我不在那儿

罗兰巴特在《符号帝国》中阐述日本人对礼品包装的重视已至于将礼物本身空洞虚幻化为一个符号。

不幸的是一部关于Bob Dylan（包伯.迪伦）的电影，被6种视点的包装下把包伯.迪伦彻底的符号化了。

这不是一部纪录片，这是todd haynes续反映50年代风格化的电影《远离天堂》后的新作。

在片首演职名单里加着一句“（本片）得易于包伯.迪伦的音乐和他的多重生命“，一个包伯.迪伦的吹口琴特写，这也是全片唯一原人包伯.迪伦的录脸。

其后，电影让其他音乐传记片瞠目，一段意想化的场景中，一个黑人少年宣称他是武迪.咖斯瑞(woody Guthrie)，这是根据包伯.迪伦的首张专辑中的歌曲song for woody给武迪之歌的演义。

同样电影中指代早年包伯.迪伦出演的电影《比力小子》的片断。

六位男，女演员分别饰演一角本身就异常特殊。

电影中穿插马丁.路德金，示威骚乱，尼克松宣布越战结束的历史镜头分明是为了确定包伯.迪伦的历史地位，但我不禁要问，一个历史薄如纸的年代，有什么意义去过度定义。

还是用迪伦的歌词来结束本文：成长在你的时代，孩子，唱吧，唱你的时代。

Claire跟Robbie令人惋惜的一對，現在十分常見。

Jude跟Coco令人莫明奇妙的一對，每晚都見。

Robbie跟Jack，令人懷念的一對，來生再見。

Woody跟Billy，令人覺得老套的一對，並不罕見。

七個人都分配到哪對？

最興奮是响起Anthony and the Johnsons。

http://kahsone.blogspot.com/2008/08/blog-post_26.html

并不熟悉Bob Dylan的历程，但Blowin' In The Wind和Forever Young却是最喜欢的民谣，所以大致看了Im not There的介绍就进了影院，却一度在影片中被那画面、音乐所迷失，我分不清那是真的Dylan还是Woody、Arthur、Jack、Jude、Robbie或者Billy但得承认，这种迷失却是享受注定要再看的电影

虽然通常来说多媒体的方式因为有影像的辅助都会比较通俗易懂，但如果你不了解Bob Dylan，就别指望通过这部《I'm Not There》来了解他，那是我犯下的错。

也许《No Direction Home》会是一个很好的选择，Martin Scorsese竟然也会拍这种电影，我原来以为他只会给Al Capone立传。

于是我在读了Bob Dylan的维基百科后又卷土重来。

Bob Dylan原名Robert Allen Zimmerman，犹太人，1941年生人。

影片的导演Todd Haynes用了六位演员表现Bob Dylan不同时期，不同角色，用了不一样的名字，更使用的多线程手法甚至让人感觉本片“扑朔迷离”。

抗议者Christian Bale在片中叫Jack Rollins和Pastor John。

Jack隐射了六十年代早期的Dylan，在这个时期，他创作了许多关于民权和反战主题的歌曲。

1963，Dylan和当时极力赞赏并支持他的民谣女皇Joan Baez（片中Julianne Moore扮演的Alice Fabian）曾经参加了著名的民权运动游行，“华盛顿大进军”。

正是在这次大游行中，Martin Luther King发表了他著名的《我有一个梦》的演讲。

Dylan也逐渐成为人们心目中民权运动的代言人，但是他本人却对此开始反感起来。

1963年底，在肯尼迪总统被刺杀不久之后，他前往接受国家紧急民权委员会的一个颁奖仪式，他带着酒气，质疑了委员会的作用。

在此之后，他逐渐远离民权运动和抗议歌曲。

Pastor John代表了1979到1981时的Dylan，1979年，他成为一名再生的基督徒。

宗教信仰影响了这段时间的三张专辑，Slow Train Coming、Saved和Shot of Love都带有浓重的宗教气息。

Christian Bale实在是个了不起的演员，大背头，飞机头，爆炸头都那么有板有眼。

摇滚明星Cate Blanchett饰演的Jude Quinn。

Jude代表了1965到1966的Dylan，六十年代的民谣音乐界，对于摇滚乐的出现与盛行普遍感到不满。

Dylan却在1965年的民谣音乐节中，第一次在舞台上使用电吉他表演。

他仅演唱了三首歌就被愤怒的听众赶下台，这被认为是他从民谣转向摇滚乐的转折点。

1966年5月，在曼彻斯特的表演中，台下的听众冲着他大叫“犹大”，也是因为这个原因。

在这个时期，Cate饰演的Dylan总是紧锁眉头，他放弃了原先的抗议歌曲。

剧中他说到，“连肯尼迪都不能改变这个世界，难道我可以？

难道音乐可以？

音乐只是音乐。

”1961年，越南战争爆发，一直延续到1975年，也让他了解到音乐并不能承载太多东西。

Cate也因在此片中的出色表演，获得当年金球奖最佳女配角。

片中Jude有一次匆匆赶来赴约，和四个西瓜头小男孩嬉笑打闹，就是传说中的Beatles。

童年Marcus Carl Franklin饰演Woody Guthrie。

Todd不仅让女人来演Bob Dylan，还让黑人来演，想法着实怪异。

Woody Guthrie是Dylan的偶像，他的早期作品受到Woody Guthrie和黑人布鲁斯的影响。

黑人男孩Woody对传统音乐了如指掌，他甚至能比火车上的老人知道更多更久远的东西，但那始终都是别人的音乐。

在旅行途中，一位女士对他说：“Live your own time, child, sing about your own time”，也让他深受启发。

Woody也代表了一个注定了无依无靠，永远生活在路上，“like a rolling stone”的Dylan。

隐士Richard Gere饰演Billy the Kid。

Billy隐射了Dylan曾经出演过的Sam Peckinpah导演的电影《比利小子》。

片中在小镇Riddle的隐居生活也表现了Dylan想逃离聚光灯的一种想法。

实际上在1966年，Dylan曾经因为摩托车事故身受重伤，一度隐居在Woodstock，他也是这个地方最著名的居民。

Woodstock到现在40年了，陶喆也用它设套让听众浮想联翩。

李安的新片《制造伍德斯托克音乐节》和纪录片《伍德斯托克音乐节》同样值得关注。

后者片源很冷，下不太动，听说Martin Scorsese也参加了此片的后期制作，真是个文化人，错看他了。

凡人Heath Ledger饰演Robbie Clark。

在片中，Heath饰演的角色代表了Dylan的演员身份，并涉及了大量他的家庭生活。

Heath在片中有一场戏中戏，扮演了Christian Bale饰演的那个Jack Rollins，有点拗口。

如果Todd让六个人都用一个名字的话，岂不是变成Dylan扮演了Dylan了吗？

片中Charlotte Gainsbourg饰演的Claire可能代表了Dylan的前任妻子Sara Dylan。

Dylan于1965年和他的第一任妻子Sara结婚，并于1977年离婚，共有四个儿女。

Charlotte扮演的Claire让人印象深刻，但Sara实际上是一名时装模特，舞台剧演员，出身于维明顿。

不是法国人，也不是画家，不知道这些是从哪里来的。

诗人Ben Whishaw饰演Arthur Rimbaud。

Rimbaud也是Dylan的极为仰慕的一位诗人，他在自己的作品中也经常会引用Rimbaud的诗句。

值得注意的是，影片中Rimbaud受审的过程中所说的话都是Dylan在过去访谈节目中的真实资料。

他在片中的一段“七不规范”也很有意思：1. 不要相信穿着雨衣的警察2. 当心热情和爱情，它们都是一时之快而且飘忽不定3. 当被别人为起你是否关心过世上的重大问题时，紧盯他的双眼，他就不会问第二次了4. 不要说出你的真名5. 如果被要求审视一下自己，也千万别这么做6. 不要说、也不要做任何你周围的人所不能理解的事7. 不要试图创造什么，它会伴你一生题外话，犹太人里影帝影后辈出：Dustin Hoffman，Harrison Ford，Natalie Portman ，Jake Gyllenhaal，Steven Spielberg，Woody Allen，Scarlett Johansson。

参考资料http://en.wikipedia.org/wiki/I%27m_Not_Therehttp://en.wikipedia.org/wiki/Bob_Dylan相关作品

没有方向的家 (2005)8.82005 / 英国 美国 日本 / 纪录片 音乐 传记 / 马丁·斯科塞斯 / 鲍勃·迪伦 琼·贝兹

比利小子 (1973)7.81973 / 美国 / 剧情 历史 西部 / 萨姆·佩金帕 / 詹姆斯·柯本 克里斯·克里斯托弗森

制造伍德斯托克音乐节 (2009)7.72009 / 美国 / 剧情 喜剧 音乐 / 李安 / 迪米特利·马丁 艾美达·斯丹顿

伍德斯托克音乐节1969 (1970)9.21970 / 美国 / 纪录片 音乐 历史 / 迈克尔·沃德利 / 琼·贝兹 里奇·哈文斯

1.never trust a cop in a raincoat.2.beware of enthusiasm and of love.each is temporary and quick to sway.3.when asked if you care about the world's problems,look deep into the eyes of he who asks.he will not ask you again.4.never give your real name.5.if ever told to look at yourself,never look.6.never say or do anything the person standing in front of you cannot understand.7.never create anything.it will be misinterpreted.it will chain you and follow you for the rest of your life.and it will never change.

你是否有时也觉得女人是无法令人容忍的动物？

她们虚荣、矫情，为鸡毛蒜皮的小事大惊小怪，她们浅薄得有时令你难以忍受。

可是，在这部电影里，只有凯特•布兰切特的鲍勃•迪轮才真像他。

而凯特，你知道，她是一个女人。

一个镜头，在露天的音乐节现场，舞台上那个一头蓬乱卷发，个子瘦瘦小小，带着墨镜的歌手，一时间令你误以为这是迪伦的录像。

就是从这个时候起，迪伦来了，被凯特借尸还魂，而这个用几个不同的人来演迪伦而其中有一个竟是女的的创意你觉得棒极了，可是最像迪伦的竟然是这个女的。

当然，那是凯特的演技好。

在《no direction home》里你见过的迪伦，外表跟这个几乎一模一样。

瘦小、暗色花衬衫，说到他的特点，用神经质最为适当。

他抽烟的样子，他从不正襟危坐的身体，他像个淘气的小孩子一样坐立不安的样子。

他是一个梦游者，当他和伙伴们在一起。

他是一个过客，当他在新闻发布会上。

每个人起初都想搞这个世界，但最后只能被这个世界搞，而迪伦是成功的那个，于是他被当作偶像，连同他所有不合时宜的样子。

但也是在那个发布会上，凯特却不似迪伦。

因为那个发布会的录像上，迪伦的眼神是很不安的，他的诚实令人吃惊，他觉得根本无法回答的问题，他就反问那个记者，有些狡黠，仿似一本正经，可你知道他在愚弄那个人，你知道他不想被贴上标签，他才懒得敷衍，他索性把他的一无所知告诉你，请你自己呆掉。

可是凯特呢，她让迪伦就像个胸有成竹的，一个偶像，底下是他的粉丝，他君临天下，大权独揽，气定神闲，众人等他开口。

但那从不是迪伦想要做的。

他一向不需要掩饰他的迷惑，他的神经质，他的自我，他不做戏。

而这种神经质，的确常常属于女性。

在这个世界中，我们得小心保持，才能令自己的灵魂不迷失。

对我们大多数人来说，灵魂的遗失在所难免，我们在物欲的欢愉中常常忘记了最初的方向。

但是迪伦不是，我记得他那本自传《像一块滚石》给我的震撼，一个活泼泼的灵魂，试图冲破纸面，侵占我，唤醒我，直到觉得自己的，被遗忘很久的灵魂的蠢蠢欲动，那是一颗试图发芽的种子，突然意识到存在的感觉。

那本书，非常值得一看再看。

我记得迪伦说到他欣赏他的妻子，在于她总是有自己的想法，她和别人不一样。

迪伦真是个奇特的人。

那是那本书里他几乎唯一提到她的地方。

回到这部电影，演他妻子的那个女演员也很不错。

这是这个电影里两个最令我感觉印象深刻的演员。

都是女人。

这个角色独立、坚强，从来不曾迷失。

她拥有的是一颗非常强壮的灵魂。

她选择抛弃男人的理由都那么独特——我离开你是因为我爱你，我不想成为你的负担。

凯特一直都有模有样地学着迪伦，那相似度令人惊叹。

可是当她坐在车里，摘下墨镜，无法再用身体模拟，只有这张脸时，她毕竟只是凯特。

那是在影片的结尾，迪伦说着音乐的意义，它是信仰，它是保姆，它令人不再迷茫。

最后，她顽皮地看着镜头，意味深长的眼神，那是一个女人，在饰演了一个男性之后的嘲弄，好像在说，瞧，这就是迪伦，其实这也是我。

完美的一个收尾。

与角色灵肉合一，但不妨也给它加个小小的调皮的韵脚。

在现实与灵界自由穿梭，那就是演员这个工作的令人着迷之处。

这个迪伦是迪伦的，也是凯特的。

而女人常常令人惊讶，当她舍弃了虚荣与矫情，她可能比男人更有力量。

通过色调的不同，可以将电影分成四个时间段。

第一个时间段是小时候。

导演用的是生机的绿色调，给人一种强大的生命力，就像主角小时候一样，背上吉他，追赶火车，明明小小年纪却有着远超过同龄人的眼界与人生故事，无论面对谁，都可以信守捏来的应对。

第二个时间段用的是黑白色调，我觉得导演选用此色调真的是神来之笔。

思来想去，确实只有黑白色调才能表现出当时社会时局的动荡与人物内心的混乱。

历史总是相似的，如果一个人的思想远超那个时代，那他就会成为那个时代的人眼里的“小丑”，只有时间才能以最公平的视角来为他们正名。

鲍勃迪伦真的是一位纯粹的理想主义者。

无论他把自己包裹的再混蛋，他还是那个对音乐纯粹，想通过音乐唤醒人们意识的一位艺术领袖。

鲍勃迪伦绝对是infj（笑）。

多说一句，cate的演技真的好绝，几个动作就把人物在大环境下的疲惫与人物本身灵动演了出来。

第三个色调是冷的蓝绿色调，讲述了主角的恋爱故事。

从两人相遇便持续了此色调，或许这就是导演就从这时便暗示了两人的结局。

此颜色也是主角内心的外化，不管他对外表现的多么张扬与夸夸其谈，其实内心一直都是冷漠与理性的，就像他自己说的，爱或许是他一生都无法理解的事情。

第四个色调是暖黄色，此色调用做了两个时间段，这两个时间段第一个是通过伪纪录片的形式来讲述他的中年时段，第二个一切回归平静的老年时期。

暖黄的色调就好像经历了这一切之后的心境，平静，但却有着生命的重量。

影片最后最后主角又一次跳上了火车，或许他从来就没有变过，经历了复杂又精彩的一生之后，他还是之前那个在火车上弹着吉他，说走就走的流浪少年。

导演的功力真的好高，几个时间段的故事讲述的都非常不错，有始有终。

几段故事的穿插也非常的丝滑。

音乐的加入也恰到好处，因为有故事情节的支撑，即使放了很多首音乐也没有让电影沦为一部大型mv现场。

cate的演技真的每次看都会被她折服。

大师是人类精神的灯塔，是历史河床上沉淀的珍珠。

大师用智慧与才能改变世界，改变人类。

然而，这却是一个缺少大师的时代，零星的大师像夜空中闪亮的星辰，照耀我们前行。

今天，通过一部匪夷所思的传记片，认识一位“匪夷所思”的大师。

2011年4月6日晚，北京工人体育馆盛况空前，中国乐坛一大半牛人齐聚于此。

他们当中既包括崔健、何勇、张楚、郑钧、汪峰、痛仰乐队等摇滚圈名人，也包括高晓松、宋柯等民谣届大腕。

他们齐聚于此，都是为了瞻仰一个人的风采——他的名字叫鲍勃·迪伦。

【鲍勃·迪伦北京演唱会】彼时，鲍勃·迪伦年已七旬，白发苍苍，面对众星捧场，他神情冷峻，没说一句废话，直奔主题，而众星则如小学生般正襟危坐，不敢丝毫怠慢。

那一夜，鲍勃·迪伦的名字在国内不胫而走。

时隔五年，诺贝尔文学奖正式公布，呼声很高的日本作家村上春树惜败鲍勃·迪伦，再一次于国内掀起轩然大波。

评委会的评价是：“（鲍勃·迪伦）在伟大的美国诗歌的传统中创造了新的诗歌表达。

”而因歌词写得好获得诺奖，鲍勃·迪伦是蝎子拉屎——毒（独）一份儿。

【鲍勃·迪伦获诺贝尔文学奖】非但如此，苹果创始人乔布斯在《乔布斯传》中也透露自己最崇拜的一个人便是鲍勃·迪伦，他的iPod中收藏了12张鲍勃·迪伦的专辑。

鲍勃·迪伦究竟是谁，他凭什么能折服众星，击败村上春树，迷倒高傲的乔布斯？

今天，我们用一部“匪夷所思”的电影，了解他匪夷所思的人生——《我不在那儿》。

这部电影是由美国独立电影界最另类导演托德·海因斯执导，鲍勃·迪伦本尊高度认可的一部电影。

【电影《我不在那儿》剧照】为什么说它匪夷所思？

因为这部电影不走常规路：用六个演员扮演鲍勃·迪伦，而且打破传统叙事结构，以破碎的片段拼接，充满隐喻与玄机，以至于很多观众看不太懂。

【影片由六名演员扮演鲍勃·迪伦】尽管如此，这部影片仍凭借本身的新颖性以及鲍勃·迪伦强大的影响力获得第64届威尼斯电影评委会大奖。

在我国，这部影片也获得了高达7.9的豆瓣评分。

导演海因斯表示：观众可以把这部电影当做一场梦，一次心灵之旅。

【《我不在那儿》豆瓣评分7.9】这部电影究竟有着什么玄机？

下面就联系鲍勃·迪伦的生平解读一下：一、多才多艺的文艺青年1941年5月24日，鲍勃·迪伦出生在美国一个富有的中产阶级犹太家庭。

受热爱艺术的母亲影响，鲍勃·迪伦打小便是个不折不扣的文艺青年。

他不仅有很高的音乐天赋，经常在亲朋好友聚会时表演唱歌，而且还喜欢写诗、画画、看电影。

其中，写诗是鲍勃·迪伦的最爱，经常在上课时不认真听讲，偷偷在下面写诗。

【文艺青年鲍勃·迪伦】值得一提的是，鲍勃·迪伦本名叫罗伯特·艾伦·齐默曼，但因为他非常崇拜诗人迪伦·托马斯，所以，才取了“鲍勃·迪伦”这个艺名。

事实证明，孩子会一门特长有多重要。

多年之后，鲍勃·迪伦将诗歌融于歌词，使歌词文采斐然，充满隐喻、意蕴深远，还因此获得了诺贝尔文学奖，并令同行披头士十分羡慕。

高中毕业后，鲍勃·迪伦考入明尼苏达大学。

和很多音乐人一样，他不好好学习，通宵达旦搞音乐，结果，大一的时候就被开除退学。

那时，鲍勃·迪伦最喜欢的歌手是左翼民谣之父五迪·格斯瑞。

五迪·格斯瑞的音乐什么风格？

诺贝尔文学奖得主约翰•史坦贝克曾给出过一个评价：“在他的音乐中，可以看见人民容忍和对抗压迫的意志。

”所以，鲍勃·迪伦歌曲中的现实主义风格多半是受到了五迪·格斯瑞的影响。

退学后，鲍勃·迪伦背起吉他、提着皮箱，从白雪皑皑的明尼苏达州一路漂泊来到了纽约的格林威治村，开始了自己的民谣歌手生涯。

这一路上，难免有人问他从何方而来，这时，热爱幻想的鲍勃·迪伦喜欢谎称自己是来自美国南方、靠演马戏为生的一个孤儿。

【文艺青年鲍勃·迪伦】影片开场的第一幕戏，实际上就是隐喻鲍勃·迪伦的这段遭遇。

其中，有三个细节值得玩味：第一个细节是：首位扮演鲍勃·迪伦的演员马库·斯卡尔·富兰克林是一名黑人，而鲍勃·迪伦却是个白人；

【扮演鲍勃·迪伦的是一名黑人演员】第二个细节是：第一幕戏中的角色名字叫做五迪·格瑟；第三个细节是：五迪·格瑟拿着的那把吉他上写着“This machine kills Fascists.”（打倒法西斯）

【充满隐喻的符号】这些都充满隐喻：由黑人扮演鲍勃·迪伦，是因为鲍勃·迪伦的音乐启蒙受到乡村音乐与黑人音乐的影响；角色的名字叫五迪是因鲍勃·迪伦受到左翼民谣之父五迪·格斯瑞的影响；吉他上写着“打倒法西斯主义者”则代表着鲍勃·迪伦一生的抱负——用音乐来打倒一切压迫。

二、充满反抗意识的民谣先驱来到纽约格林威治村后，鲍勃·迪伦遇到了自己的初恋女友，美国人心中的“民谣缪斯”——苏西·罗托洛。

【民谣缪斯苏西】苏西出生在一个红色家庭，父母都是西方共产党员，同时，父亲还是工会领袖，因此，苏西对西方腐朽的政治以及种族歧视都深恶痛绝，这也深深影响了鲍勃·迪伦。

当时，鲍勃·迪伦居无定所，靠唱歌为生。

苏西的母亲和姐姐都觉得这小子不靠谱，劝苏西别同他来往。

但苏西却爱上了鲍勃·迪伦的才华，央求姐姐收留穷困落魄、但志向远大的鲍勃·迪伦。

【鲍勃·迪伦与苏西】时值上世纪六十年代，美国社会动荡，黑人民权运动、反越战运动、妇女解放运动几乎同时爆发。

【黑人民权运动领袖马丁·路德·金】正如前文所说，受左翼民谣之父五迪·格斯瑞的影响，鲍勃·迪伦心里早就埋下抗议的火种。

在苏西的鼓励下，1962年到1963年之间，鲍勃·迪伦利用短短20个月的时间创作了《大雨将至》、《战争的主人》以及美国民谣史上最经典的歌曲《答案在风中飘扬》。

这些歌曲表达了对核武器军备赛的担忧，涉及有关贫困、种族歧视、监狱、沙文主义、战争、反思原教旨主义等内容，对剖析美国社会状况，鼓舞民权运动产生了积极而深远的影响。

鲍勃·迪伦因此一炮而红，成为美国民谣先驱，精神领袖。

【鲍勃·迪伦演唱经典民谣《答案在风中飘扬》】但正应了那句话“职场得意，情场失意”，这期间由于鲍勃·迪伦与另一位民谣歌手琼·贝兹关系暧昧，以及老是喜欢撒谎，让苏西感到十分没有安全感。

再加上，苏西是个独立意识很强的女性，随着鲍勃·迪伦的光环越来越耀眼，人们在谈论苏西时，总将她当作是迪伦的附庸品，这让她十分不满。

于是，19岁的苏西搬出了和鲍勃·迪伦同居的住所，并打掉了腹中胎儿。

【鲍勃·迪伦与民谣歌手琼·贝兹关系暧昧】鲍勃·迪伦为此十分沮丧。

此后，他的感情生活也不顺利，一生结了两次婚，但都以离婚告终。

电影中，导演对此进行了艺术改编，通过电影演员罗比•克拉克与法国女画家火热的恋情，以及两人婚后生活的不愉快，来展现鲍勃·迪伦坎坷的婚恋经历。

【希斯莱杰扮演的鲍勃·迪伦】细心的观众可以看出扮演法国女画家的演员与苏西长相酷似。

三、迷幻而分裂的摇滚歌手由于鲍勃·迪伦写出无数脍炙人口的民谣抗议歌曲，使人们将他认作是政治抗议的代言人，殊不知热爱艺术的鲍勃·迪伦对政治十分不屑——他仅仅是渴望用艺术引领人民获得和平与幸福，而没有任何政治目的。

1963年12月，鲍勃·迪伦站在人权奖的领奖台上，出乎意料地说：“我看低那些统治我的人，他们为我制定规则，却都顶上无毛，这令我愤怒。

对我而言，再没黑白人种、左右党派之分，只有上和下，向下非常接近大地，我只想奋力向上，全然忘记政治这样的琐事。

”

【叛逆的鲍勃·迪伦】为了摆脱政治代言人的形象，1964年，鲍勃·迪伦制作并发行的新专辑《鲍勃·迪伦的另一面》，里面不再有抗议歌曲的影子。

1965年，新港民谣音乐节上，当观众都想听鲍勃·迪伦演唱民谣歌曲时，他却使用电吉他玩起了摇滚乐，搞得台下观众嘘声一片，骂他是民谣界的叛徒。

【鲍勃·迪伦在新港民谣音乐节插电演出】但“我行我素”的鲍勃·迪伦从不愿被别人的想法所左右，他讨厌自己被贴上“标签”。

其后，鲍勃·迪伦进入了摇滚歌曲的高产期，不仅谱写了世界最经典摇滚歌曲之一《像一块滚石》，同时，打造了《重返61号公路》和《美女如云》两张“史上最佳摇滚专辑”。

在此期间，他还与摇滚巨星披头士产生交集，成为世界摇滚界的一段佳话。

据说，那天，阳光明媚，鲍勃·迪伦与披头士在公园偶遇，一见面几个人便打成一片，临别时，鲍勃·迪伦还特意告诫披头士把歌词写得更有意义一些。

影片中，导演特邀女星——奥斯卡影后凯特·布兰切特扮演1960年代由民谣向摇滚乐转型期间，最具争议性的鲍勃·迪伦。

【影后凯特布兰切特反串扮演的鲍勃·迪伦】影后雌雄同体，宛如妖孽的表演完美体现出了鲍勃·迪伦的迷幻色彩，荣获第28届奥斯卡金像奖最佳女配角提名。

四、隐居的福音歌手1966年，鲍勃·迪伦骑摩托车出了车祸，之后，神奇地消失在人们的视野中。

当粉丝们心心念念寻找偶像下落时。

鲍勃·迪伦却隐姓埋名在伍德斯托克小镇过上了安逸的隐居生活。

这种生活断断续续一直持续到六十年代末。

在此期间，鲍勃·迪伦不仅娶妻生子，还做了三件事：第一件事是写诗；第二件事是进行音乐实验，他用口琴和木琴创作了没有抗议性质的民谣《John Wesley Harding》，制作了风格甜腻的乡村专辑《Nashville Skyline》等；第三件事是成为一个获得新生的基督徒并发行福音专辑。

影片中，导演用传奇罪犯比利·基尔躲避警方追捕逃到乡村隐居的桥段来隐喻鲍勃·迪伦的失踪。

【查理基尔扮演的罪犯隐喻隐居时期的鲍勃迪伦】

【克里斯蒂安·贝尔饰演的福音歌手鲍勃·迪伦】同时，由演员克里斯蒂安·贝尔饰演隐居时期的鲍勃·迪伦，塑造了一位重获新生，传递福音的歌手形象。

五、永远不老的创作者如今，鲍勃·迪伦已经七十八岁了，但他依然保持旺盛的创作力，每天写诗、写歌、画画。

2018年，77岁鲍勃·迪伦在香港开唱，宝刀不老，引发万人空巷，见证了他对音乐孜孜以求的一生。

为了反映鲍勃·迪伦的创作精神，在影片结尾处，导演利用男主怀抱吉他坐着火车驶向远方的场景，象征着鲍勃·迪伦对音乐永无止境的探索精神。

【男主怀抱吉他坐火车驶向远方】此外，很多观众不理解为何影片的各个桥段中间穿插由本·威士肖扮演的以诗人兰波为原型的审判戏。

【本威士肖扮演的以诗人兰波为原型的审判戏】这是因为鲍勃·迪伦曾受诗人兰波的影响写了大量具有现实意义的歌词，所以，以此进行隐喻。

六、启迪意义值得一提的是，为了增强影片的音乐传记气质，导演特邀30位音乐人进行OST创作，他们怀着对鲍勃·迪伦的崇敬之心，用歌曲串联了每个桥段，这点受到鲍勃·迪伦的盛赞。

整部影片看似复杂，但却从头到尾强烈突出一个主题，那就是：鲍勃·迪伦始终没有放弃对音乐的追求与热爱。

【鲍勃·迪伦始终坚持对音乐的热爱】虽然，属于鲍勃·迪伦的时代已渐渐远去，但他深入现实的创作精神以及对梦想的赤诚追求，放到任何时代都有着深刻的启迪意义。

下面结合我国乐坛现状，谈谈我的看法：一方面，我国很多音乐人无法保持恒久的创作能力。

最主要的表现就是有的歌手一辈子只有一两个代表作，此后，再也没什么新歌。

而鲍勃·迪伦一生佳作，数不胜数，这得益于他对音乐的孜孜以求。

另一方面，我国当代音乐人炮制的歌曲多半内容空洞，口水歌泛滥，鲜有反映社会现象的佳作诞生。

综观我国当代乐坛，至今没有创作出脍炙人口、广为流传的佳作。

而且歌曲题材单一，普遍都是反映小情小爱——当然，爱情歌曲是不可或缺的，但好的音乐生态应该是内容丰富、题材多元，这需要我国音乐人继续努力。

再看鲍勃·迪伦的作品，题材广泛，涉及爱情、战争、各种社会现象等方方面面，这点非常值得我国音乐人学习。

这是一个大师越老越少的年代，但大师不死，只会凋零。

他们的光辉像夜空中的繁星，照耀着人类前行的脚步。

要把八部半看了。。。

Different sections of the film were inspired by different cinematic sources. The "Jude" section was inspired by 8½ (1963), the "Billy" section was inspired by the so-called "hippie westerns" of the late 60s and early 70s (such as Sam Peckinpah's films) and the "Robbie" section was inspired by the films of Jean-Luc Godard, especially Masculin féminin: 15 faits précis (1966).

不得不说，今年还是看到了一些好片的，可惜这部是去年的。

只不过刚好今年在百老汇上映而已。

Todd Haynes的片子真是不用说什么了，就是一个字“好”。

和我一起看电影的是鲍勃•迪伦的粉丝，甚至还专门买了口琴来学。

观影过程中还给我解答了很多特别设置的点，使我对此片的理解加深了一步。

对于鲍勃•迪伦的生平我不了解，传记也没有看过，听过的歌曲仅限最出名的几首，还是在英语课堂上听的。

所以想必了解此人的观众会更加对这部电影感到认同。

电影结束我对旁边的朋友说，这种程度的实验性质是我刚好可以接受的放入电影的分量，起到了让观众理解电影又不恶俗的良好作用。

《I'm not there》延续了《天鹅绒金矿》里的实验风格并且更进一层，启用了6名演员描述同一个人的一生，从肤色到年龄甚至性别都不一样，和题目《我不在场》呼应的刚好。

里面具体的那许多闪光点我就不一一来说了，相信大家在人人阅片无数的今天也能够分辨出来。

这次决定来谈谈关于实验手法运用于电影的问题（这句语法真官方）。

一般来说我们把电影分成：剧情，记录，实验三种，当然近几年出现了Dramadocu等形式，也只是变体而已。

在学校学实验片时，大家都觉得只是好玩，但没什么用，你拍的那么虚幻80%得靠导演自己解释怎么可能有观众，最多只能把自己标榜为搞艺术的附庸风雅而已。

后来老师说了一句话让我恍然大悟，他说学实验片的目的是为了把实验元素加到电影里。

于是后来用来举例的片子《迷魂列车》《橡皮头》等等都成为了我的最爱影片。

实验手法用好了绝对能让观众更加贴近电影深刻理解人物心情，起码也具有教人眼前一亮原来电影还能这么拍的欣喜。

说起实验手法David Lynch是不得不提的，当然他更加实验，而Todd Haynes偏商业。

《穆荷兰道》似乎有些过于实验了，以至于大家看不懂剧情，但David Lynch的牛X就是他什么都不解释，让所有的影评家自己去想，于是在做完这部片子的Research后，我觉得这片子太厉害了，也不知道是本来就有这些意思还是影评家的想象力让这电影变得更加有意思，然后发现David Lynch其实是实验了观影者。

回到《I'm not there》，一部片子是商业好还是不商业好这样的万年难题搁到一边，不管怎么样专业和非专业都喜欢的片子肯定是好片子。

音乐人传记类的片子是极容易拍的恶俗的，相信大家也看了不少这类按时间顺序描写，整段铺垫音乐的电影。

能在看似无法突破的题材上有所建树，方可见导演编剧功力。

昨天Michael Jackson过世的消息几乎是所有新闻的头条，我也宁可相信这不是真的，但是在这样的年龄结束他绚丽的一生似乎刚好。

相信马上就会有Michael Jackson的传记电影出现，我还是希望让Todd Haynes来展现天王的一生，太担心别的导演毁了MJ。