摄影机不要停！

早就被别人安利好几个月了，这部电影在日本简直了，可以作为日本影史最受欢迎十大电影之一，甚至能载入日本电影史册。

目前内容在网上已经有了，此片必火，虽不能说逆袭我的三观，但看的时候依然能让我惊喜连连，给了我这种焕然一新的感觉，半夜让我笑出猪叫。

它就是——《摄影机不要停》！

《摄影机不要停》成本说出来吓死人，只有300万日元，差不多就18万人民币，估计有些人樱花季去一趟日本血拼，差不多就这个价格吧。

但就是这样极极极小成本的电影，光在日本本土，就逆袭了将近2亿人民币票房，在日本如此小的国土，这么小的成本，这样的票房回报率，足以看出影片的黑马效应。

到目前为止，各国发行商力求引进，在各种电影节上《摄影机不要停》提名拿奖到手软，各种小规模放映点映也都到了一票难求的地步，光在北京的日本新片展里，《摄影机不要停》秒光，重现前段时间《小偷家族》点映抢票盛况。

那么这部仅18万的丧尸片，到底有什么魔力呢？！

答案是不断给你制造惊喜！

不断给你制造意想不到的笑果！

到最后还能被他们的毅力感动！

这让我想起来看电影的一个标准，就是好的电影，能把你的某一种情绪掏空，比如好的文艺片会掏空你对人生意义的思考，好的动作片会掏空你的肾上腺素，好的惊悚恐怖片会把你吓到不能自已，好的喜剧片那必须让你笑到知足。

虽然这是比较大众式对电影的评判，但也足以证明每种类型电影的功能性。

《摄影机不要停》就有掏空你惊喜感，刺激感，欢乐感的功能。

丧尸片类型在今天已经非常成熟了，大热美剧有《行尸走肉》，经典但是最后拍得烂尾的有《生化危机》系列，电影大制作有《活死人黎明》，《僵尸世界大战》，《釜山行》等等。

现在的丧尸片如果要做到观众感兴趣，必须要十分有创意。

《摄影机不要停》变成爆款，影片的创意就在于有种指鹿为马的感觉。

先说下开头，不会影响观影效果。

影片前面基本是一个传统丧尸片，讲述一群小成本电影制作团队，来到一个连手机信号都没有的废弃工厂，要拍一个极低成本只有男女主角的丧尸片。

片中导演因为女主不了解什么是真正的恐惧，于是在天台画出血咒，找来了真正的丧尸，导致整个剧组的人接连变成丧尸。

最后整个“影片”只剩下女主一人。

整个戏中戏的丧尸片一镜到底，当时我在看的时候，心里就在嘀咕，难道这片子成为爆款就是因为一镜到底？！

现在一镜到底对于电影技术来说简直是小菜一碟呀，哪有什么难度。

看到这里的我，就想给这部片子一个中庸的标签，结果...真香！

当片子放到三十七分钟时，这部戏中戏的丧尸短片出字幕了！

这就很奇怪了，难道还来个戏中戏中戏？！

——深度剧透——果然，一镜到底的镜头没有了，回归了传统电影语言视角，讲述了一个月以前导演为了筹拍这部丧尸片的前后。

也就是说，整部《摄影机不要停》后面的三分之二，还原的是前面丧尸短片的幕后，但是这个幕后可要把人笑出腹肌了。

在看前面丧尸短片的时候，我就纳闷有一些桥段为何如此奇怪，但又在脑子里琢磨，这可能是这部影片的特色之处吧。

比如，男女主角和化妆师坐在那聊防身术，这一段尬聊似乎在消磨时间，但防身术在后面的戏份中，我们只要从画外音听到“碰”！

就知道是化妆师出大招。

这时候装逼的我就觉得，嗯，这段尬戏的功能就是解释后面防身术的画外音。

此外防身术貌似对后面被丧尸抓到，也有一技防身之术，这一段尬戏安插其实还很有用的说。

正好，他们说到这地方被诅咒时，门外有一声巨响（影片幕后片段有解释），这也太应景了！

谁知道，幕后另有玄机...又比如，配音师逃跑的桥段，看短片的时候总以为是害怕而出逃，谁知道...知道真相的我笑喷了。

还有导演对着摄像机大喊：“摄影机不要停！

”

看短片时，装逼的我还在脑子里想，这不就是戏剧语言中的：“打破第四面墙”吗，也没太大惊喜呀，《纸牌屋》系列都用烂了好么，而且这也是几千年前莎士比亚开创的。

谁知道...我被深深讽刺了一把。

在“短片”中还出现了，当时逃跑时女主撞了摄像机，镜头倒在草地上，一直静止不动，画面内只有不到一半的有效取景。

这个时候装逼的我又在想，这是伪纪录片拍摄的一个重要指标，就是故意要让镜头掉在地上，不经意间拍到重要信息，以增加真实感。

这样的拍法在《科洛弗档案》中已经用过了，最后摄像机掉在草地上，拍到的就是怪兽的特写。

谁知道...是我想太多...再来就是女主角天台长时间呐喊，装逼的我又在想，这不就是致敬《惊魂记》中女主在浴室的恐惧特写吗，希区柯克曾经提到过，未知的才是最恐惧的，当观众看不到凶手真面目时，脑子里就会胡思乱想镜头外的事情，从而产生未知的恐惧。

而且女主恐惧的特写，对比了一开始假装演恐惧的脸，让人觉得好恐怖。

谁知道...事情并不是我想的那么丰富。

其实《摄影机不要停》中短片镜头的构思，确实是运用到了这些镜头语言，只是说，导演把这些经典的镜头语言，变成了后面所有包袱的巧思，从而造出十分惊喜的笑点。

特别是化妆师的越来越无厘头的演技，虽然后面有解释，但是如果只看那部短片，其实也不违和，cult片不就是这样的夸张表演方式吗，而且日本演员有时候漫画式的夸张演技，也是一种特色。

更让人惊奇的是，在这些惊喜之中，还包裹着一层暖暖的父女情。

导演原本是不接这部一镜到底的丧尸片的，但因为片中男主是女儿爱豆，才决定接下。

而且导演为了女儿的不妥协，在拍摄这部短片中，也渐渐变得不妥协，即使这部短片是二半夜的深夜电视节目，导演也选择尽心尽力做到完美。

这样的匠心精神，由女儿感染了父亲，父亲又回馈到女儿，父女从开始的互相误会到后来的和解，让人不禁鼻子一酸。

此外片中的每一个角色，都有相应的心路历程，每一个角色彼此的作用相互绑定，彼此依存和成长，看似各种轻松偶然的拍摄的创意，其实都是精心设计的剧情和动作。

当然，如果你要从这部类型框架很强的电影中，去感知一些深度和意义，那肯定是不存在的，就如导演自己在访谈说的，他只是想创作有意思的东西，电影只是一种娱乐，观众体验非常重要。

导演照着自己内心的独白，果然拍出了一部十分有意思的《摄影机不要停》。

我想不到什么理由不推荐这部作品，因为影片的体验，真的太赞了！！

最后用影片刚火起来时，大家常说的一句话做结尾吧：总之快去看吧！

关注《大聪看电影》公众号，不追求跑量，只研磨精品

《カメラを止めるな！

》内地翻译为《摄像机不要停！

》，香港上映时翻译为《屍殺片場》。

我原本是抱着看惊悚恐怖丧尸片的预期在德福广场买的票，加之WMOOV上，该片评分高达9/10，所以对于一个神经麻木，对什么都不太感兴趣的人来说，肾上腺素的刺激或许可以引起一点生活的存在感。

不得不说，带着预期看电影，意味着你的预想可能会被打破。

当剧情不会朝着预想的方向发展，随之而来的是无数个黑人问号。

不管前面的情节有多么陈词滥调，制作多么粗糙，镜头晃动得多让人头晕，用女子擒拿术来当作兴趣爱好有多么的突兀，一镜到底的技术有多么让人生疑——到底是否有必要，“摄影师”丧尸张牙舞爪得多么夸张，总之，前30分钟，就是怀疑！

怀疑！

怀疑！

即使影院中发生零星的笑声，我的警惕感也没有办法让我放松——眼前的这一幕，是虚构中的真实，还是虚构中的虚构——换言之，这是镜头前的真实，还是镜头前的镜头？

由于我没有办法预期到后来的元叙述喜剧效果，所以可以说，前30分钟，我一直是在批判和眩晕中度过的——如果一镜到底再继续下去，我将会像影院中其他几个观众一样，提前离场。

是的，最大的质疑就是从一镜到底的技术开始的。

当steadicam让摄影师的镜头路线更加灵活之后，越来越多的影片开始崇尚一镜到底技术——《鸟人》、《芳华》、《今晚玩救你》都是成功利用该技术的典范。

同时，不得不说，一镜到底对于大部分电影来说，完全没有必要，毕竟长镜头的背后是叙述时间和时钟时间的重合，缓慢的节奏很容易让观众感到厌倦和疲惫，同时，还会让观众明显地感受到镜头前的视角是另一个人的视角——也就是说，摄像机的存在不能被忽视，而它的存在则意味着，观众无法悬置自己的质疑，而让自己相信这眼前就是真实。

但正是这奇怪的不适感，成为了欣赏这部喜剧的突破口。

晃动的镜头似乎在提醒观众镜头本身的存在（“哈喽，这是一个摄影师的视角，这个摄影师还不是很专业，修炼还不是很到家，请多包涵！

”），根据巴特的摄影理论，观众被刻意地提醒着，镜头的存在意味着镜头背后那个摄影师的存在。

而更夸张的是，前30分钟电影从未用稳定的镜头来弱化这第三者的存在感，甚至有一幕追逐戏，血溅在了镜头上，忽然，镜头面前还出现了拿着布不定抹血迹的摄影师的手。

这明显的bug已经是在提醒观众，这遇上的并不是真的丧尸啊（不然，怎么能还不忘给丧尸特写呢！

）。

但是，女猪脚的演技提升，似乎又在暗示，可能女主并不知道那不是真的丧尸哦。

外加女主躲藏到废弃仓库时，在她面前出现的正在蜕皮的大白腿，好像拍戏突然撞上真丧尸的感觉，让人并不能彻底摒弃真实感。

而时不时跳出来喊action的导演，也让人怀疑他到底是痴迷真实感演技的妄人，还是喜剧效果的演员。

最后天台男女主面对面的重温电影开头的一幕，由于完整的映射结构，更似乎在强调这是演戏。

其实，在这种真实和虚构的模糊边界之下，观众始终处在矛盾的猜测之中。

我们都知道，观众/读者要与虚构作品产生成功的共情，往往需要suspend suspicion。

但此刻，由于观众无法定位自己眼前这一幕到底是“虚构中的真实”还是“虚构中的另一层虚构”，所以，眼前的这一幕的类型（是惊悚还是喜剧）也无法确定。

可以说，如果没有后面的元叙述——关于拍电影的电影，关于虚构艺术的虚构艺术——这前30分钟简直就是大大的bug。

但由于有了后面1小时的揭秘，将每一个bug都解释得圆圆满满，这才体现出前30分钟的趣味，也体现出了前30分钟制造的不适感的独特之处——这真是难得又难得的体验。

而回过头来，前30分钟的一镜到底真是不仅必要，而且惊为天人，同时，还把“真实与虚构”的模糊界限进一步往前推进。

这30分钟的一镜到底，到底有多少是按照原本剧本进行的？

机位和现场有多少次出现状况？

奔跑中的跌倒是真的失误，还是有意为之？

这一镜到底到底试了几镜头？

这一镜到底可能是一次完美的不完美的炫技。

它的不确定性正是它最让人着迷的地方。

设想一下，这套电影的剧本，是完美剧本下套着的导演救急场景下拍摄的一部关于男女主角在拍摄丧尸片时遇到丧尸的故事。

用括号来表示：{ [ ( < > ) ] }{1.电影院中的电影《摄像机不要停！

》[2.拍一镜到底丧尸片《摄像机不要停！

》（3.片场遇到丧尸<4.剧组几人在拍丧尸片> ）] }用摄像机表示：{ 曽根剛的摄影机 [ 腰不好的男摄像师和新手女摄像师的摄影机 ( “导演”日暮大喜手中的摄影机 ) ] }是的，很要命的是，这电影的名字和片中“导演”拍的一镜到底的片名还是一样的（都叫 One Cut of the Dead）！

深怕你突然某一刻醒悟这到底是真实还是虚构。

后现代的元叙述用来拍博君一笑的喜剧真是太适合了。

反正都是play嘛！

还很高级呢！

摄制组在深山的一家废弃工厂拍摄一部丧尸片时，却意外唤醒了真的丧尸...这是[摄影机不要停！

]一个俗套到有些想让人翻白眼的开头，但它后续的展开却完全惊人地偏离了人的预想。

5个多月前，当[摄影机不要停！

]初次只在日本的几家艺术影院点映时，很难会有人想到它如今的火爆程度。

300万日元(约合18万人民币)的成本，没有一个明星，前期几乎无宣发，上映后却口碑迅速发酵，几个月突破了百万观众数，揽下超30亿日元(约合1.839亿人民币)的高票房。

不仅如果你是丧尸片、恐怖片爱好者，你不能错过它；但凡你热爱电影、热爱喜剧，你都一定不能错过它。

因为，这是一部写给电影爱好者的情书——前37分钟丧尸短片展现出来的粗糙、怪异、令人困惑不解的地方，都在电影后半段的拍摄过程一一解开。

难怪有人说，这部片的观感大概就是[房间]和[灾难艺术家]的连映，恰当如是。

当觉得前路漫漫、为梦想很难坚持的时候，看这样一部为电影人写的笑中带泪的情书，会觉得没有人容易，尤其那些预算有限、时间可怜的B级片导演。

B级片，B-movie，并不是通常意义上的一种电影分级，而是从制作投入上划分出来的，低预算影片。

上世纪30年代，有声片开始出现，从默片到有声片的转变扩大了观众群体，让更多人开始走进影院；再加上当时的经济萧条期，大萧条中的美国人呐，才不管你电影院里放的是什么内容，只要能让人们暂时忘掉那困顿的现实，救济金里掏个几分钱还是很乐意的。

所以，人们也常常用“黄金时代”来形容30年代的美国电影业。

早在20世纪后半期，米高梅、派拉蒙、华纳、福克斯等大制片厂已经形成了一种相对明晰的产业结构图，高投资的A级片也能为他们取得不错的收益。

比如，华纳的有声片[爵士歌手]就以40几万的成本为他们收回了超过350万美元的票房。

©[爵士歌手]剧照但是，另一面，随着高投入和增多雇员而来的是，很高的投资风险。

那些出身于早期5分钱镍币影院的老板们自然很明白，怎么样节省资金、物尽其用——在拍摄A级片较长的制作周期间隙，充分利用人员和设备，顺道拍一些低廉的小片。

这样，B级片顺势而生了。

那时的影院，学的是早期歌剧院的模式，几部不同的作品接连上演，先放卡通短片、风光短片等等，差不多了才是正片。

而B级片，往往在正片结束之后放映，几十分钟但不超过一个小时。

©比如1938年的[萨德的朋友们]只有55分钟比起那些有着大明星、大导演加身，高成本、制作精良的正片，随机附送的B级片根本无所谓题材和质感。

没有明星出演、演员演技感人，场景少，布景、特效低廉简陋，剧情俗套平庸、甚至常出现连贯错误，趣味低级等等特征，就成了B级片的标签。

要说，[摄影机不要停！

]里那前37分钟的丧尸短片，就完全可以称作是B级片水准。

B级片这个词，也似乎成了一个暗示着质量低廉、俗套差劲的负面词汇。

美国60年代后，虽然捆绑上映的“双片制”早已取消，但汽车影院、午夜影院的出现，开始让B级片更加兴盛起来。

©60年代的汽车影院推动了B级片的发展它常常和暴力、恐怖、血腥和情色等剥削题材合流，吸引了当时新成长起来的青年一代观众群。

那时，甚至又出现了比B级片质量更为廉价的Z级片概念，它们也常常被毫不客气地叫做“Trash Film”。

剧本更差、剪辑和灯光更差、演员更差，常常是在电影产业边缘甚至外部制作的Z级片，跟B级片一起，虽然边缘，但也成为电影本身的一部分。

虽然被绝大多数观众瞧不上，但每个时代它也有着属于自己的那一小撮忠实拥蹙在。

吉田大八的[听说桐岛要退部]里，有一个手拿摄影机疯狂执着于拍丧尸片的普通少年前田。

在一次观影冢本晋也那狂暴凌厉的[铁男]之后，他和偶遇的同学激动地聊起自己如数家珍的B级片，对方却连连摇头表示不认识，然后很快走开了。

©B级片[铁男]直接出现在[听说桐岛要退部]里这种有些伤感的孤独和落寞，大概很真实地代表了很多B级片死忠的感受，可能也是那些一生不被理解、伴随嘲笑而生的失败者导演的心声。

比如，艾德·伍德。

艾德·伍德一生写了至少47个剧本，执导了18个影视作品，监制了12部影片，但他生前，无人识得。

他去世后，被后来的影评人冠之以“历史最差导演”头衔，他的[外太空计划9]也被评为“历史最差电影”。

这才激起了人们对这位从没拍过一部好片的B级片导演的兴趣。

©德普演绎的[艾德·伍德]剧照蒂姆·波顿为他拍传记片[艾德·伍德]，在电影结束前，让饱尝了无数心酸和挫折的艾德·伍德收获了人们的掌声。

但这是明显虚构的。

他拍第一部电影[忽男忽女]，是在好莱坞寂寂无名混迹良久之后自己争取来的机会——3天时间写剧本、10天拍摄，3万美元左右的预算。

到了[外太空计划9]时，他更夸张，只花了5天时间就拍摄完成。

当然，当时是无人问津，后来是声名狼藉，缘于这些片子低成本、短时间带来的“粗制滥造”感。

[外太空计划9]里，他用洗得发亮的盘子当飞碟，用纸板来做墓室。

©[外太空计划9]里的飞碟能看到线仔细看还能看到飞碟飞过时吊的长线，而演员们偶尔还会撞到甚至撞倒那些用硬纸板做的粗糙布景。

同样一个场景，他白天时拍一次，晚上再拍一次，同样的素材在电影前后反复多次出现。

更别提那些业余演员们的尴尬演技了，像是在经常望着提词卡一样的说台词方式，对白写得也无聊又尬。

表现战争时，他更直接把以前的纪录片场景搬出来放进去，这些都让[外太空计划9]成为无可争议的烂片“神作”。

而在传记片[艾德·伍德]里，还有一段他拍[大话原子人之怪兽娶亲]时的悲催场景。

©[大话原子人之怪兽娶亲]里的章鱼怪他电影的主角大型章鱼怪的道具是全体工作人员半夜去别的片场偷过来的，结果偷得太急还忘了拿章鱼怪的发动机。

没有音响、一晚上要拍25场戏、几乎晚上只睡一小时就接着起来拍、演员们还要泡在水里自己动假装被章鱼怪袭击。

历经这些艰辛过后的电影首映礼，迎接他们的却是观众们冲着演员、导演扔鸡蛋，甚至还差点因为愤怒砸了艾德·伍德的车。

比起令人心疼的艾德·伍德，似乎就连[摄影机不要停！

]里剧组为拍摄丧尸短片所付出的一切都不算什么了。

毕竟，被自己的观众用臭鸡蛋丢这种经历，也不是每一个B级片导演都能有的。

艾德·伍德只是其中之一，历史上那些无数个为着“摄影机不要停！

”梦想努力向前奔跑的人中的一个。

《纽约时报》曾经这么说过：[大白鲨]不就是一部高成本的罗杰·科曼电影吗？

罗杰·科曼，另一位B级片之王，一生导过50多部B级片，他曾经用5天时间拍摄了[血流成河]，也曾用两天一夜的恐怖效率拍出过B级片经典[恐怖小店]。

©[恐怖小店]海报他甚至有一句流传甚广的名言：电影只有一种拍法：飞快地拍。

为了省钱省时间，他经常让摄影师平常就去追着消防车、救护车拍，甚至拍生活中任何正在发生的动作。

因为，他会直接把素材放进电影里；为此，他甚至自己跑到火灾现场、不顾危险地拍摄大火场景。

放心，这样的大场面拍完之后，他的下部片、下下部片可能都会反复使用这同一素材，绝对不会浪费。

[马诺斯：命运之手]，另一部名垂影史的神级大烂片，常年在最烂top10的榜单，导演阿罗德·沃伦却是一个心怀电影梦的化肥商人。

©[马诺斯：命运之手]海报包括新世纪以来，烂成史诗级名作的[房间]和[群鸟：震惊和恐怖]，导演托米·韦素和詹姆斯·阮也都是异常“严肃而真挚”的“电影人”。

在詹姆斯·弗兰科为托米·韦素作传拍的[灾难艺术家]里，你可以看到他是多么认真、多么真诚地想拍出一部杰作。

但也是这么用心地拍出了这部哪哪都不对、哪哪都是错的“烂片界公民凯恩”[房间]。

詹姆斯·阮这位越南籍希区柯克铁粉就更有意思，把自己上班以来攒下的1万美金全部用来拍摄[群鸟：震惊和恐怖]，更花了4年时间仔细打磨。

©[群鸟：震惊和恐怖]里的特效做后期时没钱了，就找刚毕业的特效师来做，这片的特效其实就是把鸟儿复制粘贴了一下而已。

所以啊，别看不起烂片，它们真的也有尊严！

就像[摄影机不要停！

]结尾，摇臂摄影机摔坏了，剧组所有人哪怕叠罗汉也要拍出来想要的那一幕。

粗糙是可以的，糟糕也是可以的，但拍片的摄影机不能停！

参考资料：【1】「カメラを止めるな！

」上田慎一郎監督、当初の目標は動員5000人，映画.com【2】Roger Corman，Wikipedia【3】B-movie，Wikipedia【4】Birdemic: Shock and Terror，Trivia，IMDB【5】B级片历史，电影推荐网，2016.4.6【6】Funniest B Movies of All Time，PaulDeMerritt，CheatSheet，2017.1.28【7】他是史上最烂的导演！

可他自己却不这么认为，黎小墨，公众号奇遇电影，2016.6.4【8】Ed Wood：Tim Burton’s Beautiful Ode to a Fascinating Filmmaker, From One Outsider to Another，CINEPHL 作者/卷卷毛文章首发于微信公众号「破词儿」

《摄影机不要停！

》：各位看懂最后的人梯了吗？

2018年12月23日 周日 沈阳

《摄影机不要停！

》2018年即将过去，冬至一过，冬天的寒冷就开始发力了。

最近各公众号上热捧的这部日本小成本电影。

让这个黑夜最长的夜晚不那么空荡荡。

18万人民币的拍摄成本，取得1.8亿的成绩单。

这让所有有着电影梦的人兴奋。

这种以小博大的例子，又一次证明了，在电影这个领域里，依然是内容为王。

96分钟的片子被分成了两部分，一部分是一个狗血丧尸片，一部分是一个狗血丧尸片的拍摄花絮。

第二部分是主体。

如此说起来，觉得怪怪的，但这种怪怪的【剧中剧中剧】，也是该片具有开创性的手法。

并不知道之前有没有其他类似的作品，可以出门左转去看大神的影评。

这里也不想说影片的细节，因为也没什么高深的隐喻，一切都在桌面上，老少咸宜。

这里想说的是，对于这部电影，我们这些小玩家如何去看。

内容简单不代表这部作品不高级，这部片子的精髓也在于他简单却又多维度。

我试着去找出几个来，供大家参考：1、 关于长镜头。

长镜头是本片的关键文艺片的穷山恶水长镜头，在商业片爱好者眼里，闲得刻意、冗长、装X，这确实是长镜头的缺点，一镜到底会对叙事和表现提出超级高的要求。

因为你是长镜头所以就很难有更多的表现力。

但长镜头有着自己独有的魅力。

一个是它的诗意。

这里要说一下毕赣的《路边野餐》，40分钟的长镜头是一种完美的表现方式，那种让人看着晕晕的感觉，正是梦境给人的迷幻力量，给观众感官上的代入感。

仿佛在看5D电影。

直到长镜头结束出现切点，才从梦境中醒来。

意犹未尽。

另外一个是它的拍摄复杂性。

长镜头是导演的一次大考，每个人都要像流水线一样的行动，有时候会精确到秒，没有一个人是多余的。

呈现在镜头面前可能只有一个人，但在摄像机的后面，可能像蚂蚁搬家一般，炸起了锅。

这部片子没有任何诗意，可以去研究下他的拍摄方法。

怎么样处理突如其来的麻烦，片中给了不是办法的办法，精妙到让人忍不住鼓掌。

2、 关于团队。

奇奇怪怪的人组成的不靠谱团队应该不止我一个人，向往他们这个团队吧。

一个个奇奇怪怪但又热心肠的人们，聚到一起搞出一部“烂片”看似是一种不错的经历。

看看这个团队的构成，一个个都不是“省油的灯”。

一个拍假新闻片的导演、一个容易入戏不冷静的家庭主妇，一个坚持创作原则的女儿，一个嗜酒误事的大叔，一个只喝软水的光头，一个小有名气的鲜肉演员，一个拍过广告片的女优。

这些奇怪的人在一起也不指望他们能搞出什么名堂来。

这也是制片人的想法。

但目标只有一个：摄像机不要停，所以在这条流水线上的每个人都要全力以赴。

有意思的是，乱成一锅的车祸现场，也怪不得别人。

都是团队成员自己搞出来的阴差阳错。

本可以掌控全局的导演首当其冲，先来段即兴发挥，给后面打好了样板。

然后这些人们接二连三的出了状况。

这里不得不说一下，专业的还是专业。

别管是不是拍广告片还是耍大牌。

身为专业演员的男女主基本没有犯错误。

直播结束，镜头升空。

俯视下的剧组收工了。

这些不靠谱的人又会回到以往的生活中去，这一次拍摄也不会让他们一夜成名。

但他们这段有趣的回忆被作品记录了下来，在别人眼中的烂片，这不重要。

重要的它是剧组里所有人生命里的一段留影。

一段茶余饭后的谈资。

3、 关于职人。

因为拉粑粑，而羞愧职人，是日语中对于拥有精湛技艺的手工艺者的称呼，以前主要是指传统手工业者，而现在许多掌握着尖端技术的制造业者也可以被称作“职人”。

这个概念跟片中导演这种不靠谱的三流导演似乎不沾边。

但导演的行为可以看做是平民的职人精神。

这也可能是本片导演想宣扬的一种价值观吧。

“拿人钱财就要替人消灾”能够做到这点的就可以说是职业。

我认为想做到职人还差了一点点，就是当您让我接手这个工作后，您就收获您的结果。

其他的交给我，因为这件事儿是我的了。

我要对我的行为和结果负责。

片中导演两次情绪爆发都是因为其他人干扰了他的控制力。

前30分钟他是一个疯导演，后面60分钟他是一个被现实关系所束缚的职人。

尤其一个与艺术沾边的职业，创作者必须要对自己的东西有绝对的自信，这种自信的外化就是控制力。

以电影为例，任何进入到镜头里的东西都要被控制，一只苍蝇的闯入都有可能毁了演员的完美发挥。

那些即兴的改动只能在导演的控制力下进行。

如果导演失去了绝对的控制力，那么这部作品已经不再是他的作品了。

职人精神，是一种专注，是为了目标的全力以赴。

也是一种偏执和独裁。

为什么工匠精神、职人精神在如今变得格外崇高，因为我们的社会的变化太多，稍有不留意、不坚持心中的宝石真的会变成路边的残砖。

4、 关于娱乐精神

从面相上看，此人难对付面对状况，身在现场的制片人几次想放弃，因为这是电视节目，是一种荧屏娱乐产品，不需要那么严肃，随便玩玩就好了。

这是制片的态度，也许也是大部分观众的态度。

片子里直播过程，小眼睛大婶居然刷起了手机。

对，单独拿出来前30分钟来看，质量连网大都不如。

试想如果真的在直播的时候看这种片子，恐怕也没有人会全神贯注的去看，尤其是在电视上。

这里想提的是，我们要怎样去面对娱乐？

很多人看完这片子都在想，我们是不是对“烂片”要求太苛刻了？

人家说不定也是辛辛苦苦拍摄的，然后让我们一棒子打死，是不是不太公平？

我的回答是，可以去同情，但还是要拿起棒子打死它。

了解管理的知道，马斯洛需求理论。

一般而言，没有温饱就没有精神的需求。

文化作为软实力，本身就比较外围，它的上下限也非常大。

就拿电影举例，没有好作品它可能就真的沦为了政治宣传的工具。

如果观众的水平没有进步，停留对待电影无所谓的态度，那等待我们的就是整个市场的失准。

文化一层会逐渐被淡忘，我们会变得拜金、无聊、死板。

为什么我们电视机里全是抗日神剧？

为什么会有《逐梦演艺圈》？

为什么《战狼》成功之后有出现了那么多“吊打外国人”？

值得欣慰的是，我们观众的水平在越来越提升。

这会倒逼电影品质逐渐提升。

我们要对国产低端恐怖片说不，要对鲜肉明星扣图说不，要对经典反复重拍说不。

这些作品背后也许有很多工作人员的艰辛，我很理解。

但，对不起，这与我无关，我还会因为你浪费我们的时间而骂你。

以上是我找出的四个维度，当然还有父女关系，拍摄细节这样的维度可以去看。

篇幅有限，不再多说。

最后想提一下，影片的高潮——人梯。

人梯是影片多维度的标志这是我今年最让我印象深刻的画面之一。

在这人梯里也是片子多维度的体现。

人梯可以分为五层：最底层是助导、摄像、录音（电影的直接工作者），他们是基础第二层是制片人（资方对娱乐的轻视）和男主（耍大牌的流量明星）——被踩在导演脚下。

需要他们，但要对作品负责，为创作者让路。

第三层是导演，作品的核心。

需要借助电影的台前还有幕后才能站起来。

第四层是导演女儿。

是创作者的职人精神，同时也是主题——父女关系的体现。

最顶层是摄像机，也是我们——普普通通、成千上万的观众。

因为这是我的作品，所以，摄影机必须不能停。

1999年，盛夏。

一部不起眼的低成本恐怖片在美国的27家影院上映，由于反响十分激烈，影院数在第二周直接上涨到1100家，这让制作方与拷贝冲印公司忙到焦头烂额。

该片成本仅6万美元，却在全球创造了2亿5000万的票房。

将近4000倍的投资收入打破了所有的影史记录，那些传统的电影工作和好莱坞制片人为此大跌眼镜。

它就是震惊影坛，撼动好莱坞传统理念的《女巫布莱尔》。

同年8月，该片的两位导演双双登上了《时代周刊》封面。

只是他们没有想到，在19年后的日本，一位叫上田慎一郎的年轻人带着一群人，同样复制了他们的神话。

1正片VS花絮2018年，初夏。

日本东京的两家艺术影院放映着一部关于丧尸的恐怖片，不料上映几周，口碑迅速发酵，放映规模扩大到全国的150家商业影院，堪称年度现象级爆款。

要知道，它的成本仅是18万人民币，比《路边野餐》还少了2万元，却有着惊人的1:1000的收益回报率。

它就是《摄影机不要停》 。

电影开场就是一镜到底的丧尸片，甚至最后还像模像样的出现了片尾字幕。

不明真相的观众定会以为电影放完了，可让我们看下手表才发现只是过了37分钟而已，到底是怎么回事呢？

原来该片分为两部分：前半部分是“丧尸正片”，后半部分是“幕后拍摄过程”。

而幕后花絮则是不断的在解构正片，为我们揭晓前面正片出现的拍摄事故和拍摄技巧。

看到后面你会发现，前戏根本没有按着剧本走，完全是脱节的状态，原本是一出无比正常简单的丧尸剧，却在后面的直播过程中状况迭出，彻底失控。

比如“导演”突然愤怒的咒骂男演员，“导演”老婆莫名其妙地做出带有“彭”声的防身术动作，光头小哥一再地想出去却不说原因。

这种捧腹大笑的幽默感，不仅得益于创作者超强的逻辑思维和编排能力，更来源于本片无视传统常规的拍摄手法。

2摄影机VS观众它完全采用头悬目眩式的手持摄影和急推急拉的复古拍摄手法来表现丧尸的紧迫感，再配上演员浮夸到极致的表演，简直就是对好莱坞B级恐怖片的完美戏谑。

电影还出现演员冲着镜头说话的场景。

甚至上演抹布擦镜头的好戏，简直令人瞠目结舌。

电影从1895年诞生至今，就是在不停地弱化摄影机的存在，以便让观众有一种身临其境的感觉。

可《摄影机不要停》却反其道而行之，无时无刻不向观众灌输“摄影机始终存在”的理念，这种“间离”的手法在法国新浪潮时期用的最为纯熟。

新浪潮运动的领头羊——戈达尔在《筋疲力尽》、《法外之徒》、《女人就是女人》等作品中，一再疏离观众和电影的关系，他认为观众应有自己的选择，这一理念同样也在《摄影机不要停》中体现。

它有别于其他传统叙事片一贯牵着观众鼻子走的习惯，而是将主动权完全交于观众手中，让观众去回味电影里的每一个“点”，就像是探宝游戏一样，不停地发掘正片和花絮之间的连接点。

这种不断发掘的过程，也是趣味性不断积累的过程。

比起特效堆砌，容易引起审美疲劳的超级大片，《摄影机不要停》显得更为生动富有灵气，正是因为它在剧本结构上的无限探讨，从而产生一种余音绕梁的效果。

3齐心协力vs状况迭出不难猜出，该片灵感来源很有可能是三谷幸喜的《广播时间》和博格丹诺维奇的《大人别出声》，两者讲述的都是原本好端端的节目，因为现场状况不断，而被改得面目全非的故事。

《摄影机不要停》正是借鉴了前者的剧作形式，用戏中戏的外壳来包裹电影故事的内核：电影制作者的艰辛路程。

在《摄影机不要停》的后半部分，我们会看到剧中“导演”不断的在妥协，男演员一直在摆臭脸质疑导演。

女演员则为了自己的偶像包袱拒绝拍摄恶心戏份，拍摄哭戏也只想用眼药水。

这也侧面揭示了演艺圈的怪相，一些演员只是混混日子，毫无职业操守，甚至还在片场频频耍大牌。

这不禁让人联想起前段日子，老艺术家们纷纷斥责小鲜肉不敬业的事件。

但在最终的拍摄过程中，为了保证节目直播的顺畅，这一群凑来的剧组成员开始齐心协力，一起达成这项“不可能完成的任务”。

尽管现场状况百出：比如在现场烂醉如泥的大叔吐了别人一脸，入戏太深的家庭主妇拿着斧头追杀女演员，摄影师受伤只能由一个毫无经验的实习生顶上。

直到最后在摇臂被摔坏的情况下，众人搭起一个“人肉摇臂”，从而达到了电影的高潮。

这不仅是一次向电影的热血致敬，也让影迷重新找回那份爱上电影的激情和感动。

它有的只是随手皆拾的迷影精神，洋溢着对电影的热爱之情。

就像剧中“导演女儿”所穿的T恤，从《疤面煞星》到《出租车司机》再到《闪灵》，无一都是在表达对电影的由衷敬意。

导演上田慎一郎在采访中也说到：20多岁的时候要去经历失败，30岁的时候这些失败会成为你的武器。

他曾经背负百万债务，拍摄此片时也请不起大牌明星，成本能省则省，服装是大家用剪子剪一剪弄脏做出来的，剧中“导演”一角的住所也是上田慎一郎自己的房子，而那个哇哇大哭的婴儿正是导演自己的儿子。

所以，我们从电影中看到的不是刻意取悦观众的戏剧性，而是一种弥漫其中的迷影情结。

而《摄影机不要停》也旨在说明一件事：如果你想拍电影，只要足够喜欢，大胆地拍就好了！

正如苏珊·桑塔格所说：如果迷影死了，那么电影也就死了。

是的，迷影万岁！

电影万岁！

前几天看到影院推特转推了一则导演的澄清文，大意是“影片受剧团PEACE的舞台剧「GHOST IN THE BOX！

」的启发，但个人还是认为影片是自己的纯原创作品，希望和剧团的冲突能得到完美解决”。

于是去查了一下，原来是剧团PEACE的主理人上杂志指控影片并非原创。

经过查看多方的报道和相关人士的博客，整理时间线：2011年，舞台剧「GHOST IN THE BOX！

」首次上演。

2013年，舞台剧二次上演。

其中一场，「摄影机不要停！

」影片导演作为观众观看了本剧。

2014年，剧团PEACE解散。

2015年，「摄影机不要停！

」影片导演和之前早已熟络的剧团成员B开始了舞台剧电影化的企划。

后邀请舞台剧编剧之一的A，撰写电影版剧本。

然而之后企划不幸夭折。

2016年，在新制作人的加持下，企划由导演一人为主导再开。

导演只向和舞台剧版本实际并无所有权关联的B表达了“想继续做电影版「GHOST」”的意向。

（B大概是“同意”了）2017年，电影制作完成。

完成后，导演才向舞台剧编剧之一的A表达了“加上署名了”。

然而A表示，在剧本被重写到实际拍成电影的过程中，完全没有任何为获取许可的联络。

实际电影上映，A和B署名的位置在“企划开发协助”一栏中。

2018年7月下旬，剧团主理人观看完电影后，联系电影方想要得到署名，得到的回复是“虽然一开始和A、B一起创作，但企划夭折后，最终做出来的是完全‘另一个东西’，所以没办法列入「原作」。

假如作为参考的作品都要署名的话，三谷幸喜的作品也有必要加入「原作」的行列”。

后来，主理人又和电影制作人为代表的电影方进行了面对面对话。

适逢电影宣布扩大上映，电影方以当日不得不说定署名问题为由，最终提议以「原案」而非「原作」署名作为第一步，后期再判断是否为「原作」。

结果是，扩大上映版时的片尾，加上了“原案：剧团PEACE「GHOST IN THE BOX！

」（编剧：A 导演：和田亮一）”的署名，并在特别感谢一栏，加入了剧团主理人和田亮一的名字。

电影方之后联络说，最终整理判断的结果只能是「原案」，并发来一份“原案利用契约书”，其中规定剧团主理人将不再拥有对自己创作的原版舞台剧进行电影化、再舞台化等再制作的权利。

2018年8月21日，剧团主理人实名接受周刊杂志「FLASH」采访的报道公开，关于「摄影机不要停！

」非原创的指控正式浮于公众面前。

问题的关键也明确到，究竟是“原作”还是“原案”的选择中。

（从这儿开始到最后均为深度剧透，后果自负）____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________虽然现在已经是不太可能看到原始舞台剧了，但原舞台剧的大致情节设定、形式构成等等都能通过舞台剧评分网站的评价窥见一二：在一幢废弃建筑的2层，突然一名年轻女性被杀害。

然而马上揭晓，其实这是某大学的电影兴趣小组在进行电影的拍摄。

此时，加入了生物学研究员、废弃建筑摄影爱好者、小说家。

生物学研究员说起了，这儿曾经被用做人体实验的场所。

紧接着，就发生了各种诡异的杀人事件，其中很多是不符合事实逻辑的杀人手法，直到杀到最后揭晓了元凶。

前半的恐怖推理剧结束。

舞台重新布置，场所改成了这幢废弃建筑的3层，各种刚才出现过的人物、没出现的人物进进出出，原来刚刚的带着恐怖色彩推理剧是真正的电影摄影中的一个镜头。

在不同的场景下，把刚刚发生过的一切从头再现了一遍。

然后就解释了恐怖的怪声是怎么来的，又发生了哪些突发状况，以及对应的工作人员、演员的即兴发挥，还有那些不符合事实逻辑的杀人手法的揭晓。

后半喜剧风格，全剧结束。

____________________________________________________________________________________废墟，传言曾进行过人体实验，剧中剧，前半成品后半解密，前半恐怖后半喜剧。

据剧团主理人所言，还有一些台词，标题的这句“摄影机不要停”也是舞台剧的台词中有的。

最开头女演员大喊“求求你，不要不要”导演喊“cut”，来说明背景是电影拍摄的桥段，也是重合的。

如果若干设定上的相似还可以勉强忽略不计，那构造上的相似度之高，实在是令人感到遗憾。

其实如果只是剧中剧，在影视作品中也很常见，但连剧中剧的呈现形式、内容也都是电影拍摄中发生事件，这剧中剧的重合度也未免太高。

不同的是，把推理剧改成僵尸剧，成品的电影改成直播节目，多添加了家庭成员的励志背景。

改成直播的形式，倒是可以说借鉴了三谷幸喜的「广播时间」，当然广播是不够冲击性，于是就有了电视直播节目。

电影最有趣的，莫过于影片构造，相信也不太会有人最喜欢的是僵尸、励志元素。

影片中非常多的“状况”，应该也都是原创居多，但这些原创的部分并不能印证作品整体的原创性。

还有一部分值得称道的，是影片呈现出了影像的魅力，但可能正因为是电影而非舞台剧，所以才带来了舞台剧无法很好呈现的更多重的影像魅力。

____________________________________________________________________________________自事件曝光，当天导演和制作方就发文否认。

从开始交涉到现在，我们可以看到，他们的主张无非是，“只是受启发，并非照搬”“最后的电影和原舞台剧是完全不同的”“这算原作的话，三谷幸喜的作品也要算（潜台词大概是三谷都没找我，你也够资格来找我？

）”“我导演、编剧、剪辑，是我纯原创作品”。

电影粉丝也纷纷指责剧团主理人碰瓷、眼红、想钱，并翻出他的黑历史来洗白电影方的盗作疑云。

说到底，是不是算、能不能算「原作」，和电影作品好不好没关系，和是不是你导演、编剧、剪辑没关系，和维权方的初衷和过去更没关系，还是要各维度比较两者的相似度。

是不是算，可能只有导演自己心里清楚。

能不能算，还要看接下来可能进入进一步协商，甚至诉讼的结果。

（媒体的主流倾向还是比较难界定，不看好维权成功）作为观众，我想在初步地比较两者后，每个人也有每个人的答案。

但不得不说，导演自始至终“纯原创”的说辞显然已经不太能站得住脚了。

对于导演的下一部作品的期待值，通过这次事件也只能下降好几个档次了。

第一次看这部电影的人，大概很难不被剧本的创意和有趣的埋梗折服吧。

也是因为创意太出彩，所以大家可能不太容易注意到，这样一部低成本的喜剧电影，对人物形象的刻画也很到位，各种细节描绘得一丝不苟。

尤其是导演父女的关系线，从对抗到和解，有点像前段时间上映的《网络迷踪》。

二刷之后，我越想越觉得有意思，忍不住为此专门写一篇文。

这对父女，哪哪儿都不像。

短片结束后，正片开始，导演用短短几分钟，就交代了父女俩的职业和性格。

父亲是一个不入流的导演，接一些短平快的单，优势是「便宜、快速、品质尚可」。

这样的活，自然没办法对作品质量要求严格，于是我们看到拍摄现场眼药水随便用、台词没念好也没关系，甚至连哭戏的前因后果都不解释一下。

但也正因为这样，他被电视节目制作方看重，拍一镜到底的直播僵尸片。

（制作方真会找人，拍一镜到底要的就是快！

电视节目成本低，也不可能给太多预算。

）僵尸片进入准备阶段之后，导演「职场老好人」的性格开始凸显。

因为腕小，宁愿自己憋到内伤，也要对剧组演员的要求说「好的亲」，不敢坚持自己的想法。

表情包请随意取用。

女儿那边，则完全是另一番景象。

苦口婆心本人女儿是个初出茅庐的导演助理，坚守着理想主义的情怀。

导演都说哭戏可以用眼药水，她偏不让小演员用。

结果跟演员妈妈起了冲突，导演也不买她的帐。

情商也很低，管年轻妈妈叫「老太婆」，气得人家直接暴走，剧组的戏没法接下去拍，直接把她辞退了。

这样的父女俩，如果能和睦相处，那才是怪事了。

父女的隔阂，不知不觉已经很深。

父亲见到女儿被辞退，试图用过来人的经验教育女儿，但是女儿完全听不进去啊，不仅一言不发，还把眼药水扔给了父亲，内心OS：这个还是您留着用吧！

这背后的原因，其实是父女缺乏交流而导致的互相不理解、不认同。

父亲觉得女儿没有在社会上立足的能力，「再这样下去会饿死」。

女儿觉得父亲自己拍的作品也不咋地，根本没资格教训自己。

（女儿为什么也走上了导演这条路？

我猜测可能是小时候看到当导演的父亲，心生崇拜，于是种下了种子，长大之后却发现父亲的工作一点也不伟大，不值得自己学习。

）还有一个细节，父亲看到电视里的神谷和明，问妻子：「这是谁啊？

」，妻子回答：「这是她的新欢。

」连女儿新追的爱豆都不认识，可见他平时忙于工作，根本不了解女儿的动态。

不知道也就算了，当他知道女儿的爱豆要和自己一起工作之后，也没把这个消息告诉女儿。

为什么不说呢？

我猜可能是因为刚训过女儿，不好意思开口和解吧。

总之，电影前半段父女俩的互动戏份都很生硬，尴尬都快溢出屏幕了。

反观女儿和母亲在一起的时候，明显就轻松自在得多。

但是，父女俩并不是一直就不和。

当父亲听到同事提起女儿后，回来翻看老照片，照片中父女二人的合影明明也是快乐的。

父亲看着照片大哭，妻子问：「拍摄现场这么不开心吗？

」

他没好意思承认：不是工作不顺，只是想念那段和女儿亲密无间的时光。

有点想不通，曾经关系那么好，为什么现在却成了最熟悉的陌生人？

一场ONE CUT拍摄探班，改变了父女关系。

父亲拍僵尸片，母女一同来探班，表面上是看父亲工作，其实观众都明白，只不过是女儿太想见爱豆，才央求母亲陪她一起来。

一镜到底开始后，出现了许多意想不到的状况，但正是因为这些状况，父女二人的相似之处得以暴露出来。

我们发现：原来父女俩对工作的坚持如出一辙。

1、当剧情接不上、眼看着只能停机的时候，父亲很想坚持拍摄，情急之中对着摄影机大喊「摄影机不要停！

」。

在一旁围观的女儿急中生智，告诉工作人员不用停机，直接跳到某个场景就能接上戏，成功化解危机。

说话毒的毛病倒是改一改啊喂！

2、当摇臂断裂，没法拍摄最后的俯视镜头时，父亲与制片人起了争执，父亲坚持要拍，制片人却觉得删掉也无所谓。

紧要关头，还是女儿想出办法，让全剧组叠罗汉当摇臂，大家咬紧牙关，虽然摇摇晃晃，还是成功拍到了屋顶上的血咒。

这个场景实在太好笑了，女主没笑场证明演技真的棒！

最后，拍摄圆满完成，父女二人也终于和解。

因为在拍摄中，女儿看到了父亲对作品的不妥协，父亲也看到了女儿的能力。

最重要的是，父亲和女儿都发现了：原来我们是同一类人啊。

对视一笑太有爱啦！

一瞬间仿佛又回到了童年的欢乐时光呢。

也不知道为什么，我最近格外容易被亲情打动，看《网络迷踪》和《四个春天》都哭个不住，连一部僵尸喜剧居然都能看出来父女之间的羁绊。

也许就是，想家了吧：）

原来电影还可以这样拍啊。

这部电影一开始给我的印象，是《听说桐岛要退部》那样的。

毕竟都有cult片情意结、都有讲拍电影，以及某种程度上的“戏中戏”设定，还都表达了对电影的热爱。

但其实两者的区别还是蛮大的。

《桐岛》中，拍电影只是故事的其中一条线，而《摄影机不要停》则是将“拍拍电影的电影”这一主题贯彻了全片，它没有像前者那样探讨年轻人无处安放的心结，而是纯粹地表现对电影的热爱。

电影最为人称赞的地方在于开头那一段堪称片场灾难的37分钟长镜头，不过在讨论这条长镜头之前，我比较想讨论电影的其它部分。

除长镜头之外，电影对人物的塑造也是相当深刻的。

其中最具代表性的是父女的故事线，这一条故事性的设置其实也涵盖了全片的主题，即对电影的热爱。

父亲是一个不算成功的电影人，拍过电影、访谈、MV，可以看得出来在繁琐的工作中，他对妥协是习以为常的，不强求演员真哭，不介意用眼药水，在对待剧组时也是尽可能的和颜悦色——就跟普通的中年上班族一样，被生活与工作磨去了棱角。

得不到女儿的认可，包括妻子也不认为他会接下“现场直播长镜头戏中戏”这样的工作。

从父亲在接到工作时的反应来看，他确实是不太愿意接受这份工作的（想必也是因为他知道要拍好有多难），但是为了让刚刚被赶出剧组的女儿开心起来，他最终还是接下了这份工作。

在筹备的过程中，父亲一直周旋在不靠谱的演员、诸多要求的录音师、棱角分明的男一号还有不能被颜“哔——”的偶像女演员之间，这个时候的他依然是如履薄冰，焦头烂额于满足各方需求的。

虽然此时的女儿并不会觉得他有多伟大，即便到了片场也还是会嫌他挡住了自己看男一号的视角。

女儿对父亲的认知是在直播过程中逐渐改观的，她发现原来父亲也并非总是那样的窝囊，他其实也不认可那些得过且过的技俩，也很烦自视甚高的艺人，只是为了生活和工作，他必须要将自己的愤怒掩盖在和颜悦色之下，只有到了镜头前，才得以毫无顾忌地将自己所承受的压抑宣泄出来。

（虽然还未到中年，但我仿佛也能够理解这种不得不舍弃自己坚持的心态）。

因此，可以说，父女线是作为与片场线这条明线相对应的暗线所存在的，在明线遇到冲突时补充解决方法（从一开始的妈妈代替演员，到中间女儿直接补完中断的剧情，都是起到一个化解冲突的作用），明线提供笑点，暗线推动剧情发展。

而最终，两条线在电影最大的冲突点，即直播将要结束之时汇到一起。

已经上头的父亲面对要求随意解决机位的制作人爆发了，女儿明白父亲也是真切想拍好电影的心意，也凭借着她幼时与父亲的经历找到了解决方案，在让电影完成拍摄的同时，也完成了与父亲的和解。

这是电影在剧作上的亮点。

另一方面，还有一个值得关注的细节：在电影拍摄的过程中，剧组各方是纠葛不断的，不管是诸多意见的男一号，还是向父亲施压的制作人。

但到了最后一个镜头，所有人合力搭起了人肉机架，坚持到直播结束——然后他们都疲惫不堪地，在笑。

这个过程中，遇到了太多的突发状况与麻烦，有太多的争吵与矛盾，但到了电影杀青的那一刻，大家都在笑。

我想起自己在一次端午假期的时候有去过学姐的剧组（天台戏）帮忙做录音，五月的深圳日光毒辣，两天下来我被晒成了红色。

但是我的心情还是比较愉快的——因为拍电影是一件会让人热爱且沉醉其中的事。

讨论完剧情，我们回到最开始的长镜头。

我很喜欢长镜头。

原因大抵是因为，拍摄一条优秀的长镜头意味着剧组全体人员的高度配合，过硬的运镜水平以及周密的机位及构图设计，很多时候还需要加上一些运气的成分。

（这里是否要cue一下毕赣？

）不过在《摄影机不要停》中，它并没有给我们展现一条优秀的长镜头：能把人晃吐的手持、莫名其妙的尬演、还有将镜头对准上楼梯的女主角的屁股（这样真的没关系吗导演！

）……电影开头呈现的这段37分钟的长镜头就观感而言实在称不上好，甚至可以说是“长镜头劝退教科书”级别的糟糕。

但当导演告诉我们，这是一个戏中戏的设定时，一切就变了：这条长镜头的全部纰漏都被补上了，它的一切不足都可以被归咎到状况百出的拍摄现场，也就可以理解成刻意而为的设计——换言之，它是一条完美的长镜头。

这是取巧，没错，但除了取巧，我看到的是对电影的热爱。

没有成本（不到18万人民币）、没有卡司（演员几乎都是十八线）、甚至没有技术——我们只是普通人，没有杨索或是卢贝兹基那样的惊世之才，但我们还是可以用自己的方式，拍下影史留名的长镜头，告诉观众，即便是普通人，也能够拍出伟大的电影。

我很少看日韩电影，也很少看恐怖片，日韩恐怖片更是从来不看。

这跟我的观影习惯有关的，看科恩兄弟、昆丁·塔伦迪诺看得多了，就不喜欢那种小清新情感系，或者装神弄鬼无中生有的东西——江湖路远、山高水长，自当快意恩仇。

不过，这两天被一个日本的小成本恐怖片《摄影机不要停！

》洗脑了——已经看了两遍了，写完本文准备看第三遍。

有这么魔性？

这部电影不仅恐怖，还很搞笑。

要知道，这是一群业余演员，花费18万元拍成的，而他目前的票房接近2亿元（都是人民币），被它洗脑的人很多。

电影的剧情并不复杂。

前36分钟是一个完整的丧尸片：一个独立电影剧组，正在荒山野岭一个废弃的工厂里拍摄丧尸片。

拍着拍着，真正的丧尸来了，于是，剧组里一个个接连丧命。

【丧尸来了，演员仓皇逃命】而导演呢？

却拍得正起劲，“对，就是这样”，“这就是我要的表情”，“继续，摄像机不要停”。

【演员吓得要死，导演拍得正爽】如果只是这样一个故事，那有没什么高明之处？

事实上，这36分钟还挺垃圾的，画面粗糙、表演浮夸、五毛特效。

【电影前36分钟是一部闹哄哄的三流恐怖故事】如果非要说有什么值得一看的，就是：这36分钟的丧尸片，采用“长镜头”的手法拍摄，意思就是：拿一部摄像机，导演走到哪儿就拍到哪儿，中间不断，也不剪辑，一镜到底。

因为是导演拿着摄像机一路跑拍长镜头，所以，在这36分钟，就有下面这种虚了的画面。

这种虚了的、摇摇晃晃的画面，增加了一些紧张感。

但是，这有什么牛的？

拍电影又不是为了炫技，拍那么长时间的长镜头如果没有内涵也是垃圾。

就像《爱乐之城》和《路边野餐》，长镜头是他们表达内涵的一种方式，不是目的。

第37分钟，屏幕上出字幕，演员表，好像闹剧就此结束。

不！

精彩这才正式开始。

从37分钟开始，后面这1个小时的故事，才是正片，正片赋予了前36分钟深刻内涵。

后面这一个小时，讲述的是这部丧尸电影的筹备、制作、拍摄过程，这才是真正的高潮部分。

电影筹备开始，剧组的每个人，包括导演、演员、化妆师、摄影师等，都拿着一本血红色封皮的剧本，《One Cut Of The Dead》（可以翻译为：一尸到底，一镜到底）。

【剧组人员集体学习剧本】学完剧本后，剧组来到深山老林开始拍摄。

而拍摄地，还流传着一个恐怖传说：表面看这里是废弃的自来水厂，其实是日本军队开展人体试验的地方，主要的实验就是复活丧尸，“以鲜血唤醒诅咒”等。

在这样的地方拍摄丧尸恐怖片，算是有诚意了。

但是，完成这部丧尸片需要的不是诚意，而是胆量——不是克服对丧尸恐惧感的胆量，而是完成拍摄任务的胆量。

因为：这个36分钟的丧尸片要采用“长镜头”的手法拍摄，还要在电视台直播。

而剧组，没钱没人，团队成员个个难伺候。

团队刚一组建好，导演就开始头大。

小鲜肉男主演一上来就质疑剧本：丧尸会用斧头砍人合理吗？

丧尸不是没有心智的吗？

（一看就没玩过《植物大战僵尸》）

女主演表面可爱、漂亮，其实是个事儿B。

一会儿要求删戏，一会儿要求改戏，临到要演哭戏了，还要求剧组给自己准备眼药水。

【女主演要求删戏】

【女主演要借助眼药水演哭戏】甚至还有女演员带着小婴儿，让整个会议室里都是哇哇哭声。

而导演是个和事佬，万事好商量（谁要自己不是大腕儿呢）。

拍摄开始前2个小时，剧组再出状况：扮演导演的演员和扮演化妆师的演员因为偷情，一起出了车祸，来不了了！

眼看着直播就要开始了，怎么办？

导演本人和导演的妻子亲自上阵。

看到这里，你肯定会说：完了！

这个剧组好不了了，这部丧尸片好不了了。

令人意外的是：他们硬是把直播坚持了下来，一开始的bug，也被导演巧妙地化解，变成了后面的各种伏笔。

片中第一个被咬后变成丧尸的角色，是一个特别喜欢酗酒的配角。

电影开拍的时候，他其实已经醉得不省人事。

于是，导演日暮扶着他拍完了所有的动作。

【导演扶着醉酒演员演丧尸】

【导演扶着醉酒演员演丧尸】你别说，这种醉酒状态，还真有“丧尸范儿”。

现场的道具不够用了，剧组工作人员直接给自己腿上化了妆，走到女演员面前，其实，她上身穿戴整齐。

而临时被拉上阵、扮演化妆师的日暮导演妻子，越演越来感，越演越进入佳境，全程都用她从防身课上学习的套路，对付“丧尸”。

【最后被斧头“砍死”的女化妆师】剧组里早已乱做了一团，而直播还得继续，日暮导演带着大家辗转腾挪，拆东墙补西墙，巧妙化解了各种危机，呈现在电视上的效果就是：好真实！

【观看直播的制作人】而这份真实的背后，是现场工作人员的付出，是他们的不容易，这才是这部片儿要表达的东西。

电影很搞笑，但笑完也有思考：正是对电影的热爱，才使得他们完成了一次不可能完成的“丧尸直播”，也正是凭借这份热爱，才成就了一部既搞笑又恐怖的佳片。

拍摄现场，拍完一个镜头，着急忙慌就准备下一个场景的样子格外真实。

跟着主角飞奔，结果摔倒在地的工作人员毫不在意，就像什么事儿也没发生一样起身继续奔跑。

电影的最后一幕，需要电影镜头缓缓拉升，露出地上的血色五芒星作为结尾。

可是，在拍摄过程中，摇臂摄影机摔坏了，怎么办？

剧组其它工作人员一边搭人墙，一边等待直播镜头到来。

人墙不断搭起，倒下，又搭起来，倒下……

这样的百折不挠让观众很感动。

最后关头，他们终于搭好了人墙，完成了所有的直播。

到这一刻，我才明白：导演要表达的是对电影的尊重和热爱。

我们普通观众看到的一个几秒钟的镜头，觉得平平无奇，甚至有点烂，但在现场，工作人员则要付出很大的代价。

剧组的大腕儿演员不敬业还多事，而小演员却朴素、热血；搞笑中带着心酸，心酸中又是对电影的深深热爱……既使困难重重，但这些小演员、小导演依然坚定地付出所有热情。

这样的一部电影，你想到了什么？

对，就是《喜剧之王》。

尹天仇虽然只是个跑龙套的，但他把演戏作为自己的信仰，不管多难，都要克服重重困难一直演下去。

【《喜剧之王》剧照，尹天仇正在演戏】而生活中唯唯诺诺的小人物尹天仇，一旦到了片场，则不要命地付出，疯了一样沉迷。

看看导演上田慎一郎为了宣传这部电影是怎么做的？

映前倒数一天，导演自个在ins上来了一拨土味宣传：他把自己当油漆，涂抹出了倒计时海报。

因为，《摄影机不要停！

》制作成本很低，很穷酸。

但越是这种穷酸，越让人感受到了他们的真诚。

事实上，好的恐怖片，似乎常常跟拍摄成本、跟有没有大腕儿没有关系。

比如2016年马凯拍的那部《中邪》，多少人看完后被吓得不敢睡觉，制作成本也只有5万元，比《摄影机不要停！

》还要少很多。

这其实也说明：真正的好电影，是要有一些真诚的东西在里边，怀着创作者的一颗敬畏之心的，好电影既不是资本的游戏，也不是流量的俘虏。

《摄影机不要停！

》值得一看，也期待更多的小成本诚意之作。

↓↓↓↓↓↓

我不是学电影拍摄的，所以估计看不懂优秀的点。

高分的原因我看不出来。

画面好，情节好，演技好，制做好的电影还有很多。

我不能说它是个烂片，不算烂但是也不值得捧啊。

任何一部片，都是别人用心血拍的，不过我想把时间用在别的片子上。

为什么要写够140个字才能发表评论？

我写不出来了啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊