鸟人

本片有对现代演艺圈(showbiz)的各种讽刺。

近些年这侠那侠的，一点创意都没有，但是好莱坞就是这样一个地方，啥题材赚钱就拍啥，直到大家都烦的不行了或者几个大厂赔死才会长记性。

国内又未尝不是，《潜伏》一火，基本上谍战剧就拍了好几年......《鸟侠》此等蛋疼的名字都能赚钱，很明显观众已经丧心病狂，但终究是三十年河东，三十年河西，没有什么是永远的，见风使舵的好莱坞甚是如此。

扮演男主Michael Keaton曾经演过九十年代的《蝙蝠侠》，由他来演这个戏中过气的演员真的是再合适不过了。

戏剧圈穷向来不是什么秘密，电影界相比则往往赚要多不少，因为发行渠道更多。

除非你能混到百老汇那个级别的，不然资金上会有很多困难。

这也是为什么片中Naomi Watts的角色为自己能上broadway而激动不已，因为这对一个混戏剧圈的人来说甚是不易。

也正是因为舞台剧少了很多铜臭味(《歌剧魅影》这种老牌子除外，换个cast继续圈钱)，所以用来和大手笔的电影明星来做对比很合适，也是为什么诸多电影明星在有名气后都愿意去百老汇舞台上露个脸，提升逼格。

“艺术”是个宽泛的词，在本片中可以把它简化成“表演”。

舞台剧里往往有着最出色的表演，因为你没有掩饰的机会。

电影里的表演你有很多调整的空间，剪辑，化妆，灯光都可以帮助你。

爱德华诺顿的角色貌似就是为这个追求而存在的，他就像一个夸张版的“方法派”，认为就算是表演也要真实，这也是为什么他为了把酒换成水这样一个小细节而大发脾气。

例如最近的《黄金时代》，导演认为寒冷和饥饿是演不了的，因此就真的把剧组放在冰冻的地区拍摄。

诺顿的这种夸张的对真实的渴求到底在表明些什么？

是否在讽刺很多演员只是为了表演以外的东西而表演？

表演的本质是什么？

演员的职责是什么？

男主愤世嫉俗的女儿(石头姐)也在对他说，“You aren’t doing this for the sake of art”(你做这些并不是为了艺术），这也未尝不是正确的。

男主既是导演，又是演员，想控制一切，拼命努力的讨好critics，肯定是想证明自己的能力，但是我们不知道他的动机，到底是为了证明自己是个没过气的演员，还是真的为了对戏剧的热爱？

那个评论家也说他是只是个celebrity, not an actor，可见名气并不等同于真才实学。

不管他真实动机如何，一切都被演艺圈的复杂而深深淹没了。

牵扯的方面太多，人也终究不能纯粹。

在这种情景下想要获得自我认同，甚是不易。

本片里各种对现在演艺圈的讽刺可以说是不能再明显了。

片名《鸟侠》，台词里提到的Michael Fassbender, Woody Harrelson, Jeremy Renner都是在说最近这股超级英雄浪潮；女儿和他吵架的时候说，”你连facebook都没有，好像你根本不存在一样”，然后在临近结尾处又是在网络的帮助下，利用那段裸身跑时代广场的视频，他名声大噪，可见“名气”这个东西是多么虚渺和好笑。

曾今扮演过超级英雄的他更能感同身受，名声稍纵即逝，没有什么是永远的，那又该抓住些什么呢？

自己的价值在哪里？

或许万事都是繁梦一场，终须灭。

技术层面本片也是耀眼的不能忽视。

丧！

心！

病！

狂！

的！

长！

镜！

头！

我们流畅的从更衣间飘到前台，飘回后台，再飘到大街上，再飘回来，真的是如丝般顺滑，像一位灵活的芭蕾舞者。

惊喜的是依然有特写。

我们不能像平常剪辑那样全景中景特写的来回切换来体会人物关系和内心经历，但是导演没有忽视特写的力量，让我很是感动。

另外这种丧心病狂的长镜头实在是非常挑战演员，前期一定会做很多的排练，因为如果有一个人的台词说错，大家都要从头开始，所以每个演员一定压力山大，我不能说错啊不然所有人都会恨我的之类的纠结。

很多过渡镜头肯定也花了不少心思。

我确实被这种惊人的尝试震撼，但是中间的时候我感觉到形式开始大于内容，可以明显察觉到剧本的写作是为了这种一镜到底的模式而创作的，很多“小聪明”都有点过于明显。

例如本片副标题The Unexpected Virtue Of Ignorance, 我觉得就有点过，简直就是赤裸裸的在你耳边说“瞧我们这片子多聪明啊哇哈哈”的节奏，个别台词也给我这种印象，一种“我们就是在讽刺演艺圈的瞧多幽默啊哇哈哈”的感觉。

就是因为一切都是非常仔细并且不留余地的演练好的，我们反而没有了副标题里的那个“unexpected”，减少了观众参与的空间。

我个人认为在形式上，戏剧会增加其与观众的距离(更抽象化)，而电影是减少距离(更能身临其境)。

然而本片处于两者间的尴尬地位。

一直在运动的镜头让我觉得很不安分，纵使我和人物离得很近，我没有停下思考的空间，反而让他们显得遥远了，就好像我坐在一个窥探他们的过山车上，轨迹统统是给你设计好的，一点偏离都不允许。

这固然是刺激，只是难免单调，因为轨道是固定的，重复后的结果是一样的。

或许这就是聪明反被聪明误吧，人也不可能什么都得到。

这是一部有野心，有技术，有思想，有表演的难得好片。

只是想要成为佳作，貌似还差一点。

看各位的个人爱好了。

选取豆友Peter Cat的点评：伊纳里多所有电影问题都是一样的，就是故弄玄虚，换言之他野心和品味都很好，但是相比于他要操作众多主题他的思考特别廉价。

但他特别厉害一点是会用出色视听和话题在数量优势来掩盖深度上缺失。

可以回想一下这个电影，处理了多少话题，可每一个都抛了点鸡汤而已。

当然，视听出众确实有目共睹

星级：★★★★★里根•汤普森改编自雷蒙德•卡佛的《当我们谈论爱情的时候，我们谈论什么》为什么火了？

普通的观众喜欢它，500美刀的门票被抢光，《纽约时报》刻薄挑剔的女评论人喜欢，称其为无知的意外美德，咱们来屡屡电影给出的答案。

一开始预演时有男演员被舞台上掉下来的灯头砸进医院，他们还一直在打官司索赔；任性爱折腾的方法派男演员麦克•珊农舞台上勃起，YouTube上一夜时间点击量过万；曾经的“飞鸟侠”演出中场穿着内裤在纽约广场裸奔，首演了，最后又在舞台上真枪实弹的轰掉了自己的鼻子，这个剧组的娱乐话题就从来没有断过。

女评论人塔比瑟•迪金斯觉得里根•汤普森这种名人就是一个穿着弹性紧身衣的好莱坞小丑，她痛恨他代表的那类人，毫无文化积淀，没有正规训练的乐天派整天想着去创造真正的艺术，搞点所谓的自编自导自演，就好像“毫无才华的被宠坏的臭丫头”的安吉丽娜•朱莉去做了导演（此处没有讽刺之意，只是引用）。

但是最后，这些刻薄的评论人也从“打掉鼻子”中看到了这群演员的真诚，演员为此付出的一切，他们喜欢称这为一种美德。

好莱坞颁奖季向来喜欢这类演员玩自虐的方法派演技，像今年《夜行者》的杰克•吉伦哈尔和《万物理论》里的埃迪•雷德梅恩，他们瞧不上那些演爱情喜剧的，除非你是梅丽尔•斯特里普，这样的偏见总是无处不在。

所以这出话剧火了，这也是《鸟人》要讽刺的，我不知道该怎么定义这部电影的类型，它不是颁奖季的奥斯卡命题作文，它也不是套某种类型片公式的八股文，但这正是墨西哥导演亚利桑德罗•冈萨雷斯•伊纳里多的天才之处，这应该可以说是一部灵气十足的讽刺喜剧？

它讽刺还有更直白的东西，比如那些去演超级英雄电影的当红男星，小罗伯特•唐宁、迈克尔•法斯宾德和杰瑞米•雷纳等人，编剧们的观点还多多少少带着那么一点偏见、逼格、清高和沾沾自喜式的自我满足。

你真的这么想？

我不觉得编剧们在这么想，但是整个好莱坞却是这么想，否则也不会找那么多公认的演技派和奥斯卡级别的大牌下海演这类甜腻的爆米花大片。

这时候大家谈的不是艺术，是躺着把钱赚了，但总有人想着要搞点艺术，就像汤普森当年为什么要辞演《飞鸟侠4》，所以他很快过气了，被人遗忘，这就是现实，好莱坞的现实就是这么讽刺。

《鸟人》让人想到奥利维耶•阿萨亚斯的那部新片《锡尔斯玛利亚》，除了戏中戏，还有演员的现实生活中的演绎履历和片中角色的高度吻合，戏剧与电影，现实与故事，舞台与生活，就像三重镜像，剧作在叙事文本带来的思考和共鸣已经不仅仅是电影故事了，就像演过《美国X档案》的爱德华•诺顿去演方法派演员，演过《蝙蝠侠》的迈克尔•基顿去演过气的《飞鸟侠》，你难免会想到真实的好莱坞，这正是这片子的野心所在。

好像在好莱坞想玩艺术，就不得不搞点严肃正经自虐的东西。

去年男主角阵容里，表演最丰满动人的就是这部电影里的迈克尔•基顿，当然整部电影里的所有角色都很丰满，所有演员也都演的很尽兴，这要归功于艾曼努尔•卢贝兹基的摄影，他的长镜头并不是让人目瞪口呆的炫技，加上Antonio Sanchez的爵士鼓点，镜头除了在现场的代入感，还时刻在情绪上和演员的表演保持着高度的一致，比如大家最容易察觉的就是当古典音乐响起，镜头就会飘飘欲仙起来，就像摄影机失去了重力一样，那就像这群演员嘴上说的那样，叫入戏。

戏里，一切都不是问题，戏外，该反思的该讽刺的该悔悟的继续，演员的飙戏、情绪化的镜头和临场的真实感都让人想起托马斯•温特伯格当年的那部《家宴》，有点强烈的“窦马95宣言”的感觉。

而且摄影还因此赋予了整部电影独一无二的形式感，当然这类伪长镜头并不新鲜，希区柯克1948年就在《夺魂索》里展示过了，不过这年头再看，墨西哥这帮电影人的革新精神依旧让片子带上了一股子仙气，既完美个性又与众不同。

现在你知道《鸟人》想讽刺什么了吗？

在好莱坞想创造点真正的所谓的艺术，为什么就一定要自虐？

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毫无疑问，这部电影很有争议性，很多人觉得看不懂，觉得晦涩，但电影有时候并不是一种纯粹的消遣，而是能够在看完之后，结合自己的生活去思考，从中获取经验然后升一百级单刷稀有坐骑，不是吗？

当然不是 - -#一本正经地胡说八道，就很像这部电影，现实和超现实结合，基调低沉又无厘头，好笑又伤感，正是我喜欢这部影片的地方。

片头是Raymond Carver的诗《Late Fragment》：And did you get what you wanted from this life, even so?即使这样，你得到这辈子想要的了吗？

I did.得到了。

And what did you waht?那你想要的是什么？

To call myself beloved, to feel myself beloved on the Earth.能说我是被爱的，在世上能感受到被爱。

不难看出，beloved是里面关键词，爱不仅是爱情，还有敬爱，被爱也不仅是你想要我在身边，而是真实的关切。

片中的几个主要人物都缺爱：Sam童年正值老爸事业的大红大紫的时候，经常不在家，如此缺少父爱，难怪会迷上叔哥爹弟Mike。

Lesley对自我价值的判断完全凭借外人，渴望别人的肯定，Laura告诉她成功就成功，Riggan说OK就OK，缺乏对自身的认知，缺乏自爱。

Laura 想得到Riggan的心，但Riggan肯定只把她当炮友，两年了，假装怀孕也没改变什么。

男二号Mike是自负和自卑的综合体，在舞台上总想呈现最好的表演，他也确实很受观众喜爱，他的自负表现在以为自己怎么想都是对的，比如在酒吧那段，话音刚落就被现场粉丝打脸哈哈，换衣服的时候也大大咧咧裸体，非常有自信的样子，而也许正是他的自负导致了他的自卑，同事抱怨他耍大牌，日光浴，现场喝酒、勃起，跟上司谈话毫不客气，这些在他看来都是工作需求，他如此难搞，都只存在工作场合，在私人的空间里，第一次天台和Sam的对话中，他也说了并不是不在乎别人是否喜欢他，整个人都温柔了起来，各种展露脆弱面，只玩Truth不来Dare，说明他也渴望别人多了解一下他的内心，能够被爱，这种性格，还好女友是唯唯诺诺的Lesley。

最后来看男主角的心路，Riggan想成为演员，都从Raymond Carver给他一张纸条开始，但早年演的科幻大片《鸟人》对他来说并不满足，所以他辞演了鸟人4这种商业大片，在鸟人的服装里他连脸都没法露，怎么演？

活生生一个人肉道具，和他所想成为的演员相差甚远。

于是他自己决定做一部戏剧，将Raymond Carver的短篇小说集 《When we talk about love, what we're talking about》搬上舞台。

但事情可没那么顺利：1.排练的时候，糟糕的演员Ralph被道具砸伤，剧组直接以这个借口把他开除，而Ralph立即开始和剧组打官司。

2.预演第一场，Mike在舞台喝醉了砸场。

3.预演第二场，Mike在台上硬了，影片被传到Youtube。

【Take it easy, I know It’s hard哈哈】4.预演第三场，Riggan抽烟意外被锁在剧院外面，穿着内裤从街上跑回剧院，同样被人拍了放到网上，随后将错就错出演，被观众认可的同时成为热门话题。

这些意料之外的事件，让这部剧在社交网络上火了，吸引了大量关注，可也离Riggan想要的东西越来越远，他希望人们能正经对待他，尊重他是一个演员，爱他以他演员的身份，而不是说一句早上好被转发几十万的明星。

可没人把他当回事，前妻Sylvia把他的戏称为Stuff，为这部戏卖房子，显然在Sylvia的眼里是疯狂的行为；Sam骂出了心里话，觉得他只是为了得到关注，并不是为了什么狗屁艺术；Mike毫不留情说这个舞台属于很多出色的演员，你不是其中之一；评论家Tabitha说你不是演员，你只是个名人，再次补刀。

在一连串的打击之下，他发现自己并不被爱，压根没人能够理解他，开始陷入绝望，于是他把高中时Raymond Carver送他的纸条，促使他走上演员之路的动机，留在了吧台。

走出酒吧后，路人念《麦克白》里的台词更是将他的心射成了筛子，Riggan开始觉得一切都没有意义了，自己做的什么都徒劳，没有人会将他看作一个真正的演员。

一夜过后，鸟人的声音再次占据了他的头脑，潜意识里Riggan已经开始破罐子破摔了，成不了演员又怎样，老子还是电影明星，你们不是要轰动吗？

不是要爆点？

我就要让你们看看我有多厉害，我必须以我想要的形式结束，with a grand gesture，惊世骇俗的行为，难怪要自杀咯。

烈焰、牺牲、伊卡洛斯，你可以做到的，你听到了吗？

你是______，迷之音：鸟人！

音乐起，读条起飞，不到2秒就被陌生人给了个法术反制！

但这时候他的思绪是自由的，人类已经不能阻止他了，他还是飞回了剧院，他知道他该怎么做了，但...没付车钱哈哈哈哈神经病！

一晃到晚上，幕间休息一堆人涌出剧院，评价可以听到“不错”，然后看到白发黑框西装的中年男子走出来，难道是马丁斯科塞斯？

是啊，还有新任教皇←_←。

镜头往上带到化妆间，满屋子玫瑰也没办法让他高兴起来，影片开头就说了他不喜欢玫瑰，也许是这种花太过大众，显得不用心，廉价吧。

前妻说他不同寻常的平静，他说他是很平静，并告诉前妻他是有愧意的，他爱她也爱女儿，做人生最后的告别。

到这时候再看戏中戏，情绪都变得丰满，连台词也像是为Riggan而写，Mike是他想成为的，观众没给他想要的，他无力改变这些，只能举起枪...全场起立鼓掌，唯独第二排的Tabitha没有，她呆坐了几秒，在观众鼓掌的时候转身离场，长镜头结束，巨星陨落。

片中出现过两次巨星陨落，片头巨星的陨落，应该是指Riggan的事业下滑，很契合第一句台词：How do we end up here? 片尾再次出现巨星陨落的镜头，无疑是他舞台上举枪自尽行为的一个意象，熊熊燃烧的巨星飞过摩天大楼，照亮千家万户，他再次成为大众焦点。

讽刺的是他在医院的样子更像鸟人了，也像鸟人那样，受到了大众的追捧。

最后剧评给的标题《The Unexpected Virtue of Ignorance》我读书少，压根不知道是什么意思，于是我就在搜索引擎上找，发现确实有这么一个词组Virtue of Ignorance 无知的美德，出自很多关于德性伦理学的文章，无知的美德应该可以理解成自发的，而非后天经过道德教育形成的一种习惯性美德，比如不记仇，冲动性的勇敢等，并非是“知识”带来的结果，结合影片，意外的无知美德，应该就是指Riggan打掉鼻子的一枪，这种血洒舞台的奉献精神，即使没有经过专业训练，也力求为观众呈现完美的演出，实为意外的无知美德。

可谁知道他是一心寻死呢？

Riggan和号称最好朋友的经纪人Jake，在医院里的对话真是让人心碎。

“Riggan，这是你想要的，不是吗？

”“是的，这就是我想要的。

”这一系列的意外，使他成为了网络红人，新闻人物，甚至行为艺术家，但始终没有成为一位被人认可，受人尊敬的演员，自杀未遂还成了这副模样...在卫生间里，Riggan揭掉纱布，对鸟人说：Bye bye, fuck you. 打开窗户，他自由了。

我滿不解，《鳥人》（Birdman）上映這麼久了，固然可供觀眾思索的東西不少，但為甚麼這麼多人都沒有認真的從超級英雄的眉目，去看待這一部談超級英雄的電影呢？

超級英雄之於漫畫文化，可以是指類型，也指典型。

在典型中，除了眾人熟知，正氣凜然正義十足的正面英雄之外，還有反英雄（Antihero）的存在。

反英雄不一定有一套符合社會規範的善惡觀念，她們有時可以殺人，可以知法犯法，可以有自己好惡的施暴，在正義的觀念下行駛爭議的作為。

在4080年代間，超人蝙蝠俠正義聯盟等等成員，都是無庸置疑的正英雄；他們在出版社的統一陣營下，打日本鬼，打韓戰，甚至跟阿里打拳，大量呼應時事，作出符合美國價值觀的行為（就像洛基）。

但，進入80年代後，這些作法就遭到挑戰，許多人想讓太神性沒人性的這些典型人物有新的風貌。

美國漫畫多人編繪的傳統，令創作者們能在官方體制下盡可能的改造人物，作出變革。

於是，法蘭克米勒（Frank Miller）出頭了。

這位多才多藝，能畫能編的藝術家，重塑了一個又一個的超級英雄典型，把他們反英雄化。

在Marvel出版社，他重塑了金鋼狼，讓這人氣不錯的二線變種人，成了反戰風潮的代言，化為不屑於變種人統一戰線的獨眼龍的領導，是美國當時厭惡越戰的傳聲筒。

更有名的，是他在DC出版社的蝙蝠俠重啟之功。

蝙蝠俠這個偵探起家的招牌英雄，在過去四十年的累積下，已經成了穿著一身科技勁裝，帶著一男一女一狗四處戲耍的藍衣戲子，典型到了死氣沉沉的地步，人氣也瀕臨節節敗退的地步。

法蘭克繪製了一個系列：《蝙蝠俠：黑騎士再現》。

此書的蝙蝠俠，堪稱前所未見，引起轟動，蝙蝠俠就此重新登上DC出版社的領軍角色，於銷量於人氣皆是。

在此書《蝙蝠俠：黑騎士再現》中，正義聯盟瓦解多年，已知天命的布魯斯偉恩不穿蝙蝠戰甲多年，成了個偏執，喃喃自語，不信任法治社會，只迷信過去光輝與判斷的惡老頭。

因緣際會下，他再度出山，面對的不再是犯罪者的攻訐，而是媒體對蒙面英雄的批判，是尼克森政府對冷戰的政治環境，也是自己體力不再思想僵化的困頓。

他不再排斥虐殺他人，更是口出惡言的糟糕長輩。

這樣的形象，一路延伸到電影圈，那便是諾蘭重啟的《蝙蝠俠》三部曲。

我不想花太多時間多談諾蘭兄弟如何移花接木了法蘭克不只一冊的漫畫原作，作為己用，我只想說，諾蘭這一支拿下世界票房冠軍，也取下至今最好商業口碑的超級英雄系列，便是反英雄的超級英雄已經逐漸能被大眾接受的象徵。

把反英雄的典型發展，回朔到到《鳥人》去對照，就會發現，這部電影不正是這個歷史發展的縮影嗎？

基高基頓這個鳥人，導演取巧得用這個選角直接取代了他該在片中解釋的角色設定，讓觀眾直接代入1989年蝙蝠俠電影的形象，不費力的完成了故事所謂的過氣演員浮沉錄。

米高基頓頻頻看到鳥人的幻覺，這鳥人要他回去演電影，重拾寶座。

他不要，然後他開槍射了自己，在舞台上自殺，所幸只斷了鼻。

《鳥人》全片最突兀的就在此處。

不覺得荒唐嗎？

仔細想想吧，為什麼米高得開槍射自己？

一個豁然想通自己想紅，但覺得可以走百老匯這條路的男人，有甚麼理由公然自殺？

全片沒有任何辦法解釋這個作為，導演在這個控制慾強烈到用長鏡頭的電影理，也在那一刻脫軌，無法圓米高的作為。

於是長鏡頭斷了，出現了全片唯一一次的跳接，換入了一齣滑稽的舞台秀：蜘蛛人與鋼鐵人一齊登台，在鼓手中穿梭作勢。

從這一幕開始，《鳥人》這個電影就沒有人性可言。

接下來上演的最後一幕，通通只是概念的演繹。

有些影評謂之夢境，有些影評稱之幻覺，有些影評呼為開放式解讀......我不在意，因他們背後是同一種東西。

這東西是甚麼？

我認為，這是反英雄的崛起。

在最後一幕中。

當米高基頓醒來，他還活著，但臉龐改變，他走進廁所，朝鏡子一照，發現新的人造鼻頭英挺，就像隻鳥。

他成了鳥人。

然後他轉過頭，曾在幻覺的鳥人坐在馬桶上，默然無語，曾一直看向自己的鷹眼，此時再無正對。

此時，在廁所理，有兩個鳥人：一個鳥人活在幻覺，活在過去，如今活在馬桶上無言以對；一個鳥人活在現實，活在當下，如今即將享受功成名就。

不是這樣嗎？

當米高基頓丟開了大家都曾想看到的神話英雄，開始做起一個失敗丈夫，失敗演員，失敗製片與失敗公民的時候，戲外的戲迷，也就是我們，卻開始愛上他的演出。

相信大家都有注意到，《鳥人》有齣戲中戲，是他們幾位演員排練的瑞蒙卡佛（Raymond Carver）的舞台劇。

在戲中戲里，每個演員都說了他們真正的心聲，那些心聲反而是鏡頭前理應窺視這些演員私密處的我們，無法看出來的東西。

我們看到的戲外，其實是另一種戲內，是導演要我們看到的另一齣戲碼，那就是失意演員的崛起的英雄故事。

前任鳥人曾經失意，結局是如此走路有風，順利得一蹋糊塗。

女兒自動投懷了，老婆自動釋懷了，觀眾自動詠懷了。

本來針鋒相對的浩克老兄，片子演到三分之一突然就消失；本來紐約時報的劇評人曾信誓旦旦要搞死他，如今也寫了稱讚他戲碼的好評……不覺得這樂觀得詭異，就像好萊屋古典電影常有的大團圓結局？

這，不就是超級英雄故事的常見收尾嗎？

為什麼導演覺得這個鳥人值得用如此的結局去擁護它？

我會說，因為導演也把這部片當成一部超級英雄電影去拍。

這位英雄的武器不是蝙蝠（鳥人）飛鏢，而是菸灰缸盒；英雄的技能不是西藏忍術，而是函授瑜珈；英雄的性格也不是四正四端，而是個人性而叛逆，只想做好自己事情卻屢屢失敗的魯蛇。

但這魯蛇贏了！

他的偏執被典範了！

還記得劇評家如何批判鳥人的嗎？

她說，鳥人代表了好萊屋的粗俗，讓她無從忍受的不精緻，所以她即使不看戲，也要搞死米高基頓。

然而，她最後盛讚有加的戲碼，是米高自殘的寫實張力。

去掉這是否符合現實，我倒覺得這正是本劇最同意看出導演戲耍觀眾的雙關。

戲評家討厭超級英雄鳥人的原因是甚麼？

是嗜血。

戲評家重新愛上舞台劇鳥人的原因是甚麼？

也是嗜血！

這正是這些年來觀眾的心理。

超級英雄拍得太多，影迷撻伐而且恥笑，這根本是商業電影的入侵，是電影文化低劣的證明。

但是，當有些導演引用了稍微不一樣的超級英雄，用了反英雄的典型，拍蝙蝠俠，拍鳥人，馬上就是叫好叫座，前者拿下2009年世界票房冠軍，後者取得奧斯卡提名的門票。

敢問，用CG後製的血取媚大眾，與用自殘噴出的血取媚深度戲迷，有甚麼差別？

沒有。

敢問，用超級英雄的正英雄取媚二十年前的觀眾，與用超級英雄的反英雄取媚現在的觀眾，有甚麼差別？

沒有。

一切，都只是媚俗與媚雅的差別罷了。

在我看來，這正是《鳥人》放置在超級英雄風潮之際，該可以有的解讀。

這部片究竟是反超級英雄，還是超級反英雄？

比起打繞在戲中戲的瑞蒙卡佛戲碼的文本不放，這個脈絡才更應該也更像是本片應該有的意義與解構吧。

還是，其實沒多少人在意，這部片一定要用超級英雄當背景的苦心？

覺得只要襯托出過氣演員的背景，用甚麼題材都無所謂？

那敢情好，下次不要找米高基頓，改找梅爾吉勃遜當主角好了。

我們可以看一齣戲，看梅爾一早從垃圾堆裡宿醉而醒，發現眼前站著一位素袍國王，哇，竟是哈姆雷特，還是梅爾在90年代詮釋的老粗版哈姆雷特！

看落魄梅爾與哈姆梅特在百老匯街頭自言自語，看上去多麼有意涵有符號性阿，我都能想見有哪位文青會把這一幕寫成莎劇在當代的墮落的意象分析文了。

說不准，這文青勉強還懂一點，會拿《雷神索爾》（Thor）舉例，說明這個超級英雄受莎劇影響的變化，只是在說明完後，補上一句：「是還可以看啦，但筆者覺得，超級英雄電影不夠嚴肅，不登大雅之堂耶」。

我呸。

这个电影的主题我觉得确实是还好。

Ego, 被人关注，被人喜爱，喜爱（admiration）和爱(love)的区别，梦想，通俗与艺术，艺术与功利，然后就像片头那两句话一样，也许这些确实涉及人生活中最重要的是什么。

可是给这部电影五颗星的原因主要不是对主题的戚戚然，而有其他两点它做得让人叹为观止：1. 整部电影中多个层次反复出现的现实与戏剧的暧昧界限。

2. 配乐。

Metafiction，戏中戏，早就不是罕见的东西。

可是我觉得Birdman把它们做到了极致，流畅自然，富有美感。

为了叙述的清晰，定义如下：戏剧A： Birdman 电影本身戏剧B： What we talk about when we talk about love 电影中男主创作的舞台剧戏剧C：Birdman 电影中男主年轻时主演的超级英雄电影现实O：我们（观众）生活的真实世界第一层，戏剧B与戏剧A中的真实生活通过精妙的剪切形成了一个莫比乌斯环（好吧，原来整个电影是一个无比长的长镜头）。

从后台灯光昏暗走廊里关于怀孕的狗血对话镜头直接摇到烟雾弥漫的舞台上女人的独白，从剧场顶端石头妹和诺顿的“激情戏”自然摇下来剧中人物开始对话，剧场这个暧昧于现实与戏剧的地点被使用得非常充分。

甚至还有男主不小心被关在后门外衣服卡住取不出来然后只好穿着内裤穿越闹市绕到正门从观众席进入，回到戏剧时空中的妙手一笔。

除了地点作为媒介，人物也是这个表达这个“穿越”的意思的媒介。

现实与戏剧在电影里的演员来说是界限模糊的：那个纠结于怀孕的女演员是，诺顿更是：在舞台上敢于真实，“在现实中却是个骗子”。

戏剧B还是有点激发让人想看的欲望的，之前看过半本那本书，今天才知道（意识到）它已经是60年前的人写的了？

而戏剧A中也有少许对戏剧B的影评，比如中产阶级老年人的爱好，无用的哲学思考等等。

第二层，戏剧C，这个只通过第三方叙述呈现给我们的超级英雄电影，与戏剧A中的真实之间也是不能完全辨认的。

我们观众一开始就被那个特异功能镜头迷惑住了。

然后很长一段时间内都在想居然是个超级英雄电影啊，过后逐渐又觉得真是个特别的超级英雄电影啊，直到终于把我们观众的视角与助手的视角相对比，我们才了然，okay, 戏剧A跟戏剧C不是同一个漫威电影宇宙的lol。

显然这一层暧昧是不彻底的，只骗了我们半程。

但是骗得却也好美。

戏剧A里自由切换戏剧C里才成立的特效。

在这前半程里，超级英雄的爆米花气质与戏剧A其他部分的严肃性形成了鲜明的对照，铺陈了一种惹人喜爱的“一切也不是那么严重”的调调。

第三层，与第二层密切关联的，戏剧A中的现实与现实O之间，关系也是若即若离啊。

当我们误以为戏剧A是戏剧C的时候，戏剧A当然跟现实O有距离。

可是戏剧A里的非戏剧C部分的现实是比较郁闷的，而且跟现实O里我们的烦恼也是有呼应的。

所以我们的大脑就一定程度里走进了A和O的边缘相交地带：没有相信真的有超级英雄，可也没有不相信。

因为宁愿着A就是C啊，这样我们就能得以逃避A里面的严肃讨论及其可能由其联想到的烦恼了。

当然逐渐我们还是就跳脱了这种wishful faith了。

因为特效和记忆中其他超级英雄电影所具有的欺骗效果毕竟是有限的。

于是我们在我们的现实O里揣测道导演这样安插戏剧C这样一个噱头在戏剧A的现实里，是为了在苦大仇深的主题边边加一点轻松的气氛吧。

逐渐我们又觉得安插得真是好啊，这“反其道而行之”的修辞手法，用超能力把无力感表达得多贴切啊。

这与导演创作意图的和解让我们也不再纠结A和C到底是个什么关系了。

最惊喜的还要数结尾了。

作为一个又以一种看好戏看你要怎么收场的心态等待导演端出结局的观众，我表示非常服气。

因为第二层以为已经清晰分离的后半程，原来杀了一个回马枪，在石头妹的笑容里又落回到了你中有我我仲有你的地带。

于是第三层上，A和O终究分道扬镳了。

可是观众却拍手叫好，而不是跳起来说，假啊假啊，导演你骗人。

所以A和O的自愿拎不清地带反而变宽了。

这个结尾让我想到另外一部讲鸟人的电影Birdy。

以及它那个纵情一跃的结尾。

以及它那同样的“一切也不是那么严重”的调调。

我怀疑是不是就是在致敬呀。

以及这个联想甚至让我对这部电影的主题也更有感觉了，是关于自由的吧。

不是Birdy里面那种自由，是把自己从自己（自己的欲望、自卑与自大）中解放出来的自由。

结尾丢出来之后导演开始放他很特别的scramble一样的演职员字幕。

可是所有观众都坐着不走呢。

哈哈哈，至少从这点来看，这真是一部无比成功的电影呢。

人们可能还在期盼着导演麻烦多说点呢。

或者一定是有彩蛋的吧！

或者靠，这是啥！

到底怎么样了。

但对于某些对暧昧境地很喜闻乐见的观众来说，这个结局已经太完美了。

甚至有点需要赶紧走赶紧走不要有彩蛋才好啊万一彩蛋画蛇添足了怎么办呢的意思。

另一方面，有的观众尿也憋急了。

(11.12:昨天跟朋友聊起来才知道男主以前是演蝙蝠侠的。

这个Trivia又给第三层暧昧加上了浓墨重彩的一笔哟，而且还是在O里观影过后的回响。

)这家电影院的厕所里的灯总是这么明晃晃的。

可能是因为刚从黑暗中的放映室走出来，眼睛像是进入了另外一个世界。

其实是刚从电影里走出来吧。

果真进入的是另一个世界啊。

从A回到O了，然后运动中的拍摄感还把你偶然拉到A切到B的感觉中，然后刚路过的其他新电影的大海报也许还又让你想到了C。

一切交织在影院的厕所里^^。

然后哗啦啦，一片冲水的声音，正好让我们讨论到第二个优点来。

第二个大的优点，配乐这件事情。

我其实不太容易意识内注意到配乐这件事情的，好多据说配乐非常经典的电影我可能都是在过程中有无意识感受到配乐对情绪节奏的影响，但并不会看完之后articulate道这个电影配乐好厉害。

可是Birdman这部电影配乐真的好厉害啊。

打击乐的大量使用是很特别的。

印象最深的是两个人在路上走鼓点一直狂放地敲，跟着诺顿走进去酒吧的门，音乐马上换成了情调小曲。

配乐这个武器既可以分割，也可以编织连拢。

所以对于第一个优点的达成贡献也是很大的。

可能也是因为一直主要用鼓，后来用了一小段抒情小提琴，印象就也相当相当的深。

最棒的是鼓手在最厉害的情节里无端端地出境了，仿佛（原来）他一直是在那里啊。

另外摄影也棒。

鸟人那个房间内外视角的对照，舞台上下与侧旁，飞翔的视角。

这些也都帮助营造出整个电影中多层的戏剧暧昧感。

可是被我这样ABCO地一搞可能别人会以为是个什么无聊的片子呢。

好吧，对不起，这是写论文写习惯论文腔了 555。

其实除了这些个想起来有点 不够娱乐的优点之外，整部片子其实十分成功地娱乐了大家，因为它既有幽默感又充满了戏剧冲突和情节悬念。

嗯，还有好演员。

诺顿看着为什么这么年轻啊。

石头妹多么适合演女神经啊。

金刚妹不怎么喜欢得起来啊。

倒是那个怀孕的女演员好喜欢啊。

两个妹子make out的时候她好hot啊。。。。

啊呀，真是一部好电影啊。

像是喝道一杯很好的酒啊（说得好像我会品酒一样啊，oops，前面这句话说得又好像我会品电影一样哦lol）。

20150113金球奖得最佳剧本的时候，导演发言描述了另一个存在的维度，现实D：编剧进行创作时的真实世界。

现实D不仅创造了戏剧A而且也大喇喇地照进了戏剧A。

导演说（大意）很多剧中桥段其实就是跟现实D中发生的真实情节在学习。

因为编剧的创作更是一个少不了自我(ego)，不同人的自我(ego)纠结打架的过程。

“这句我写的台词写得多好啊，怎么可以删？

” 哇咔咔。。。

以及拿不拿奖这种外界肯定导演ego的事情对于这部电影来说真算得上值得看的续集了（坏笑）。

重点是还没有拿。

导演心里应该有在自黑自嘲了。

希盼他奥斯卡的时候不管得不得得虾米总能再上台给些有趣的发言(尽管英语说得不甚好lol)

如果从“起承转合”的角度来看，《鸟人》之“转”，始于主人公同剧评人的撕破脸皮。

稍早之前，观众就已获知，“脸皮”，或更文雅地说，“形象”，对这位过气演员有多么重要。

实际上，和所有具备足够深度的“圈内戏剧”一样，《鸟人》不可避免地触及了一系列事关戏剧本体的重要议题，从而使自己清楚地区别于那类辛辣却浅薄的讽刺小品。

事实是，影片或许向我们道出了伶人最为根本的生存困境——说它“根本”，是因为这种困境正植根于“伶人”这一身份本身——“伶人”只有在观众的眼中才看得见自己的存在；但其所见，与其说是自己，毋宁说是自己的“形象”——一张或滑稽或悲哀的面具。

正是这一点，成为了迈克尔基顿饰演的主人公全部焦虑的源头：在人们的视野之外，他感受不到存在的重量——前途是明摆着的，如果不挣扎反抗，他就将沦为“鸟人”这张面具背后的幽灵，并随它一起，变得“轻于鸿毛”（在本片中，悬浮半空，究竟意味着心灵的自由，还是“不能承受的生命之轻”，始终暧昧不明）；然而，也同样是这一点，决定了他的挣扎注定要以惨败收场。

因为，只要仍以“伶人”自居，那么继续存在于观众眼中的唯一方式，就是以新的面具覆盖旧的面具；除此之外，别无他法。

那么，当主人公试图以一个“伶人”的身份为大众所瞩目时，一个令人倍感困惑的问题也随之凸显。

那便是，即使他最后真的成功，观众眼中的这个“伶人”，究竟是实实在在的他——伶人其人，还是仅仅又是一张名唤“伶人”的面具，就像当初“鸟人”的那张一样？

其实，以上问题，在主人公初露“真容”时便已浮现：彼时，观众实际看到的，是主人公的镜像和挂在墙上的“鸟人”——在我看来，与其将这一幕理解为“本人”和他分裂出来的人格，还不如视为，眼前并置着两张面具。

要知道，揽镜自照，从来都只是不乏讹谬的自我指认，充其量只是一次纳喀索斯式的临水照花，看到的只是“理想自我”的虚浮幻影。

在这一点上，爱德华诺顿所饰演的“百老汇骄子”，并不因其总是选择“真实”（Truth） 而得以幸免；相反，看看他裸身镜前的自恋眼神，便足以明白他对这道“幻影”的深深沉溺。

至于那份对“真实体验”的狂热执迷，则只应了“假作真时真亦假”的名言——戏中越是“无所不能”，戏外就越是“绵软无力”；舞台形象越是逼真、饱满，现实生活就越是干瘪、萎顿（Literally，你懂的）。

就像爱伦坡那篇名为《椭圆形画像》的小说：肖像一点点窃取了模特儿本人的生命，“写真”最后僭夺了“本真”作为“真”的资格。

当然，如果说还有什么值得庆幸，那便是对一个伶人来说，这种不无荒诞的“虚实不分”意味着一份通常意义上的成功——毕竟，诺顿始终是剧评人的宠儿；而基顿甚至连这样的资格都不具备。

对后者来说，“成功的伶人”正是他的镜像、他的理想自我，而其全部努力，就是在观众的眼中（而不仅仅是在自己的眼中）看见它！

或许正因如此，他才选择了剧场：不光由于传统观念上，“戏剧/文学”与“电影/漫画”的雅俗之别，使前者看起来更为“不朽”；更因为在那儿，你能第一时间看见自己正在“被看”——那正是“Theatre”一词，最初的含义。

荒诞而残忍的是，主人公没能“逃离”；相反，他倒是似乎赢得了“胜利”！

那些昔日他所渴望的一切，如今居然纷至沓来：剧评人赞不绝口，媒体蜂拥而至，连女儿也买对了他想要的花（但他已闻不到花香，这是个隐喻）。

但，胜利的果真是他么？

——好好回想一下吧，随着舞台上的一声枪响，我们当中还有谁真的再见到过“他”？

——我们看见的，难道不只是一幅报上的剧照、一张由纱布拼接成的诡异“面具”（就像影片中无数次出现的、音乐剧《歌剧魅影》海报上的那一张），以及镜子里那副连他自己都认不出来的陌生面孔？

——由此，影片的结局将我们带回了本文开头的那个问题——当一位伶人终于以“伶人”的身份为人们所瞩目时，此处的“伶人”，远非他自己！

——他的“成功”，便是“他”的失败。

如果说有什么比这更令人沮丧的，那就是连喋喋不休的“鸟人”，此刻都已沉默：那意味着内心的宁静？

抑或是在回应那振聋发聩的句子——“喧哗与骚动”（sound and fury）都已停止，这是真的“无声无息”（heard no more），真成了“nothing”？

…… 如果你倾向后者，那么或许会同意我下面的观点：在某种意义上，主人公临窗一跃后，究竟是“生存还是毁灭”，从一开始就是一个“不恰当”的问题。

早在一个血洒舞台的艺术家，在观众们眼中诞生的那一刻，他已不复“存在”。

或更准确地说，存而不在，逃而不脱，这就是关于主人公最大的悖论。

所以我不无固执地相信，影片的最后一幕远不像看上去那样乐观。

因为对我们来说，无论坠落还是飞翔，都只存在于一双眼睛里——也许在这个世界上，唯有那里，是他的归宿。

2014年是独立电影风气云涌的时代，独立制作《少年时代》、《爆裂鼓手》、《消失的爱人》和《布达佩斯大饭店》等频频上演文艺好戏，不仅陆续登榜年度TOP10，在各大电影节更是拿奖拿到手软。

独立电影绽放今年的电影节，在显露出学院派新宠儿实力外更是给了全世界的独立电影迷们一次丰富盛大的犒赏。

在众多独立电影面前，《鸟人》称得上独立中的独立，更可以说是一部彻底的作者电影。

《鸟人》的与众不同在于是剪辑上的独特，也在于角色性格塑造上的怪异和拧巴，在充满着锐气和个性的镜头下，每一个角色都像鸟人一样插上了一对疯狂的翅膀，在小小的舞台剧场里展现了最妖冶的神奇魅力。

可能很多朋友看完电影简介会觉得这部《鸟人》是一部励志电影，但说实在的，励志的主题在通篇无踪可寻，疯狂的节奏贯穿始终。

疯狂的剪辑、疯狂的摄影、疯狂的配乐、疯狂的演员，《鸟人》更像一把装满春药的猎枪击中了所有人的肾上腺素，或许电影的创作本身就是一个超级疯狂的举动呢。

当中，最能代表电影风格的角色当属迈克尔基顿饰演的里根.汤姆森。

那个高大全的超级英雄飞鸟侠踪影早在20年前销声匿迹，只剩下一个年过花甲的秃头佬在剧场惨过余生。

过气明星的累赘成为了里根最大的心理负担，他对人生的困扰来源于被人逐渐淡忘的边缘化，边缘化的伤痛更导致到他对女儿的照顾不周、对妻子的愧疚、对情人的逃避、对剧组的刻薄。

在演艺事业上，固化老套的演技和一成不变的台词更成就了他累赘的双重叠加，老年鸟人的心像是一个系了千层结的包袱，系上容易，可解开太难。

救赎源于过往，曾被抛弃的鸟人一直跟随着里根的身体，仿佛一个住在他心里的小人，与里根在一次次对话中显露出巅峰时期鸟人勇敢、疯狂、神经质的强大气质。

一个永不会老去的内心和一个渐渐凋零的身体间展开了焦灼的对抗，懦弱与勇敢双重性格更是在与小人的对决中激荡着这位老人的灵魂，事故般惯性懦弱压下了逝去的勇气，一个屈从于平凡的但不甘平凡的过气明星就这样栩栩如生地出现了。

在经历了合伙人意外事故后，除了舞台剧一无所有的里根，却被突如其来的年轻演员查理深深击中了五脏六腑，倔强的舞台掌控者在与查理的合作中越发感觉到了自己的脆弱，体验派演技更是被表现派爆到渣都不剩，甚至有些分分钟教你做人的意思，最疯狂的配角搭上最疯狂的潜力主角，一段寻找自我之旅华丽开场。

事业和生活上的失落让里根对自己重新的考量外，也触发了激活体内鸟人的开关，那股“不疯魔不成活”的劲儿在最后成功预演后被完全的释放，里根终于在这次演出中实现了他《鸟人》系列后最好的辉煌。

且为了更疯狂，那股疯魔劲儿更被导演一直延续到舞台外、剧场外甚至荧幕外，他与灵魂融为一体后，那个自由轻盈的鸟人已无拘无束，天地任我逍遥，世界任我遨游。

最后，里根的女儿看到父亲冲上云霄、羽化登仙后的那一释然之笑，如此美好的结局是鸟人一生最完美的解脱。

真正的鸟人是属于天空、属于上帝的，凡尘俗世岂能约束一个超脱众人、俯瞰众生的超人。

现在仔细回想这部《鸟人》，独角戏版的作者化风格更像是主演迈克尔.基顿本人的生活记录。

20年前曾因《蝙蝠侠》大红大紫的超级英雄动作明星，到被人遗忘、默默无闻和破落收场，再到最后突破自我换发事业第二春，这何尝不是他一生最真实的写照呢？

《鸟人》是迈克尔基顿关于自我的和释放，在电影外他同样完成了对自我的超越，《鸟人》过后，蝙蝠侠和鸟人已毫无区别，只是迈克尔.基顿的一个分身。

更深一步讲，这部电影成功的意义不仅在于迈克尔.基顿本人，更在于激发了当下美国电影组织对过气明星的重视和保护，甚至对现有明星制度的反思。

那些被人渐渐淡忘的英雄或因年华老去而失去以往的卓越风姿，但心中那团表演之火不熄，年龄的界限就会变得无限模糊。

给他们一粒精巧的种子，不用多久，就会结出无比灿烂的花。

我想，英雄从未死去，只是渐渐凋零。

当大卫·柯南伯格镜头下的主人公们在好莱坞的名利荆棘路上磕得满身是血时，墨西哥人亚历桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里多却已经抽身而出，开始考虑明星过气后，该如何在无人问津的寡淡中，重新完成自我价值的体认。

在这部名为《鸟人》的电影中，前“蝙蝠侠”迈克·基顿毫无违和感地饰演了一位从电影生涯中急流勇退的演员里根，他蜗居在百老汇剧院后台，试图利用自己上演在即的新戏重振往日的辉煌。

美国明星在好莱坞与百老汇之间来回穿梭，本不是什么稀奇的事情，甚至，从美国第一部有声电影《爵士歌手》开始，舞台和电影就成为不分彼此的表演形式，在此后几十年一直保持着联姻的关系。

百老汇从来都是好莱坞的哺育者，热门的剧目，经久不衰，积累到一定程度，便会得到好莱坞制片厂商的青眼，《音乐之声》、《西城故事》都是诞生在上世纪50、60年代音乐剧黄金时期的产物。

但在《鸟人》中，百老汇成为好莱坞消费文化的对抗，导演借里根之口对当下流行的超级英雄文化大加讽刺，一批“侠”字头的大片都被贴上了速朽的标签。

相反，话剧却成为一种崇高的存在，尽管受到商业资本和剧评人的双重挤压，每晚八百人的观众人数，比起动辄百万的观影者无疑微不足道，但这却是主人公实现自我救赎的唯一途径。

对于流行文化的警惕，让《鸟人》看上去迥异于一般的流水线电影。

亚历桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里多摒弃了《爱情是狗娘》、《通天塔》中多线叙事的烧脑手法，转而成为极简主义的信徒：表面的平静，普通的主题，无足轻重的故事，以及想不清楚的人物，连场景都尽可能地精简，除了几个并不复杂的外景，大部分时间，故事都发生在纽约百脑汇四十四街的圣詹姆斯剧院内，剪辑上也用十四个无缝衔接的长镜头，伪造一镜到底的效果，实现了不同场景间严丝合缝的转换，带领观众游走在迷宫般的剧院，有效地将所有演员在这个狭小的场阈勾连起来。

镜头的运动和机位的变化，更是消弭了舞台与后台的隔阂，从而将话剧现场与电影拍摄奇妙地融为一体。

三场戏中戏的引入，皆是采用机位水平或垂直移动的手法，省去了蒙太奇跳切转场时可能产生的不连贯感，也进一步将时间元素弱化，突出剧场空间纵深感所带来的可能性。

《鸟人》中乱七八糟的剧场，代表着演员的普遍焦虑：说得崇高些，这些焦虑有关演员的自我修养，如何在既有的评价中完成自我突破，如何获得大众和市场的认可，甚至，如何勇攀艺术高峰，成为不朽和传奇。

说得低俗些，则不过是些不上台面的虚荣心：票房和头版。

电影中躁动的爵士鼓点，好像一个定时炸弹般，挑动着剧中人脆弱的神经，也将名利场中生死一瞬的不安传达给观众。

不过，导演在身陷囹圄的里根身上植入了宝贵的地气，在电影中，作为一个反英雄符号的他主动拒绝了曾经带给他巨大成功的角色，不再扮演超级英雄“鸟人”，而是转身投入雷蒙·卡佛朴素的怀抱，在舞台上搭出一个逼真的中产阶级起居室，一边喝着加冰块的琴酒，一边谈论着爱情与存在。

虽然“鸟人”带来的超能幻想还时时盘旋在他的脑海中，并不断诱惑着他朝着自负的方向前行，但最终吃喝拉撒的生活问题驱散了不切实际的诉求：如何尽快替换演技糟糕的演员，怎么与合作伙伴相处、平衡和女儿微妙的关系，尖酸刻薄的剧评人甚至在没有看戏的情况下就给了差评，如何才能化解口碑的危机……面对艺术追求和日常关切的双重夹击下，《鸟人》体现了雷蒙·卡佛式的困顿，“优雅地解决困难不仅不合适，而且在一定程度上是不可能的”。

为了突出这种困境，亚历桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里多没有在现实主义面前止步，而是在电影加入了家乡盛产的魔幻主义，甚至颇为大胆地挪用了大片中才会出现的电脑特效，使得《鸟人》中弥漫着荒诞和戏谑，成为一部拼贴式的讽刺性文本：一面是生活中方法派的真枪实弹，一面是超越真实的天马行空。

里根自以为能像鸟人般翱翔在纽约鳞次栉比的高楼之上顺利到达剧院，其实不过是仰仗了出租车司机的一己之力，超能力只是英雄迟暮的可笑幻想，所谓的成就，也不过是艾玛·斯通撕下的一截卫生纸，即便上面画满了代表人类文明演化的符码，也只能供人饭后抹去嘴角的油腻。

开放性的结局让《鸟人》成为一部具有多重意指的影像文本，也让我们看到了亚历桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里作为导演的无限潜力，他用电影、戏剧、音乐三位一体地呈现当代社会中荒谬的存在，用一个演员中年危机的故事，批判流行文化对奇观贪得无厌的追逐，为艺术的纯粹性摇旗呐喊。

而故事讲到最后，他甚至为我们提供了“脱离低级趣味”的解决方案：撕下标签，卸下伪装，如果心灵能够自由飞翔，那么身体也能。

第26届法罗岛电影节第7个放映日为大家带来主竞赛单元的《鸟人》，下面请看场刊影评人的评价了！

果树很惊喜，不单是它用长镜头拼成的一镜到底，而且是这种形式对时空的别样展示后带来的独特气质，更是里边对这个操蛋的世界的控诉和无力。

麦麦长镜头的炫技、鼓点的节拍，一切结合的恰到好处。

而我最大的观影感受是被Michael Keaton的演技征服的2个小时，好喜欢与鸟人分身自我对话和半裸从后门出来，奔进戏院接戏那几段。

演员的梦想与挣扎，也许只有纵身跃下才是解脱。

压抑、疯狂、焦虑、讽刺、荒诞之下的底色是那么悲凉。

一桶猫伪长镜头真厉害 配合鼓点配乐 在台前幕后与超现实的幻想中游离 最喜欢那些对话、互文中的反讽 看完一阵痛快 适合反复观看 每次都能有新收获Joeyside当我们嘲讽的时候我们在嘲讽谁。

/CAUSE WE DONT BELONG IN THIS SHITHOLE 中年男性的阳痿痛史，人到中年，妻离子散，与情人有着无果的爱情，却在台上大谈偶像笔中爱情妄图以重新激发日益消弭的荷尔蒙。

诺顿在台上勃起的段落是绝佳的天才讽刺，一个人只有在众目睽睽之下才能体无完肤的承认自己的失能，面对舞台的失态以及类SM般刺激的手段也最终只能ED（自杀）。

如果说这部片能拿奥斯卡是因为给了大部分老白男评委一股子硬不起来却一直在硬鲁的劲还觉得自己无时无刻不处在贤者时刻的艺术灵感迸发一瞬的假象，那么打动我的点其实也很简单—22岁，我阳痿了。

另外上分建议naomi再演一部姬片，说不定配合着骚气十足的jazz鼔我能再一次硬起来。

Run Erika Run伪一镜到底拍摄手法带来的沉浸感、混乱焦躁的鼓点、密集的台词奠定了整部片的风格，本片在技术层面是教科书级别的典范。

迈克尔·基顿现实和角色相互呼应，“鸟人”就像一个幽灵，徘徊在角色身边，时常和自己对话，最后主角不知是变成了鸟人飞起来了还是摔在地上，真真假假令人遐想回味。

约克纳帕塔法在这时代的洪流里嘶吼着表演《麦克白》。

#FIFF26#第7日的场刊将于稍后释出，请大家拭目以待了。

(P.S: 本文只是为了提供一种可能的解读而已，如果有谁追求一种绝对普遍的真理，那我奉劝不要看这篇影评了，我不想争这种没意义的是非问题，讨论的基础就是建立在一种开放性之上。

）这是一部非常有意思的作品。

个人认为是对后现代主义，或曰晚期资本主义的文化逻辑的一次完美辛辣的嘲讽。

于是忍不住想写一些看法。

影片一开始的第一句旁白是: "How did we end up here? This place is a fucking dump." 这真的是一个非常impressive的开头，导演的态度已经显露出来了。

接着旁白又说：" We don't belong in this shithole." 然后故事才正式开始。

影片第一部分最值得注意的部分是记者对Riggan的一段采访。

记者的问题暗含嘲讽：「为什么一个原来主演鸟人的演员突然想把卡佛的作品改编成舞台剧？

」Riggan的回答是：「巴特说过，过去文艺作品中的神话史诗现在正被清洁剂广告和漫画角色代替，所以我的改编是一大进步。

」说完这句话一个大胸金发女记者问道：「巴特是谁？

他是哪个鸟人？

」另一个记者刚要开始和他解释巴特到底是谁，女记者又问：「话说你注射幼猪的精液给自己美容？

」Riggan问他听谁说的，记者答某条推特爆料的。

这段对话对整部作品所要嘲讽的对象有了很明显的指涉：大众商业逻辑和精英文化逻辑的一次殊死搏斗。

如果说Birdman象征通俗甚至低俗的好莱坞式审美观，那么希腊神话中的Icarus则是它的对立面：他飞得太高，太接近太阳，以至于翅膀最终被融化，跌入深渊。

Riggan作为影片中唯一一个真正有理想追求的，不甘于平庸的角色，他的尝试在这样一个资本主义文化逻辑中显得稚嫩可笑。

这也是为何他的女儿说：「你的作品有什么意义？

谁在乎卡佛80年代发表的作品？

你连推特都不会用。

」他完全无言以对。

而之后的几场戏，鸟人频繁出现在Riggan的意识里面，拼命劝他妥协，乃至他被折磨到精神崩溃的边缘，想表达的也是同样的意思。

再来谈一下Mike.这是一个很矛盾的角色。

他是一个非常有野心的人，但是却为了自己的名利可以不顾其他人的尊严，卖友求荣的事情他绝对干得出来。

他看似对演艺事业满怀热情，其实不过把它当成沽名钓誉的工具罢了，最为可笑的就是和女演员提出real sex的要求，当他自己的biggest hard-on得到海量点赞的时候，掩藏不住的虚荣心还是出卖了他。

他也嫉妒Riggan和Raymond Carver的关系，虽然表面上不屑。

再来谈一下Riggan的女儿，一个典型的American Cool Girl, 她和Riggan那次发飙吵架的台词很值得玩味："Means something to who? You had a career before the third comic book movie, before people began to forget who was inside the bird costume. You're doing a play based on a book that was written 60 years ago, for a thousand rich, old white people whose only real concern is gonna be where they go to have their cake and coffee when it's over. Nobody gives a shit but you. And let's face it, Dad, it's not for the sake of art. It's because you just want to feel relevant again. Well, there's a whole world out there where people fight to be relevant every day. And you act like it doesn't even exist! Things are happening in a place that you willfully ignore, a place that has already forgotten you. I mean who are you? You hate bloggers. You make fun of twitter. You don't even have a Facebook page. You're the one who doesn't exist. You're doing this because you're scared to death, like the rest of us, that you don't matter. And you know what? You're right. You don't. It's not important. You're not important. Get used to it.＂对于一个活在social media frenzy, celebrity cult时代的人，Sam自然无法理解父亲的那近乎可笑的「纯艺术」追求。

她生活在一个到处都是营销、名人八卦的世界，更知道比起艺术，人们真正关心的是什么，这段话不愤世嫉俗，仔细读却有一种悲哀感，那就是彻底被时代潮流同化以后人的卑微处境。

她自己也不是她父亲那样有事业追求的人，沉浸在大麻和社交网站带来的虚无满足中，做「小时代」里的小人物而已。

Riggan也曾一度想放弃，可是当他得知票子全部卖完以后，他已经没有退路了。

讽刺的是，最后Riggan给手枪上膛，打算走向舞台的时候他说了一句话：" 20 leopards laughed at 2 lofty lions.」重复了三遍，值得注意。

当Riggan徘徊在大街上，「麦克白」的独白"Out!Out!Brief candle!"响起，这一象征主义的手法极具张力。

Riggan走过他身边，不予理会，这个细节暗示出他仍然没有妥协。

最后提一下那个面目可憎的女影评家。

由于长期找不到作为影评家的存在感，贴标签，写陈词滥调逐渐成为了她唯一会做的事情，在所有的人物中，我觉得她是最为可悲的。

当她自信满满地说: I'm gonna kill your movie because you are a celebrity的时候，我觉得导演所要讽刺的人真是古今中外不胜枚举。

影片的结尾既无奈又美好，Riggan是死是活已经不重要了，这注定是一个开放性的结局。

在这种「魔幻现实」的表现手法中，男主角Riggan终于成为了Icarus, 而不是Birdman, 因为他要追寻的是太阳，尽管人们关注的永远是坐在马桶上的Birdman. 这种对绝望的消解，也正是印证了那句名言：「绝望之于虚妄，正与希望相同。

」（请勿随便转载，任何形式的抄袭，本人将追究到底。

）