和当今观众的观影习惯脱节了，当我们看到主人公在城市的街道上走路的场景，我们可能会期待更真实自然的环境音，会希望配乐能够低调一点，而不是时刻彰显自己的存在感。

而“幕间戏”的编曲风格又需要和核心唱段保持一致。

很多时候，作为一部21世纪的新作品，导演们会尝试时髦、轻巧的编曲风格，以期让“讲故事的手法年代和电影产生的年代保持统一”。

我举个例子，上面提到的《红磨坊》剧情背景设定是十九世纪末的巴黎，所以该片在art design（服化道美术）上要营造出那个年代的氛围感，但是该片的歌曲却大量使用了流行音乐的元素，不论歌词、曲风、配器、演唱技巧，以让观众get到这是一个讲述于2001年的故事。

我再举个不那么成功的例子，著名音乐剧《歌剧魅影》讲述的也是十九世纪巴黎的故事，但是因为舞台剧是二十世纪八十年代创作的，韦伯把曲谱写得非常古典，编曲却又混杂着大量80年代midi风，该剧至今仍在上演，风格也相对固定了下来。

结果当《歌剧魅影》2004年被改编成电影版的时候，电影导演不太敢动原作的音乐风格，韦伯自己写了首相对“风格与时俱进一点”的新歌，却融不进原剧，只能放片尾字幕的时候放。

显然，原曲谱越古典，和当下流行风格的gap越大，改编难度也就越大。

2012年汤姆霍珀翻拍《悲惨世界》的时候，因为坚持所有演员现场演唱收音，差点儿扑街，勋伯格粉丝也会痛心于浪费了那么宏大气象的曲谱，但是好在，没了勋伯格光是靠雨果也撑得起这个IP。

那么回到2021版《西区故事》，西区故事的原作之所以成为经典首先得益于伯恩斯坦的大师曲谱，这点显然斯皮尔伯格也没有太创新的解法，只是在一个相对减量版的配乐中加入了大量的空隙，用弱化音乐甚至没有音乐的段落塞了不少“文戏”进去，而这些，让我觉得影片节奏无比冗长，戏剧张力大大减弱。

关于镜头设计和编舞我放在一起说。

简单讲，一个不懂编舞的导演拍不了音乐剧，就如同一个不懂镜头该怎么运动的导演拍不了电影一样。

这个门槛并不低。

漂亮的舞蹈动作并不仅仅是为了“炫技”，而是组成叙事不可或缺的一部分。

而在舞台上，因为观众的“观看”（observation）是相对客观/外在的，可以说，大量的舞蹈动作原本就是为了“固定机位”而设计的。

但是到了电影中，在一个更加灵活、流动的空间内，我们从哪看、怎么看这些舞蹈场景，就构成了全新的叙事角度，again，因为运动镜头在影片中经常被用于表现内心戏，而我们在看歌舞的时候，特别是看宏大的舞蹈场景的时候，一般不想拆穿这个“第四面墙”让观众意识到导演的存在，但是导演又不能真地放弃“选择”和“引导”，舞蹈场景的机位怎么运动，就成了特别的难题。

有不少musical在翻拍的时候弱化了舞蹈的部分，比如伊斯特伍德拍Jersey Boys, 除了主人公上台演出的段落，感觉就像一般的故事片，which might be fine… 但是当原作舞蹈特别精彩特别重要的时候就不合适了。

当然，同样的舞蹈动作，在舞台上是否合理和在电影场景中出现是否合理是截然不同的，一个代表性反面案例就是2008年的电影版《妈妈咪呀》，舞台剧导演把新郎和伴郎们穿着潜水服的那一段“lay all your love on me”的舞蹈动作原样搬到了海岛实景中，让他们一个个地跳入海里去了……即使是喜剧这样的桥段看起来也毫不幽默，而是让人觉得他们都是神经病。

我觉得造成这种失误的原因就是不同艺术形式对“写实”的接纳程度不同。

正面教材当然就是2002年的电影《芝加哥》，虽然是音乐剧的改编版本，所有编排调度却大不相同，既要“再创作”又要保持Bob Fosse原choreography的神韵，是很难的，而因为他们完成度高那年甚至得了奥斯卡最佳影片……所以说，如果2021版《西区故事》有哪里可取，就是卡明斯基的摄影输出还是很稳定的。

看完第一大场戏我其实还蛮惊喜的，因为the Jets song的表现一定程度上会体现出电影“写实”的程度：高度还原的50年代纽约街景、在建的林肯中心、写实的环境音和伯恩斯坦曲谱的融合、人物在较大范围内走动的同时开启标志性舞蹈动作、以及行云流水般的运镜和不断在大小景别间切换来平衡“真实感”与“舞台感”……如果导演和DP完全不懂舞蹈，是很难做出这样的调度与镜头设计的。

可惜，一切美好的幻想在男主出场后就破功了(￣◇￣;) 这样就让我们开启第二部分的讨论—— 2、一部翻拍作品最重要的是什么？

是卡司，是卡司，还是卡司即使从来没看过《西区故事》原作音乐剧和61版电影、也完全不了解剧情梗概的观众，仍然会在影片相对靠前的位置（最迟到舞会那一场戏）就了解到，这是一个背景设定在上世纪中叶纽约街头的莎士比亚的罗密欧与朱丽叶的故事。

到了故事的结尾处，主角们可能像莎剧原作中一样，全死去，也可能作了新的编排，但是相信我，观众不是来看剧情的。

结局不是悬念，或者至少不重要。

这跟观众在看作为原创故事的“啦啦蓝”时的心态完全不同。

名著的一部分，就是观众是走进剧场/影院来观看一个他们已经熟知的故事的。

这些角色是观众熟悉的，而且他们带着非常强的前设。

所以每一版翻拍作品，在宣布卡司的一刹那，就已经锁定了影片的最大悬念：这几个演员演绎这些角色怎么样？

是否有说服力？

是否赏心悦目？

很多时候观众心甘情愿掏钱花时间，是为了看明星：like, “OMG Meryl Streep could actually sing!” or, “什么？

狼叔那么瘦弱居然去演冉阿让？

我不同意！

”不管赞美还是吐槽，看了再说，因为卡司引发了我足够的好奇心。

不是明星也可以，我会愿意看性转版的天鹅湖、全少数族裔版的汉密尔顿、或者就是some random young pretty faces. 而作为一部音乐剧翻拍电影的卡司，大家主要会从三个角度去评价演员的演绎：唱功（包括舞蹈技巧）、演技和扮相，就跟歌剧或者戏曲差不多哈哈。

这三点，缺一不可，特别是主角，如果任何一方面缺失都会让观众想要退票。

2021版的《西区故事》给我观感如此之差，选角导演可能得背一半的锅——搁着那么多唱功舞技演技甚至江湖地位均过硬的配角和群演，上哪儿挑了这么离谱俩男女主？

Tony像个木头人一样让人出戏，Maria长得没毛病但是塑造得像个痴女，俩人的爱情戏何止不convincing，完全让人尴尬。

要知道，这种爱情故事，最重要的就是男女主角之间的化学反应，如果没有，整部影片就会变得滑稽。

特别是莎士比亚给罗密欧与朱丽叶安上了那种“一见钟情”的桥段，就更难演绎。

当然本剧男主不仅爱情戏演得不好，跟哥们儿的情感也完全看不出来，已经到了他出现我就想快进的地步。

至于子弹姐的Anita，确实塑造得非常有魅力，但是也不值得单为了她看一遍这部电影，这么说吧，Anita这个角色写得就比较讨巧，历届都是谁演谁得奖，虽然2021版的Anita进行了一些更加现代化的twist，但是我觉得综合表现力并不比61原版电影里的Rita Moreno更好，而Moreno演员本人更是作为制片人之一参演了本片（饰演Valentina），还贡献了一首新歌，但是有点强行加戏了我也不太买账。

剩下的演员基本都是舞台剧演员了，想看他们的精彩演出大可以找点舞台版的视频，包括我非常欣赏的音乐剧演员Brian d'Arcy James，是不是自《傲骨贤妻》《嫌犯追踪》以来就专心在好莱坞跑龙套了啊？

3、精英话语权的削弱与美国式说教作为斯皮尔伯格操刀的主流商业电影，2021版《西区故事》不出意外地带有强烈的政治色彩，而且是过于露骨、过于絮叨的那种“爹味说教”。

种族矛盾和冲突，从上个世纪伴随着有色人种往美国的移民潮和美利坚民族想象共同体在重塑过程中“精英”与“大多数”对话语权的争夺，从未停止过。

时至今日（2020年代），这一问题不仅没有解决，反而随着【母语为西语的人群】（美国式政治正确求生欲哈哈）在人口比例中的不断增加和社会贫富矛盾的加剧，变得越来越尖锐，“人民”不是越来越团结，而是越来越撕裂。

影片中已经用非常直白的台词说明了帮派斗争的背后真实推动力，不是种族仇恨，而是经济利益（“It's not about race; it’s about terrirories.” ），并且，把这两群可怜的青少年留在这个人间炼狱互相争斗的是阶级的壁垒（提示：50年代的纽约西区还是底层人混迹的、治安最差的街区，但是林肯中心马上要建起来了，以后就是你们都高攀不起的地段了……）当然，可能故事里的秩序代表者（警官）会把这些孩子们的不幸归结为他们的父母没有努力，酗酒、吸毒、游手好闲，没送他们去受良好的教育，而我们都知道，在那之上还有更沉重的力量扼住这群孩子命运的咽喉。

但是不管怎么说，这样的问题，点到为止就好了，观众明白了就明白，不明白就算了，到底有没有必要喋喋不休以至于破坏叙事的流畅性？

本片的剧本改编是美国著名编剧Tony Kushner，这可是写出过《天使在美国》这样masterpiece的人，而且他的剧本改编能力并不差，至少他是非常witty的。

我不理解为什么本片的说教那么傻愣愣的，不知道Tony Kushner是不是被斯大师的“爹味说教”给洗脑了，愣是在每次戏剧冲突大小高潮来临前后都要插入大量冗长的文戏，就讲道理，不讲感情。

斗殴之夜、Riff和Bernardo死了以后离电影结束居然还有40分钟，虽然基本情节和舞台剧、原版电影是一致的，但总给人“Tony死太慢”的观感……当然了，现在是2020年代了，做一部主流商业电影，你不可能让所有观众都满意。

由名导斯皮尔伯格执导的歌舞片《西区故事》，入围了今年奥斯卡最佳影片、最佳导演等七项大奖，堪称夺奖热门。

但在中国，口碑扑街已成事实。

豆瓣6.4的评分在他的长片作品里垫底，与北美地区的高口碑大相径庭。

中美口碑差异明显故事冗长过时、男主表现力不佳、西班牙语台词听不懂、翻拍毫无意义......在负面评论的包围下，老导演首次操刀歌舞片，致敬经典的新尝试，仿佛变成五十多年从影生涯里的最新污点。

新版《西区故事》，预算高达一亿美金，虽口碑过硬，但由于北美上映时机不妙，撞上奥密克戎病毒大爆发，票房惨淡，以亏损告终。

难道这部翻拍经典本身，也像它令人尴尬的票房一样，吃力不讨好，拍了个寂寞？

细看影片，就会发现情况或许并非如此。

斯皮尔伯格的《西区故事》，绝不该困在听不懂西语、故事老套这样粗放的批评中。

相反，它是一部注入了大师技艺，成色优秀的电影作品。

新《西区故事》同1961年的老版一样，都改编自1957年的同名百老汇经典音乐剧。

主要讲述20世纪50年代纽约西区街头，由美国白人组成的“喷气机帮(Jet)”，与由波多黎各新移民组成的 “鲨鱼帮(Sharks)”之间的争斗。

白人帮的前首领托尼（安塞尔·艾尔高特 饰），爱上了另一帮派老大的妹妹玛丽亚（瑞秋·泽格勒 饰），一段罗密欧与朱丽叶式的爱情悲剧就此展开。

最后双方首领大决斗，以三人死亡告终。

作为一部翻拍片，自然免不了同老版相比较。

斯皮尔伯格这一次，也对老版进行了有意识地改写，而非如一些负评所说的照本宣科、倒模重拍。

针对老版相对失真、落后于时代的种族形象刻画的更新，应该是所有观众最直接可感的变化。

老版里，许多扮演鲨鱼帮成员的演员，都被迫化妆“抹黑脸”来增加波多黎各人身份的信服度，包括饰演女主角的白人演员娜塔丽·伍德。

尽管有十项奥斯卡大奖加身，但这些种族歧视行为与不贴合剧情的问题，还是给这部经典蒙上了阴影。

为了更符合剧情里鲨鱼帮成员的族裔身份，新版的鲨鱼帮成员全由拉丁裔演员出演。

女主角玛丽亚，也特意选择美籍哥伦比亚裔女演员瑞秋·泽格勒（Rachel Zegler）担任。

不少观众吐槽听不懂的西班牙口音，与缺少的字幕，也是斯皮尔伯格故意为之。

比起老版鲨鱼帮成员一口流利的英语，新版时不时冒出本地人听不懂的西班牙话，才更接近上世纪50年代的纽约街区的真实生活状况。

假如这些拥有充分剧情合理性的调整，也被吐槽为迎合政治正确的投机取巧，那也真是太看低导演了。

从选角的调整，到西班牙语台词的刻意为难，或许就能看出新版《西区故事》，选择的是更有真实感的风格。

就像新版的开头，摄影机就不似老版一般鸟瞰纽约现代化的城市景观，而是从一片待建的“废墟”中穿过，让观众看见了尚未建成的纽约林肯中心（汇集歌剧院、音乐厅、室外音乐厅的文化艺术中心）。

这些未成型的纽约文化地标，化作电影故事的时刻表，弥补了老版直接省略的部分，似乎也暗示着，这一代帮派分子，并无法享用这座城市未来的资源和美梦。

待建的林肯中心新版对于当年纽约西区街头实景和诸多细节的追求，在某种程度上，也塑造了那个年代的视觉颜色。

有别于老版舞台化的明艳多彩，新《西区故事》在“亮”的同时，也带着明显的“灰度”，并反映在故事本身。

新（上）老（下）版本的色彩差异新《西区故事》里，美国梦的不可企及与族裔冲突，更具绝望意味，也映射着当下的社会现实。

配角设定的增改就很说明问题。

老版里挡在两个帮派之间，替他们讲和的老警长，到了新版就变成一个挑拨分子与种族主义者。

在他的怂恿和默许下，两个帮派开始了你死我活的地盘争夺。

电影也通过他的冷血发言，道出了一些事实——两个帮派的成员，无论皮肤是白是棕，英语带不带口音，到头来都是身处城市底层，抢夺有限资源和上升通道的弱势者。

美国梦与天下大同的理想，并不在他们纽约西区的生活现实中。

新版里，扮演男主情敌的波多黎各青年奇诺的经历，也有不亚于男女主无望爱情故事的悲剧感。

在学校修习会计学科的他，是鲨鱼帮首领博纳多口中“我最聪明的朋友”，代表着底层移民，以知识技能摆脱阶级宿命的希望。

他用心撮合奇诺与自己的妹妹在一起。

但在帮派斗争中，文质彬彬、心地纯良的奇诺，沦为枪杀男主托尼的凶手，被仇恨蒙了眼和心的同时，也断送了自己的前途。

这些增改盘绕于男女主的悲剧爱情主线，虽算不上给故事改头换面，但也丰富了肌理。

尽管它们在歌舞片的类型里，深度有限，也很容易被忽略。

如果说细节的增改不易察觉，那新《西区故事》在视觉上的精彩呈现，则是不可被忽略的华彩部分。

荣获过两次奥斯卡最佳摄影的亚努斯·卡明斯基，是斯皮尔伯格的老搭档。

在他的镜头和斯皮尔伯格的场面调度下，新版《西区故事》获得了超出老版的灵动自由。

比起老版更加舞台化，多水平方向调度的歌舞场面处理，新版的摄影机与人物，明显拥有更大的活动空间。

他们的舞动，带出了更多纵向的移动，这些对于景深和真实空间的探索，也凸显出有别于舞台的电影感。

尽管视觉风格总体追求真实，但在特定的歌舞或戏剧性场面，电影还是使尽浑身解数，利用阳光、霓虹灯牌、各式各样的室内灯泡、彩色玻璃，制造出了各种各样、具有表现力的光线和色彩。

它们或化身男女主一见钟情时镜头上的迷幻炫光，或是命案发生后的危险阴影。

从流光溢彩到冷硬诡谲的两极变换中，艺匠技巧尽显，颇有好莱坞大片场时代的风采。

这么说来，新版不仅是对老版各类问题的修补（老版诞生于歌舞片的过渡阶段，和改编的百老汇音乐剧时间相近，从形态上也更接近音乐剧），也是一次斯皮尔伯格在美学和故事上再创造。

不过，新《西区故事》面对中国观众，遭遇口碑大失利，也有其自身的问题。

观众诟病的男主演技舞蹈差、男女主cp感不强的缺憾，都确实影响观感。

“音乐不入耳”的批评，也指出了斯皮尔伯格把控“歌”“舞”两个关键要素时的不平衡。

在经典旋律不变、影院音响设备更进步的情况下，观众似乎并没有在新版获得更优质、丰富的听觉享受，或许就能说明电影在音乐方面的问题。

男女主的主线苦恋悲剧，连同“哥哥前脚死，妹妹后脚就同杀兄仇人滚床单”的扯淡剧情，虽脱胎于经典莎剧《罗密欧与朱丽叶》，也和老版电影没区别，但还是换不来中国观众的宽容。

在各式经典黑帮片里，看惯了帮派尔虞我诈、街头火拼的中国观众，显然无法在这个少年们小打小闹，大谈老掉牙爱情的故事里获得共鸣。

电影对于美国历史的再讲述，从情感和故事背景两方面来看，则离中国观众更遥远。

而且，中国观众对歌舞类型的接受度从来都不算高，即便是故事发生在本土的歌舞片。

2005年，陈可辛集齐周迅、金城武、张学友三位明星、精心打造的歌舞片《如果·爱》，几乎拿遍各类华语大奖，但票房运差，三千多万的票房，可谓惨淡。

2017年，拿下奥斯卡最佳导演、最佳女主等多项大奖的好莱坞歌舞片《爱乐之城》，算是在中国观众心中有了姓名，顺势在内地获得2亿+票房。

但撇开歌舞形式和“石头姐”、“高司令”的明星光环，在情人节上映且拥有一个颇具话题热议性的“前任爱情”故事，才是影片“火”的根本。

回看《西区故事》，老版7.6的豆瓣评分就不高，新版又并未对“老套”故事进行更“现代”的改动。

再加上歌舞的娱乐价值，在中国观众眼中，向来比不上一个精彩故事，那斯皮尔伯格的翻拍遇冷，也算不上稀奇了。

原文首发于微信公号：影吹斯汀，阅读原文：奥斯卡七项提名到了中国遭差评...名导斯皮尔伯格的歌舞片首秀，真老套又无聊吗？

文/motion

West Side Story (7/10 stars)More Like Spielberg Flexing His DirectoryDefinitely not as good as La La Land or Hamilton, West Side Story portrayed exactly what the original play included, which ensures its quality, but eliminates any surprise. I truly liked the cinematography and choreography, especially with the scene in the gym when the two opposing peoples compete. The two stylistically different dances implies one another’s prejudice, are both visually stunning and breathtaking. What could go wrong with a Steven Spielberg movie... except for the protagonists. Compared to La La Land, which narrates the story of two perseverant dreamers attract, hurt , and ultimately complete one another, Tony and Maria presents us with cliche love at first sight, stairway love talk and all that - not very convincing. Overall, a movie with perfect lighting, actions, and shots, but with an old story.

6.5分。

首先声明，我没有看过原版电影，所以其中一些梗和隐喻无法读懂。

看完全片，我脑袋里冒出了两个词，荒诞。

但如果说这部电影改编自60年前的电影，剧本和故事线差不多的情况下，那么这个故事其实是说的下去的，至少在60年前的美国电影。

非常经典的罗密欧与朱丽叶电影。

斯皮尔伯格已经75岁了，以他的履历和成就，我想他愿意在这个年龄还去翻拍一部电影，很大程度上是为了圆梦。

这部电影已传统百老汇歌舞塑造了一场视觉奇观，其中最好的一部分应该是去打群架路上的一点歌舞，蒙太奇和歌舞将不同时空的人物的故事和心情串联在一起，应该是全片最佳小片段。

还有参杂在电影中的一些西班牙语，因为没有翻译所以没听懂，对观影有些影响。

这是个极其简单又极其经典的剧本和叙事。

即使放到如今来看依旧不腻，只是其中人物的情感和叙事跳过了缓冲期，似乎一直保持在一个状态，没有爱恨纠缠的感觉让整部电影黯然失色，透过银幕我只看到了为爱痴狂的恋人和为兄弟不惜插别人一刀的好兄弟，所以我认为整部电影在情感线上的塑造是失败的，我几乎没有看到男主女主的情感变化，似乎一切都是提前设定好的。

这点不好，至少是有违常理的。

同样是奥斯卡提名电影，我想说，这部电影比之前的《爱乐之城》还是有些差距的，同样是一个爱情故事，但爱乐之城通过四季和歌舞的表达，传达出角色们不同的情感起伏，以情感和歌舞推动叙事，这点真的是完胜。

所以我想《西区故事》应该是无缘本届奥斯卡最佳影片。

这部电影更多程度上是圆老爷子一个年轻时的梦。