文明

01 Second Moment of Creation 早期人类艺术

南非，人形壁画这是早期与动物一同出现在壁画中的人类形象，看起来似乎是在奔跑或者狩猎？

很矫健。

毕加索的牛毕加索说自己是个现代的原始人，并且模仿原始人壁画的思路画了很多牛，因为欧洲非洲发现的原始壁画中有不少牛。

我比较喜欢的是立体主义的那几张

米诺斯文明遗址这是个渔村文明的遗址，城镇由石头砌成，城中的主要道路通向祭祀广场。

迈锡尼文明（米诺斯消亡之后希腊人创造的文明）

三星堆面具这个出场是真的震撼。

感觉制作组是真心喜欢三星堆了，片头也把它放在第一个。

约旦佩特拉，纳巴泰文明佩特拉古城非常壮观。

这个地方因贩卖香料而繁荣，古城里融合了希腊、犹太、阿拉伯等等各地人带来的审美特征。

佩特拉城中的拜占庭镶嵌画

墨西哥，玛雅金字塔玛雅文明的统治者向人民保证会祈求雨神Chaac每年降雨。

金字塔是给雨神祭祀的祭台。

当旱灾来临后，玛雅文明就衰落消亡了。

洪都拉斯，玛雅象形文字石阶石阶有64级，讲述了科潘王朝的历史。

但由于连年旱灾，民众不满，因此这座精美的台阶底下是不牢固的碎石块。

石阶最终垮塌，这是修复版。

02 How Do We Look?人体雕像这一集的核心观点可以说是：如何审视人类自身，是西方文明的一个重要母题。

这使我想起在英国听文学课时，有一堂课专门讲到body，我还惊讶于为何会围绕这样的话题研究。

确实，对比其他文明就发现，从希腊发源的西方文明如此崇拜和欣赏人体本身，是其他文明所不能及的。

本集的作者Mary Beard是个很爱从艺术中总结道理的人。

她从兵马俑中看出个体与集体的边界问题来，让我有些“角度刁钻”的感受。

在我看来，兵马俑还是栩栩如生而且形态各异的，如果非说这个雕塑群像有某些整齐划一的地方，那也可以从雕像身份上很好地理解。

毕竟，军队就不会是一个多么有个性的地方。

但Mary在最后也提出了一个反思，西方人看待其他文明的眼光，是不是被西方文明自己给禁锢住了？

墨西哥奥尔梅克文物中最出名的那个摔跤手，拥有着希腊雕塑般的协调比例和逼真形态，因此被认为拥有最高的艺术价值。

但这只是西方艺术眼光的一家之言罢了。

其他文明，尤其是奥尔梅克文明本身，他们是如何看待这个文明的艺术成就的？

话说回中国来。

这部2018年的纪录片镜头之中的中国西安，绝不会是中国人自己眼中的西安。

画面里的阴暗、逼仄、陈旧，只是印证了西方人对中国的一种印象。

这既无助于西方理解兵马俑，也无助于西方理解中国。

秦兵马俑埃及底比斯的拉美西斯二世法老像。

尺寸大是一种权力和神圣的标志观景殿的阿波罗，英国赛昂宫。

这座雕塑确实好看，充满光明和青春。

然而我最感兴趣的还是这座赛昂宫。

赛昂宫大厅03 Picturing Paradise风景画有什么中国山水画更适合作为风景画的开场呢。

能看到山水画的介绍，我是很欣喜的。

西蒙的讲解很有感染力——虽然我后来才知道这些藏品都来自国外的私人收藏家，但也毫不逊色于国内知名藏品给我的感受。

《晴峦萧寺图》（宋）李成西蒙点出了画面中心的寺庙。

意大利巴巴罗别墅Villa Barbaro

alive with mischief

绘于美国南北战争之后。

倒下的麦子如同战场阵亡的士兵。

老兵仍在辛勤劳作，面前是金黄的丰收的田野。

04 The Eye of Faith宗教艺术

春分，吴哥窟日出吴哥窟最早是一座印度教寺庙，供奉保护神毗湿奴（Vishnu）。

随着佛教在柬埔寨兴起，吴哥窟逐渐成为佛教寺庙。

庙山中心五座尖塔象征须弥山。

图为最中心的塔尖。

吴哥窟是最早的高棉式建筑，也是柬埔寨的象征，被印在国旗上。

意大利Ravenna的San Vitale教堂

金箔马赛克耶稣像教堂顶部有三幅耶稣像，分别是少年时期、代表为人类牺牲的羔羊形象和年长时期的耶稣。

雅科波·丁托列托《耶稣受难》

中间的三角透视，让观众有一种自己就身在现场的错觉这幅画有意思的地方，一是它的构图：受难的耶稣在正中，画面两边向上延伸；二是它把三个时间点放在同一空间里，打破了时空限制。

画中许多人穿着16世纪的当代服装，就像事件就发生在当时一样

表情精准西班牙塞维利亚，Macarena教堂圣母像

雕像为大理石制作，眼泪由玻璃制作，但是手是木制的，因为人们认为木头比大理石更有温度

复活节，圣母像游行，戴尖帽的是忏悔者

土耳其桑卡克拉清真寺。

清真寺采用了大胆的后现代设计，去除了一切多余的装饰，只保留最质朴的、虔诚的核心。

这样的设计让人想起穆罕默德得到启示之地：希拉山洞

土耳其蓝色清真寺。

伊斯兰教不允许为真主或先知画像，也不允许给活物画像，因为只有真主才有这项权利。

但是植物花卉可以作为花纹出现在地毯、墙壁上。

真主通过古兰经的经文存在，清真寺穹顶、墙壁、立柱上的古兰经书法就代表了真主。

15世纪西班牙的犹太教圣经。

书中的图画、装饰非常华丽，也体现了当时基督教、犹太教和伊斯兰教在西班牙的融合。

图画具有典型的伊斯兰教地毯的风格，交错的文字是希伯来文圣经。

《十诫》第二戒律：不可制造偶像。

这一条引发了长久的争议，但在这本圣经中，第二戒律的同一页上就画着两个光屁股的小伙。

作者在圣经最后一页上光荣地署上了自己的大名。

希腊帕特农神庙。

最初用于供奉智慧女神雅典娜，后来改为基督教堂，在奥斯曼帝国时期又变为清真寺。

Mary Beard在结尾提到了宗教与“文明”的共性。

文明也在试图解释人类的起源与宿命，为人类凝聚共同的信仰。

这一个观点让我想到中国人的崇拜——我们不信奉一神教，但却将祭祖的习俗传承了几千年。

凝聚中国人的不是神，而是祖先、土地、文化，某种程度上说，这就是文明本身。

05 The Triumph of Art东方与西方穹顶是通向神和天堂的通道。

基督教与伊斯兰教进行了这样一场“竞赛”，各自建出了极为伟大的教堂。

圣索菲亚大教堂最初是拜占庭帝国的东正教大教堂，后来成为拉丁帝国的天主教大教堂。

奥斯曼土耳其帝国占领君士坦丁堡后，将圣索菲亚大教堂改为清真寺，一直保留到现在。

教堂有大型的穹窿顶，是典型的拜占庭式建筑

现在的穹顶上是阿拉伯语书法奥斯曼帝国苏丹苏莱曼一世下令建造一座真正为真主而建、胜过圣索菲亚大教堂的清真寺。

建筑师米马尔·希南设计出了苏莱曼清真寺，也采用了大穹顶。

但在清真寺中，只有四角与墙壁融为一体的大立柱支撑着这个穹顶，再无其他分隔空间的立柱。

像记载的一样，神的旨意通过光线从249扇窗洒入清真寺

整个空间没有遮挡在差不多同一时期，文艺复兴中的意大利也建造出了一座开阔、通透的天主教堂。

米开朗琪罗在伯拉孟特构想的基础上，设计了圣伯多禄大教堂，支撑教堂穹顶的立柱都在建筑外部。

这是当时世界上最高的穹顶，被称为神圣之作。

米开朗琪罗在穹顶基座修建完成后就去世了，但这一基座奠定了他的设计，后人不可能再做出更改

米开朗琪罗在基座建成后专门宴请了工人们——他很珍视工匠技艺经历了文艺复兴后的西方绘画越来越多地流露出个人色彩，和对权威的挑战。

而被莫卧儿王朝统治的南亚也进入绘画的辉煌时期，阿克巴大帝本人就很喜爱绘画——“有很多人讨厌绘画，但我不喜欢这种人”。

莫卧儿时期的细密画反映出很多西方的元素，体现了阿克巴时代前后的文化融合。

贾汉吉尔是阿克巴大帝的儿子，也是继任的皇帝。

这幅细密画中，贾汉吉尔位于中心，光芒四射，向衣着朴素的苏菲派谢赫（穆斯林圣人）递了一个礼物。

左下方从上至下依次是戴着土耳其头巾、双手合十表示尊敬的奥斯曼苏丹，处于贾汉吉尔脚下、一脸怨恨的英王詹姆斯一世，以及姿态谦卑的画家比奇德尔本人。

画中有不少西方元素，例如下方的两个小天使和上方的两个丘比特

大象与马匹是皇帝赐予画家的礼物，画家向皇帝谦卑地行礼拉合尔的拉合尔堡是莫卧儿王朝的代表性建筑之一。

这座城堡在莫卧儿王朝之前就存在，但经过阿克巴、贾汉吉尔、沙·贾汗（他建造了泰姬陵）、奥朗则布四个莫卧儿皇帝的修建，城堡融合了印度、伊斯兰、波斯等多样的风格。

拉合尔堡壁画是当时世界上最大的壁画，运用波斯传入的一种马赛克技术绘成。

绘画题材丰富，包含欧洲的天使，中国的龙，本土的神话传说。

壁画像一本立体的书，是莫卧儿王朝向臣民们敞开的艺术博览会。

同一时期的欧洲画家已经开始在画作中大胆地表现自我了。

《宫娥》这幅画是受西班牙国王腓力四世及王后所托而作，然而画面中心站着国王的小女儿，周围拥簇着她的侍女和侏儒，画面左边巨大画布前的委拉斯开兹本人则若有所思地看向观众——国王夫妇被缩小在后面的小小镜子里。

镜子里的国王夫妇，究竟是前方画布的反射，还是突然造访的国王夫妇本人的倒映？

《夜巡》是伦勃朗为荷兰贵族所画的群像。

画面中的人物神色各异，形态生动，就好像是用相机定格了一个瞬间，人们在那瞬间的动作都被鲜活地记录下来。

他没有墨守成规，把贵族一字排开，而是将发号施令的贵族放在中心，其他人物在两边排开，用旗帜、枪管和长矛分隔出方向，使画面乱中有序。

伦勃朗本人很喜欢细密画，他自己也经常用细密画的手法和题材作画。

他将莫卧儿细密画中的阿克巴和贾汉吉尔画成一对其乐融融的父子，把帝王的威严转变为柔和的亲情。

文艺复兴时期的欧洲与莫卧儿王朝都不乏女性艺术家的作品。

莫卧儿王朝的第一座大理石陵墓位于阿格拉，是贾汉吉尔的皇后努尔·贾汗为她父亲、也是贾汉吉尔的重要谋士设计的陵墓。

她的父亲是一名波斯人，因此建筑的装饰风格有很强烈的波斯色彩。

陵墓的内外纹饰都精美绝伦，被称为“印度最完美的建筑”。

这是莫卧儿建筑从红色转向白色的重要转折点

穹顶内部的花纹，陵墓是为逝者修建的“天堂花园”由此发展出的大理石建筑技术也运用在十年后的泰姬陵上。

泰姬陵是沙·贾汗为皇后建造的大理石陵墓，耗时大约二十年，通体都是圣洁的白色，洋葱形状的穹顶美丽非凡。

意大利女画家真蒂莱斯基具有大胆的自我表达的勇气。

她的这幅自画像构图很具有突破性——女画家好像要冲出画布，转身打量自己。

自画像遵循了《图像学》中的画家形象。

画家的头发是黑色的，并由于艺术的激情而显得有些凌乱；脖子上戴着金链，下端是面具挂饰，象征着临摹或模仿；一手拿着画笔，一手拿着颜料盘。

但唯一不同的地方是，画家本应该蒙住自己的嘴巴，因为绘画是无声的。

但曾在十八岁被强奸的真蒂莱斯基没有照做，在男性主导的世界中，她坚持自己发声的权利。

最后，关于莫卧儿建筑：https://zhuanlan.zhihu.com/p/86676014https://zhuanlan.zhihu.com/p/9231714506 First Contact文明的冲撞欧洲殖民者可以算是全球化的第一代先驱了。

这个全球化过程有时伴随着文明的融合，更多时候却带来了文明的掠夺和毁灭。

西非的贝宁王国位于现在的尼日利亚境内。

贝宁青铜器的精美生动令人赞叹，其技艺一代一代传承至今，但是英国殖民者在19世纪掠夺走的那一批贝宁青铜如今陈列在大英博物馆中，没有再回到家乡。

贝宁青铜雕刻了贝宁的国王与历史

服装纹饰非常精细

伊费国王头像，贝宁的铸铜技术传承于伊费人在16世纪西班牙人到来之前，中美洲的居民是阿兹特克人。

阿兹特克文明属于印第安文明，是美洲古代三大文明之一。

他们有自己的文字、历法、信仰，还有活人献祭的仪式。

西班牙传教士编写的《佛罗伦萨法典》，详细记录了阿兹特克文明，包含阿兹特克人自己绘制的图画在遭到西班牙人攻击之前，阿兹特克统治者曾试图向这些强盗表现友好或者是安抚，赠送了大量礼物。

然而西班牙人对各种金器、雕像的艺术价值不感兴趣，许多金制品被融化为黄金。

镶满绿松石的木质两头蛇，可能是羽毛闪亮的蛇形神明羽蛇神西班牙人征服阿兹特克文明后，对其包含活人献祭的信仰进行彻底清洗，把基督教传入中美洲。

但是阿兹特克文明还是以另一种形式流传下来。

墨西哥人的亡灵节是天主教万圣节与阿兹特克献祭仪式的结合。

人们不认为死亡是件令人哀恸的事情，每到亡灵节，他们会在祭坛上摆上死去的亲人的照片，周围放满面包和水果，等待亡灵在午夜回家。

祭坛上会摆上许多象征死亡的骷髅头

这就是《Coco》里的场景啊这些文明如何看待外来的欧洲人，也是很有意思的地方。

对于16世纪的贝宁王国而言，他们看见的欧洲人，大多是高鼻深眼的水手。

贝宁青铜中的欧洲人

贝宁人制作的象牙雕像，底下是水手，中间是帆船，顶上还有一个探出头的水手在16世纪，全球化中心非葡萄牙的里斯本莫属。

里斯本街头上行走着形形色色的黑人白人。

但肤色并不是阶层划分的标志。

既有黑人奴隶，也有白人奴隶；甚至还有黑皮肤的上等人。

与非洲、美洲的经历不同，当葡萄牙人来到印度和中国后，发现当地的本土统治和文化十分强盛，没有被掠夺的可能，于是葡萄牙人转而与他们成为贸易伙伴。

16世纪，葡萄牙人意外地登上了日本岛，此后他们与日本开展了稳定的贸易关系。

日本人用一种新的艺术形式记录下这些欧洲人，那就是南蛮屏风。

他们把这些面貌奇异的外国人成为“南蛮”，因为他们总是从南部登岛，而且卫生习惯和举止行为不太招人喜欢。

画面里有日本人，也有欧洲人、黑人奴仆、穿长袍的阿拉伯人、戴头巾的印度人

欧洲人带着各种货物、珍禽异兽来日本贸易

欧洲人走到哪，就要把上帝带到哪。

欧洲来的传教士在日本发展出近二十五万信众。

但在17世纪以后，手段强硬的德川家族统治了日本，基督教被禁止，教徒被屠杀，推崇简朴、克制的禅宗佛教开始兴起。

大部分对外通商也被取消，荷兰人是唯一获得贸易许可的欧洲人。

凸透镜由荷兰人传入日本。

此后日本流行起一种荷兰镜风景画——用凸透镜观赏用透视法作出的画，画面会更加立体。

日本画家圆山应举擅长荷兰镜绘画。

他更善于把西洋画与日本的禅宗结合起来。

《冰图屏风》圆山应举，18世纪晚期破裂的冰面向远延伸，消失在浓雾中。

画面运用了西洋画的透视法，但又完美地表达了佛教思想中的缺憾和无常。

画面简洁至极，留白意韵深远17世纪的荷兰则依靠贸易和殖民进入了黄金时代。

荷兰画家维米尔一生都待在代尔夫特，画作大多在室内取景，但也丝毫不难窥见当时荷兰的全球化程度。

在荷兰人的室内陈设中，不乏高档的中东地毯，精美的中国瓷器，美洲的海狸皮帽子等等。

《地理学家》，主人公穿着日式长袍，背后放着地球仪这一集的镜头总是对准“水”。

水既是文明之源，也是文明交流的通道之一。

当然文明交流的渠道有很多，曾经有丝绸之路，现在有飞机和互联网。

16-17世纪的艺术碰撞达到了前所未有的地理跨度，尽管过程是缓慢、渐进的，且充斥着流血与抵抗。

一方面是用本土艺术来刻画外来的“他者”，另一方面是将外来的文化与本土的文化杂糅在一起，创造出新的艺术风格和形式。

正好看见一个讨论帖，楼主认为《文明》中介绍的内容几乎都不属于主流艺术史。

其实这正是它的价值所在。

文明与历史大浪淘沙，这个过程中有许多“他者”被主流忽视。

况且主流也分地域。

被某一个框架中的“主流”限制住目光，往往会走向偏见与狭隘。

去凝视“主流”以外的文明，试着从那些不同的角度回望“主流”，正是一个观察人类文明的宝贵角度。

07 Radiance色彩与光辉威尼斯画派：在商业繁华的威尼斯，人们喜爱色彩艳丽的装饰品与艺术品，并不以此为俗气。

紫色是非常名贵的颜料，却被用来画商人的袖子

提香《酒神巴克斯与阿里阿德涅》1520-1523这幅画充满动感与情欲，天空和阿里阿德涅的衣服呈现出透亮的宝石一般的蓝色，与之形成强烈对比的是巴克斯和阿里阿德涅身上的红色服装，还有右下角棕色人群的扭动狂欢。

巴洛克式宫殿往往追求肃穆的古典主义风格，但德国一位采邑主教的巴洛克宫殿内，威尼斯画派的流光溢彩造就了有史以来最大的天花板壁画。

维尔茨堡宫天花板壁画，巴伐利亚最先映入眼帘的是金光万丈的太阳神。

但壁画真正的主角是四周这些千姿百态的人。

而宫殿的主人——采邑大主教，被放在一个小小的画框里。

所以说，壁画不仅有鲜亮的色彩，还有鲜活的世俗气息。

全景印度侯丽节。

侯丽节时，人们互相泼洒颜料，嬉戏打闹，庆祝春天到来。

相传是毗湿奴的忠实信奉者钵罗诃罗陀在被女妖侯丽卡火烧时，受到毗湿奴庇护，劫后余生，人们向他泼洒五颜六色的颜料，以示庆祝。

布拉奇《绝对的三个方面》（1823），印度。

（Bulaki, Three Aspects of the Absolute）

虚无（金箔）→大成就者（Mahasiddha）的意识正在觉醒，手里拈着一朵花，寓意世界含苞待放→世界初步形成（金银相错）

大成就者是修行到至高境界、近乎完美的人西班牙画家戈雅的两幅有关圣伊西德罗节的油画。

前一幅色彩明快，人物欢欣自在。

后一幅作于拿破仑入侵西班牙之后，画面里充满绝望和死亡的气息。

画中的人们似乎都在无声地嚎叫，脸上是疯狂扭曲的神色。

（或许与戈雅变聋有关。

）戈雅在经历了战争的血腥和生灵涂炭的绝望之后，绘画风格转变为阴沉、恐怖。

画面的中心有一张拿破仑的阴冷的脸日本浮世绘。

最初是描绘市井生活和娱乐风月场所的木版画，主题多是歌舞伎或妓女，还有春宫图。

颜色鲜艳，线条很有表现力。

后来浮世绘逐渐发展成为风景画。

西蒙认为，这是西方现代绘画的灵感之源，浮世绘将自然风景转化为一种图案设计。

《甲州石班泽》葛饰北斋，约1831年西蒙给这幅画作的评价相当高：凡人绘画的巅峰。

画作是浮世绘的典型蓝白配色，蓝色的海水，白色的浪花。

一人站在岩石之巅，奋力拉着绳索，表现出一种勇士的孤独。

远处是日本的守护神：富士山。

富士山

《千绘之海：总州铫子》葛饰北斋

葛饰北斋最著名的《神奈川冲浪里》印象派与浮世绘。

葛饰北斋的《富岳三十六景》系列，就包括了不同季节、不同颜色的富士山。

显然这是莫奈绘制28幅鲁昂大教堂的灵感来源——莫奈很喜爱浮世绘，他收藏了231幅，挂满了家中的墙壁。

葛饰北斋的富士山

莫奈的鲁昂大教堂浮世绘给印象派画家的启示有：不再执着于阴影，而是专注于颜色、光线本身；构图不再拘泥于透视法，更大胆地重构前景与后景的关系；用拥挤的人潮来表现城市或市郊的繁华。

梵高《隆河上的星夜》。

梵高也深受日本版画的影响，他比莫奈等印象派画家更为奔放，把颜料直接挤在画布上，用画笔粗犷地把颜料摊开，表现出更浓重的色彩。

《隆河上的星夜》在深蓝的夜幕上铺开了三层金黄的光线——夜空中的星星、岸上的灯火、河中的倒影。

西蒙称之为“三位一体”，梵高笔下的光辉有神性。

有意思的是，西蒙在这一集的落脚点还是艺术与宗教。

艺术给人的愉悦代替宗教，带来宽慰与救赎。

色彩大概就像是教堂彩色玻璃中漏下来的五颜六色的光，将福泽洒入人间。

我觉得现代艺术发展的路程是“去神”的过程，是从神到人、到自然的过程，本集的作品也显然表现出了这一点。

印象派之所以效仿日本浮世绘，就是因为后者的世俗、烟火气，而印象派所处的时代，正是工业革命带来物质繁荣、科学技术带来日新月异的时代。

神性有光芒，但是光不是神独有。

现代艺术的光和色彩是人文主义的光芒。

玫瑰经礼拜堂，法国旺斯，亨利·马蒂斯设计08 The Cult of Progress原始与现代

新奇、冷漠、恐惧、忧虑、怀疑……工业时代来临，人们面对气泵里窒息的鸟，态度截然不同欧洲人向东扩张，考察了中东、非洲的文化遗迹（尤其是法国人来到埃及，他们认为这是文明的起源），运回了各种当地艺术品，也在本土掀起了东方热。

只不过，当时大多数描绘东方的画作都是在欧洲找模特完成的，只是画家的想象作品。

画面中应该是穿着异域服饰的巴黎犹太人模特，黑人奴仆纯属虚构当欧洲艺术家来到美洲片处女之地时，他们把美的渴望寄托在自然上。

画家们从未像在美洲大陆上这样热衷于自然风景画。

自然风景画先驱托马斯·科尔认为这是“神的纯粹之作”，并总是在山水之中点缀土著人的生活，就像描绘世外桃源一般。

土著人是理想化、未玷污的人，与自然融为一体英国画家特纳则描绘了工业化的英国本土，画面上总是烟雾蒙蒙，机器、工厂占据了原本属于田园生活的地方，人们原本的生活方式和宗教信仰被挤到了一边。

教堂的尖塔位于远方的背景中，已经被模糊、边缘化了美洲土著人的原始生活在欧洲侵略者的镇压之下渐渐消失。

当时的殖民者认为“天命昭昭”（Manifest Destiny），土著人是注定要灭亡的人。

画家乔治·卡特林穷尽一生，游览西部的土著人居住点，在他们灭亡之前，用人像的方式把他们记录下来。

他忠实地记录了这些土著人的部族、地位、佩戴的纹饰，把他们当做个体，而不是群体。

但是从土著人的角度来看，这是一种对将要灭亡的印第安人的浪漫化描绘，是向付钱看展的白人的猎奇展览。

印第安人在兽皮上记录了他们抵御外敌的战争，画面里是鲜血和死亡。

另一名画家戈特弗里德·林道尔也做了类似的工作——为殖民地的原住民画像。

他为欧洲客户绘制了许多新西兰毛利人的画像，画中的模特大多穿着民族服饰，脸上文着“塔莫克”，也就是他们的文身艺术。

（毛利人的塔莫克没有一个是重复的。

）

但是，毛利人没有灭亡。

一些经常与欧洲人接触和贸易的上层毛利人也花钱雇林道尔画像。

毛利人为自己画像的要求，往往不是展现民族特点，而是相反，他们希望展现自己游走在两种文明之间的成功。

画像中的毛利酋长是这个家族的祖先巴黎、奥斯曼的城市改造与印象派奥斯曼在1850年代对巴黎进行了现代化的改造，奠定了现代巴黎的基础。

杂乱、破旧的街区被整齐的联排公寓和宽敞的林荫大道所替代。

富庶的中产阶级在这个世界文化之都游玩、享乐、纸醉金迷。

蒸汽中隐约是巴黎的联排住宅楼

巴黎中产阶级的游乐场景，画面喧闹、色彩鲜艳

Male gaze——远处的男人在观察女主人公爱德华·马奈《女神游乐园的吧台》。

女招待身后的巨大的镜子，倒映出巴黎的光怪陆离，但她眼中毫无生气，只有冷漠

女招待的倒影被放在侧面（不同寻常的构图），她似乎在向男客人出售自己的身体这幅画表现出巴黎的繁华背后，还有阴暗、残酷、挣扎。

富人肆意享乐，穷人待价而沽。

巴黎的标志性建筑埃菲尔铁塔，是为1889年的世界博览会而建。

博览会上展出了欧洲的现代工业产品，也展出了亚非地区的原始艺术。

欧洲人似乎想表明，他们的文明是高级的，应该引领全球。

但破产股票交易员高更看倦了巴黎的世态炎凉，逃往塔希提岛，想在自然和原始生活总会探寻新的艺术和人生意义。

他觉得自己既有文明人的血统，也有野蛮人的基因。

他想在塔希提岛上找到完整的自己。

也许，最终他并没有找到答案。

描绘了一个女人从婴儿（右）到衰老（左）的全过程，背景中蓝色的神是高更创造的死神形象毕加索也痴迷于他从博览会上看到的非洲脸谱艺术，这为他后来的人像创作带来了不可磨灭的印记。

这个加蓬人面具或许是毕加索的灵感来源之一毕加索在原始艺术的激发下，开启了前所未有的艺术革新。

他借鉴异域的、甚至是野蛮的图像，颠覆了传统欧洲艺术。

毕加索把非洲面具画在妓女脸上，将色情、暴力、野蛮、恐惧等元素奇妙地连在一起。

在现代的欧洲，人们真的摆脱了野蛮吗？

这一集对文明和野蛮的讨论，让我想起中国文学里对乡土和城市的情结。

透纳的画就像是对田园牧歌的乡愁，高更的画就像是对野蛮又质朴的乡土的讴歌。

中学语文遇到的散文文本，常常是怀着这种乡愁的，因为作家们和当年的欧洲人一样，经历了翻天覆地的工业化时代。

但是，恐怕乡土终究是回不去了。

说起像高更一样逃到小岛上做隐士（还是一个把画拿到欧洲卖的隐士）的现代人，我想起的竟然是李子柒。

不过李子柒当然和艺术家差得很远，她所展现的也不是猎奇的他者文化，而是向城市中的焦虑症患者贩卖浪漫化的乡野生活。

人总是有惯性，忍不住要怀念以前的日子。

但历史的车轮总是无情地滚滚而来。

另一方面，历史又是螺旋上升的，到某一个时刻，你可能发现好像回到了一个似曾相识的时代，但事实上却并不相同。

我们都是历史的一瞬罢了。

艺术也是历史的一瞬，但是它能将一瞬定格下来，从而得以不朽。

原始自然-农耕渔猎-繁荣兴盛-战乱灾荒-衰败（重归自然）09 The Vital Spark现代艺术奥斯维辛集中营。

犹太艺术家弗利德·迪克-布朗德斯将一箱美术用具带进集中营，教这里的孩子们画画。

孩子们的作品被她保留并藏了起来。

战争结束后，这些画作被人发现，收藏在布拉格犹太博物馆。

Ella Steinová, Flying 《飞翔》

办公用纸制作的拼贴画

对窗外世界的幻想1987年，怀着对拜金主义、消费主义的厌倦，日本企业家福武总一郎买下一座小岛，请建筑师安藤忠雄设计了地面下的地中美术馆。

这是一座现代艺术的殿堂，寂静，极简，充满禅意。

莫奈《睡莲池》

几何图形组成的空间，象征着宇宙的基本组成部分抽象主义

蒙德里安试图用绘画艺术的基础形式——点、线、面，来革新现代绘画。

1914年，他独自一人在海边得到了灵感，将海面上的波光与海岸上的墩柱简化为极富韵律的短线条，完成了抽象主义的革命之作。

在巴黎，蒙德里安用几何图形、完美的比例和颜色搭配，画出了许多先锋作品。

在繁华、活力四射的纽约，蒙德里安将色彩打散成一个个小方格，就像纽约闪烁的霓虹灯。

表现主义画家用直觉作画，但整体却又是和谐、充满韵律的。

-波普艺术一切都可以是艺术。

现实题材的艺术作品瓦尔哈拉是德国路德维希一世建立的名人殿堂，在纳粹时期被赋予重要象征意义。

基弗创作了许多反思纳粹的艺术作品，其中一个名为《瓦尔哈拉》的展览，陈列的不是荣耀的日耳曼名人，而是战地医院中的残破的病床。

卡拉·沃克是一名非裔美国人艺术家。

她有很多作品揭露了（或者说是回顾了）白人殖民者对黑人的奴役和犯罪。

艾尔·安纳祖的父亲是加纳的节庆布料制造商。

他继承了编织的工艺形式，把啤酒瓶盖压平，编织成巨型的毯子。

把废物化为美，化为传统。

蔡国强的烟花艺术。

瞬间也能定格永恒。

爆炸之前，没有人知道成品是怎样。

“冥冥之中自有天意”。

This is beauty, but of the terrible kind. 像是某种鬼魂艾未未《法道》The Law of the Journey黑色充气人纪念了各个时代、各个地区的难民。

人们看不清他们的面貌，他们是文明的牺牲品。

以色列艺术家米哈尔·罗夫纳。

也许是因为犹太人饱受战乱和分离的历史，她的投影艺术作品中的人要么在不停地迁徙，要么缄默如蝼蚁。

Tkufot可能是希伯来语“时代、时间”的意思，投影在石头上的鞠躬祷告的小人如同希伯来字母她的实景作品《Makom》，在希伯来文和阿拉伯文中的意思是“place”。

她在以色列、巴勒斯坦收集被炮火毁坏的房屋石头，雇用以色列人、阿拉伯人、巴勒斯坦人，将石头堆成各式各样的房子。

一个永远进不去的屋子这些房子在卢浮宫的广场上展出。

左边的房子有一道越来越宽的裂缝前几集的艺术作品更多是在展现美、记录文明。

这一节选取的艺术作品似乎更多是在变革、批判和反思。

因为有了大胆的革新，所以艺术才会越来越多样化；因为有了多样化，所以艺术与现实、大众议题越来越紧密。

在第一集的开头，西蒙曾说，当我们看到文明的对立面——暴力、残忍——的时候，我们就会明白文明意味着什么。

其实，文明包括了所有这一切。

美是文明，批判也是文明；精湛的技艺是文明，残忍的破坏也是文明；自由精神是文明，集体主义也是文明；歌舞升平是文明，战火纷飞也是文明。

正如有上帝就有撒旦、有天堂就有地狱，有残垣断壁才更能突出真善美。

哈立德·萨德从叙利亚巴尔米拉抢救出来的牧师雕像，他本人因拒绝说出藏匿地点而被ISIS斩首最后一幕，西蒙在朝阳中走过千禧桥，走向泰特现代美术馆。

文明是历史的沉淀，艺术是文明的精华。

=The End =

第一集，我第一次听到纪录片大量的提及三星堆文化，讲到了玛雅文明，这是我常听到的，还有几个文明真的是不太了解。

看到很多文明遗址的震撼，因为是国外的感触真的比较少。

先这样吧👏👏。

第二集是女性科学家讲的，可能还是由于我外国文明了解太少，观看起来理解困难，也记不太住，总觉得可以和河森堡最新一期的了不起的博物馆的雅典博物馆配合食用比较好，大致还是介绍了墨西哥也就是中美洲的文明以及雅典雕塑作品。

真的太美了太厉害了。

就公元前三世纪四世纪都能制作出这么精美的雕塑。

唯一有印象的还是秦始皇兵马俑，但由于是bbc制作的所以很难在情感上产生共鸣。

这个图是别人制作的，相当于第一集的总结。

我再接下去看，希望今晚之前能刷完剩下的7集

All the civilisations want what they can't have the conquest of time.They build higher and grander to escape mortality.It never works.There's always an ending.Cities with their markets, temples,palaces and tombs are simply abandoned and that great leveller,Mother Nature,close in,strangling the place with vegetation,covering it with desert sand.It might seem,then,that's all for nothing but that's entirely wrong.All these ruins,all these remains are monuments to human creativity,to human ambitions,human hopes.Monuments to shaping hands and shaping minds.Monuments to humanity itself.

① 创世的第二个瞬间（Second Moment Creation）非洲的创造力、旧石器时代、西班牙洞穴艺术/毕加索公牛、克里特岛： 米诺斯文明（城市规划）克里特文明、佩特拉古城（约旦国际大都会）并入罗马、四川三星堆（青铜器巨目大耳）：与黄河平行发展文明、中美洲玛雅（ 剧场、文字）

毕加索/公牛②自视如何（How do we look?）中美洲墨西哥奥尔梅克制作人偶（摔跤手）、埃及门农巨像、埃及古罗马统治时期棺画、兵马俑1.8米不同性格代替活人陪葬、古希腊完美人体之美（雕像、绘画）民主社会、男同性行为、古罗马（复制/政治宣传）影响欧洲文艺复兴、丝绸之路影响佛陀、西方审美影响全球③画卷天堂（Picturing Paradise）木心、宋李成—水墨山水画，手卷电影式体验（时间空间）、元王蒙《青卞隐居图》—作品动荡焦虑感、伊斯兰地毯（花卉、植物、天空）图案、自我表达方式、巴尔巴罗别墅（人与神，现实与梦幻）柏林墙（公共空间活画布）④信仰之眼（The eye of faith）柬埔寨吴哥窟、印度宗教画、圣母雕像、伊斯兰教清真寺用文字书法替代活物图、雅典铂特农神庙（ 供奉过典娜，改为基督教堂，在奥斯曼帝国时期又变为清真寺 ）⑤ 艺术的胜利（The Triumph if art）穹顶（基督教与伊斯兰教“竞赛” )、米开朗基罗大卫、切利尼青铜美杜莎、印度莫卧儿帝国莫卧儿艺术、十七世纪卡拉瓦乔、错觉主义绘画，君主失去画面主导、伦勃朗《出巡》活力与秩序、

拉合尔堡壁画

宫娥⑥初次邂逅（First contact）全球化交流、非洲贝宁艺术、十六世纪葡萄牙里斯本（世界中心）、传教士、墨西哥阿兹特克文化节日（万灵节）形式保留、活人血祭、不敢征服日本，南蛮屏风、闭关锁国期间佛教禅宗、圆山应举《冰图屏风》缺憾与无常、荷兰艺术市场、玛利亚昆虫图、欧洲主导的全球化时代

阿兹特克

《冰图屏风》圆山应举

《冰图屏风》圆山应举⑦光辉（Radiance）中世纪天主教教堂、哥特风、提香、提埃波罗——天顶画《行星和大陆的预言》专注自己的事情、古印度侯丽节（春天色彩颜料云雾）、《绝对的三种形式》拿破仑入侵西班牙、日本浮世绘影响莫奈、梵高

提埃波罗/行星和大陆的预言

印度侯丽节

布拉奇/绝对的三个方面⑧多样的文明 进步的执念（The cult of progress）19世纪、科学成了新宗教、美国驱逐印第安、毛利艺术——文身、摄像、印象派、画作对异化的反映、高更逃离现代、毕加索《亚维农的少女》、维拉斯奎兹《宫女》

印第安人像

毛利人像

爱德华·马奈/女神游乐园的吧台⑨文明之火 生生不息（The Vital Spark）纳粹集中营儿童绘画、 抽象主义 （ 点、线、面 ）表现主义。

蔡国强爆炸艺术《天堂组合》

纳粹集中营儿童绘画

抽象主义

表现主义

艾未未/法道

如文字样的小人投影

第一集题为“the second moment of creation”，不禁让我思考这到底指的是什么，为什么这么说。

E01. THE SECOND MOMENT OF CREATION我想，创造力最开始来自宇宙的诞生，是big bang或是cosmic dawn。

随之而来的是人类的诞生。

THE FIRST MOMENT OF CREATION从石器时代开始，人类就在不断的迸发出创作的灵感，也许起初是源于某些仪式，又或是功能性的记录。

但它们渐渐成为艺术与文化的表达，为世人留下文明的丰碑。

人类不断创作出意义和秩序，而工具也不再单纯有使用价值，它们还需要兼具精神层面的交流，并符合时代的审美标准。

跨越时空的相似性每一个失落或繁荣的文明，都是文化的里程碑，它们时而颠覆着现代人的认知，又不时吸引我们向前看。

文化所传达出的跨越时空的相似性，让我们理解过去，也指引未来。

个人觉得，如果把这一部的名字由CIVILISATIONS（文明）改成CULTURE（文化）会更切题一些，这是一部以Art-making为主题的优秀作品！！

膜拜！！

8.5/10。

2018/4/4

文物述说着历史，文化歌颂着文明。

人类的欲望可以简单分成存续和发展两大类，这两大类之间还有社会性的欲望，性欲和食欲这两个基本的欲望关乎人的存续，而关乎发展的是求知欲和创造欲。

其中创造欲便是人在基本生命（物质）需求满足后的创造新奇事物或欣赏美好事物的欲望，任何形式的艺术（包括科技产品）都是在闲暇中通过符号消费而满足创造欲这种精神的需求。

艺术是记录历史的瞬间，当艺术品转变为文物时，瞬间便成为了永恒，文物使历史成为了可能，或者说证实了历史诉说的真实。

娱乐品或是艺术品的泛滥，使人们更多采取欣赏而非创造来满足自我的创造欲，从而减少了创造的实践。

伟大的创造者能从纷繁复杂的造物中汲取创新的灵感，所有伟人都是“站在巨人的肩膀上”，他们的伟大创新离不开无数人的伟大实践，他们的成就凝聚着人类的文化，无数璀璨文化共同形成人类光辉闪耀的文明。

艺术对早期文明是什么？

CONCLUSION/总结：在考古研究与古代艺术的呈现中，我们得以理解在逐渐生成的文明中，艺术扮演着何种地位。

“纵然人生苦短，但艺术能让我们见证相对不朽的事物。

”——《文明》第一集*本文会使用《文明》第一集的观点和内容，也会部分参考《艺术的故事》。

*籍本文，你能够大概了解艺术的意义，以及早期文明进行创作的许多目的，从而理解为何早期艺术作品在我们看来十分简陋。

一，最初的艺术作品说到艺术的起源，考古发现往往溯源到非洲。

那里的某个洞穴墙壁上，有一组简笔线条画作的，充满生机与活力的公牛，是断代最早的艺术作品。

毕加索曾经画过一组牛来致敬这一作品——从素描的写实牛，到几何图形构成的牛，毕加索探索绘画之所以为画的本质在何处。

不过，在早期的艺术作品中，人像和人形（human figure）都是缺席的，人们相信绘画有某种神力。

因此，艺术创作并非出于享受，而是为了满足需要，或者作为仪式，甚至是原始宗教的一部分。

“在原始人中，就实用而言，建筑和制像（image-making）没有区别。

他们建造茅屋是为了遮身避雨，挡风防晒，为了躲避操纵自然现象的神灵；制像则是为了保护他们免遭其他超自然力量的危害。

他们把超自然的力量和大自然的力量一样实有其物。

换句话说，他们制作绘画和雕像为了行施法术。

”（《艺术的故事》，贡布里希）贡布里希同样提到了非洲另一处的公牛画像，他描述说那个洞穴狭窄，不便进入，在那里突然邂逅洞壁上的一头公牛是令人惊愕的。

显然，原始人在那里画画并非出于娱乐、喜爱或装饰——他是希望，借画公牛这个行为，真正的猎物在现实中也能被他捕到手。

这样，我们也能够理解为何早期的艺术作品看起来多少有些粗陋，这一方面需要考虑到那些简单的工具；另一方面，原始人在意的是程式，而非是否符合现实或精确——他要求的是让这些像（image）发挥神力。

[图一： 山鬼的木刻面具]

[图二：阿兹特克的雨神石雕]这样的例子在早期文明中屡见不鲜，看看埃及的那些壁画，你是否会惊讶画中的手臂毫不顾虑透视地放得一样长？

两只眼睛都画作一样？

两脚看起来都是右脚？

那是埃及人害怕画中画得不正的人形会损害现实中的人，才那么画的。

二，对后世而言显然，当我们用后世的眼光观照历史中的艺术作品时，它们便被赋予了另外的意义。

——譬如，存在的证明。

考古学家在上个世纪，一度以为中华文明的发源就是在黄河流域。

然而考古发现告诉我们，早期的中华文明是多元的。

在离黄河流域800公里外的四川，还有另外一种失落的文明。

考古学家凭借独特而美丽的青铜面具辨识出它的存在。

那些面具有菱形的（在我看来有如奥特曼的）大眼睛，巨大的耳朵。

那是神的塑像，听到一切事物、看见所有东西。

现在，那个文明被断代在公元前三千年左右，通称“三星堆文明”。

同样地，玛雅文明，那个因对世界末日的预言而闻名的文明，其存在证明便是那些高大的，矗立在今墨西哥的平顶金字塔（platform pyramid）以及一座古城——科潘古城。

经考古学家调查，玛雅文明并不像通常流传的那个说法一样，是突然消失的，而是人民无法忍受君主的横征暴敛，渐渐放弃他们美丽的石质城市，散落进森林中，在静谧的绿色穹顶下生活。

[图三：美丽的墨西哥天空和花花绿绿的鹦鹉]——还有，文明的流变在艺术风格中也可见一斑。

克里特岛上的米诺斯文明（不错，克里特岛正是古希腊神话传说中住着牛头怪的那个岛）崇拜公牛，公牛代表着统治者。

而米诺斯文明覆灭后，后世的迈锡尼文明显然也受到了这一文明的影响。

在一些迈锡尼文明的武士随葬品中发现了不少雕刻着公牛的戒指。

公牛代表统治者，而戒指代表权力。

图四：迈锡尼武士的随葬品戒指——精雕细刻的艺术能够成为一种象征。

而后来，迈锡尼文明还影响了荷马，给予了他创作《伊利亚特》（Iliad）的灵感。

总地来说，艺术的意义在文明的进程中发生过许多变化，而“美”，“相似”，“真”，在很长一段时间内都不是要追求的目标，正有如基督教艺术家们忽略人体比例而重视元素对称，也正如本文中提到的原始人们要形象发挥超自然之力。

因此，当我们评价艺术、品味艺术时，若能潜入当时的时代背景，细细探究文明的潜流——想必，艺术也能够更加到达我们的心灵，真正让我们见证不朽之物吧。

REFERENCE:《文明》第一集；《艺术的故事》

解说写的实在太漂亮，决定挑一些喜欢的誊下来。

时隔一年半，我终于把剩下的三集看完了。

一集一集写。

E06 Radiance26’20’’ GoyaThe Black Paintings seem to me to be an endgame for Goya, not just in his own life and career in his 70s, but also his feeling about an endgame for art, the art that aspired through beauty to ennoble the spirit of civilization.

Shock at his own monstrousness, Francisco de Goya,1820-1823 https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-work/saturn/18110a75-b0e7-430c-bc73-2a4d55893bd6One of the most terrifying of all these paintings, perhaps the most famous one, shows Saturn devouring one of his children. That’s what it’s come to. The huge tradition of classical mythology reduced to a mad, antic, capering monster, chewing on the stump of a small body, but look at that body. Not a child at all. It’s the body miniaturized of a female nude. Two millennia of looking at the nude, of seeing it as a symbol of art’s perfection is reduced to this horrifying image of sadistic cruelty.

Fight with Cudgels, or Fight to Death with Clubs, Francisco de Goya, 1820-1823https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-work/duel-with-cudgels-or-fight-to-the-death-with-clubs/2f2f2e12-ed09-45dd-805d-f38162c5beafIn one of the paintings, he puts the lights back on. We’re able to see something, but what is it we’re seeing? The light is given to us to reveal another kind of horror. These two huge peasant-like figures beating the living daylights out of each other. Blood is streaming down the head of one of them, even as they sink deeper and deeper into a kind of sandy quagmire. This is what Spain has become. Endless, relentless, mutual slaughter. Now, all these monsters and horrors and demons and dragons of course had appeared all over European art before, but where had they appeared? They’d appeared in images of the Last Judgment and the Apocalypse, and they were always balanced by a sense of the optimism of salvation. But Goya has come to the conclusion that God is absent without leave and there is one painting, which in a sense is least likely to have the horrifying pessimistic eloquence, but it does.

The Drowning Dog, Francisco de Goya, 1820-1823https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-work/the-drowning-dog/4ea6a3d1-00ee-49ee-b423-ab1c6969bca6There are no figures, there’s just a dog, a mutt. But for this dog, the master is gone, dead, slaughtered, missing. He’s no longer going to be fed. He’s simply faced with drowning inside this formless brown vacuum. It’s all come down to this, then. A dog without a master. Spain without its god. Humanity absolutely without civilization.E01 Second Moment of Creation4’53’’We can spend a lot of time debating what civilization is or isn’t, but when it’s opposite shows up, in all its brutality and cruelty and intolerance and lust for destruction, we know what civilization is; we know it from the shock of its imminent loss as a mutilation on the body of our humanity.16’58’’With this exquisite, intensively carved female head, we have for the first time, something immensely and movingly momentous. We have the revelation of the human face. It’s a tiny thing, it can just go in the palm of your hand and it could have only been made by an extraordinary array of dexterous skills. 39’36’’Ultimately, all civilizations want exactly what they can’t have: the conquest of time. So they build bigger, higher and grander as if they could build their way out of mortality, and it never works. There always comes a moment where the most populous of cities with their markets and temples and palaces and funeral tombs are simply abandoned. And that most indefatigable leveller of all, mother nature, closes in, covering the place with desert sand, or strangling it with vegetation. And then, civilization dies the death of deaths, invisibility. E02 How do we look?25'41"The one thing you really get here is that size matters. These vast monumental figures, perhaps four or five times life size and with that nice hint that they’d been even bigger if they bothered to stand up for you, simply dominate. They take over your field of vision. It’s an assertion of the power of the pharaoh through his huge, superhuman, enthroned body.33’31”If early Athenian pottery reflects how man and women were expected to live within the social context of the city, its statues attempt to embody the interior life within. The beginning of the fifth century BCE saw an amazing transformation in Greek sculpture. Rigid figures with the fixed gaze of phrasikleia give way to daring new experiments in the human form. One of the first of these is known as the Kritios boy, and he would transform how we see the sculpted human body.The Kritios boy show us that you can signal anteriority through the person’s movement, through their stance. But particularly, if you lose the archaic smile, and you have an expression which isn’t necessarily blank, that immediately invites you, the spectator, to psychologise it. So with that one step, the statue acquires not just a body that is an organism rather than a mechanism, but also what we would probably call, a soul.41’57’’“This was quite simply the most sublime statue of antiquity to have escaped destruction. An eternal springtide, clothes the alluring virility of his mature years with a pleasing youth and plays with soft tenderness upon the lofty structure of his limbs."49’46’’We still have a lot of really unexamined assumptions about what constitutes a beautiful or desirable body. We have a lot of unexamined assumptions about what constitutes an attractive, or aesthetically appealing way to look. And you have only to open up the pages of a women’s magazine, as people are commonly pointing out, to see how incredibly narrow the space is in a certain kind of western aesthetic consciousness, for what a woman can look like. Similar kinds of things can be applied to men as well.Reinforced by commercial interests, the cult of youth and beauty begun by the ancient Greeks, is perhaps more powerful than ever today. E03 Picturing Paradise6’34’’

李成《晴峦萧寺图》http://collection.sina.com.cn/zgsh/20121116/152092655.shtmlWhat makes Li Cheng’s painting a masterpiece, is that it literally rises above royal propaganda. As our eye ascends through the painting, so our whole approach to it also ascends to a higher order of question. And Li Cheng has changed the wash of the ink. It’s lighter, finer, more ethereal. It suggests deep distance. But depths of our own response as well as physical depths. What is nature? What lies beyond surface appearance? What truly moves the universe? And how above all, does the dialogue between flowing water and the adamant face of that eroded rock, bring us harmony?18’56’’But renaissance humanism took a different attitude to the serpent of temptation. This is Villa Barbaro. … A place where renaissance ideals of culture and sophistication could meet the earthy pleasures of the country. A building of harmony, grace and pleasure, where it would be forever summer. Leonardo Da Vinci wrote something fascinating. He says, “one of the values of painting is it can show you the beauty of nature and perhaps your lover in nature, in the middle of winter.” When you’re stuck inside, you’re stuck indoors, but you can remember what the meadows and what lovely picnics were like last summer by looking at a painting of it.If you extend that into a kind of a theory of landscape art, you might say that the first way that people express the desire to escape into landscape is by actually creating escapist worlds.30’41”

Hunters in the Snow, Pieter Bruegel 1565https://www.wikiart.org/en/pieter-bruegel-the-elder/hunters-in-the-snow-1565Bruegel painted these compendious, visually inexhaustible masterpieces after the longest, bleakest, coldest Flemish winter anyone could remember. Let’s just think for a minute the way in which Bruegel makes us look at these pictures. On the one hand, they are an invitation into a wealth of detail, wherever our eye travels, it picks out these lovely minutiae of work and play. The skaters gliding across the ice. Our eye travels from one kind of landscape, a village huddled on the hill, to a completely different one. A frozen mountain or a storm tossed estuary out to the broad open sea. But there are moments as well when the pure compositional muscle that Bruegel can command makes everything come together in one great universal vision. It makes us stop. It makes us have a moment of contemplation. And then If we’re very, very lucky, like these wonderful paintings, it all seems to add up. A whole of the human condition and our special little place within it. 40’30”There were a few kind of particular characteristics that marked out the American approach to the landscape. One of those was a sense of inferiority and competition with Europe that Americans in the 18thcentury and the early 19thcentury, were the poor country cousins. And they were on the outermost fringe of an European world in which they had been taught that Rome is the centre of all art, that the best landscapes, the tallest mountains are to be found in Switzerland. And here are Americans, on the threshold really of their own great continent, which they are beginning increasingly to move west across, trying to say, “wait, you know what, we have really high mountains also. And we have really big animals that we can celebrate in the same terms you guys are using but with our characters instead.” And I think that was out of inferiority in a funny sense, that a kind of American pride in the American landscape was born. 43’21”More and more (Ansel) Adam’s photographs became preachy. But those vision sermons were radiant, mystical, ecstatic. They were passionate statements about how humanity could be redeemed through the encounter with nature. But throughout, he remains steadfast that his job in life is to give visual form to that silken cord, tying together the fate of man with the fate of the earth.E04 The Eye of Faith43’49’’What all of these movements within religions have in common is that they come along saying we have a purer form of faith than the one that is currently being practiced, and if your fundamental goal is purity, then one of the central things you might try to do would be to eliminate opulent aesthetic or potentially sinful representations of things to act as intermediaries, because then maybe you’re just worshipping the object, you’re not actually worshipping the divine. So it makes sense that protestants in the Reformation went into the monasteries and stripped everything out saying “it’s time to get rid of these images.” 51’35’’We passionately want to rediscover the spiritual in art, we passionately want to discover that kind of power and purpose that religious art has. Whether it’s reinventing Christian art in cathedrals or whether it’s reinventing Islamic art, it’s about wanting to resacralise art, wanting to rediscover that wonderful, almost magical, charismatic purpose that religious art has. For much of history, art has been religious art. For some, the creative impulse has been the very expression of divinity. For others, a challenge to God’s authority. For those that believe, religious art has always been transformative; yet for everyone, art retains a primal, spiritual feeling, a way to express the mysterious and it speaks to our earliest human drive to touch and define a world beyond our own. E05 The Triumph of Art50’49’’Out there the western hurly burly is getting ready to make terrible mischief to smash its way into the domed heavenly vault, to stick its bloody great brutal boots right into the paradise garden. It’ll make an empire based on machines, money and muskets. Then slowly but surely, the Moghul Empire will disappear entirely inside its courtly refinement, becoming inextricably just a cultural ornament. After centuries of extraordinary flowering, the eastern Renaissance was transformed by the twin forces of empire and colonialism. The delicate blooms and glowing jewels survived in what Europeans wore on their bodies and how they decorate their homes. While painters were mislabeled as miniaturists, as they were forced at least for a time, to rely on the patronage of their new British rulers. Western art critics increasingly called the artistic beauty of the east decorative, to distinguish it from pictures they put in frames where Europeans consider real art. But it was in the east, that the ancient meaning of ars, craft was preserved in all its splendor and still is. Because here, unlike in the west, the Renaissance wasn’t about the rebirth of classical knowledge. Unlike Europe, the east had never lost touch with its ancient heritage. A rich heritage which it continues to celebrate and share with the world to this day. E06 First Contact 28’07’’

《冰山屏风》圆山应举Cracked Ice, Maruyama Okyohttps://theartsdesk.com/tv/civilisations-first-contact-bbc-two-review-david-olusoga-goes-goldWhat’s regarded as his greatest work, cracked ice, combined everything Okyo knew from both eastern and western traditions. It’s so subtle, so minimal, a work of art that almost feels like it isn’t there. And everything about it feels ephemeral and frail. It’s painted on paper not canvas as in the west, and great expanses of it are just white blank areas that seem almost untouched by the artist. And yet all of that belies the fact that this is one of the most sophisticated works of cultural synthesis that I know. It shows a sheet of ice, presumably on a lake, and these broken jagged cracks in the ice disappeared into the mist. The effect is three-dimensional space. Now, that is European vanishing point perspective. And yet, this is one of Okyo’s masterworks, just could not be more Japanese, because it’s a philosophical contemplation of two concepts, fundamental to Buddism, imperfection and impermanence. Imperfection because these lines are uncontrolled and irregular; Impermanence because of course the ice will melt. And those two are just as fundamental to Japanese art, as the classical Greek roman ideas of beauty and perfection are to European art. So this is Okyo incorporating European ideas into his art, but in ways that are in keeping with Japanese philosophy and Japanese tastes. 32’11’’In this frenzy of trade and wealth, Dutch art also became the object of conspicuous consumption. A modern commercial art market was born, supplying landscapes, still lifes, portraits and scenes from Dutch life to the aspirational new merchant class. What they wanted in their art was not the pomp of monarchy, or the flamboyance of the catholic church, but a new type of realism, one that reflect their protestant desire to portray the world as it truly was, often with warts and all moral lessons. With art from renaissance, it’s about beauty. Dutch art, it’s not about that, it’s about reality. So you do paint rotten fruits, and you do paint fat ladies that just woke up in their bed. And you do look at dirty dogs in the street. Because it’s about nature in every sense, and not just in the sense that you want it to be, but in the sense it is. 33’22’’One of the star artists of this golden age of Dutch painting was Vermeer. Jan Vermeer is not an artist known for his epic landscapes. Most of his paintings are famously intimate, set within a neat, ordered, almost claustrophobic world of the Dutch home.What Jan Vermeer specialized in was the art of everyday life and his world was an interior world. What he captured on canvas were simple fleeting moments. A woman reading a letter is bathed in a delicate light that pours from a side window. But that only serves to emphasize the fact that we are in an enclosed room and the rest of the world is hidden from sight, that it’s somewhere out there. But if you look a little more closely at the details, what you realise is that Vermeer’s seemingly interior domestic space is infused with the globalism of the Dutch golden age. From the innovative pottery of his hometown of Delft, which mimicked Chinese porcelain, to prized rugs from the orient, and a geographer wearing a fashionable Japanese robe, Vermeer captures a world built on encounters with distant civilizations and peoples.50’05’’Hundreds of public buildings built in the British neoclassical tradition would follow. They represented not only a separation of cultures that had before freely intermingled, they also marked the passing of the age of discovery. The world had entered an age of high empire, in which to justify their exploitations and conquests, European powers would willfully overlook the achievements of other civilisations. It was a story that would be repeated around the globe and we are only just emerging from its cultural legacy today. In a wonderful twist, Richard Wellesley’s government house is used by the government of Bengal. It has been taken back by Indians for their own government. And so we have to unthink some of the inevitability that we tend to ascribe to encounters that ultimately led to European dominance. If you look at the history of European encounters with the non-European world, you find a huge range of ways that they took shape.And although there is a history that has to be told, a story that is one of imperialism, but a story that is also one of globalization, one of increasing interconnection across different parts of the world that has yielded the world in which we live today. Our modern world of digital communication has massively broaden the scope of our encounters, both with foreign cultures and civilisations and within the different cultural groupings of our own. And by connecting new audience with traditional artistic practices, the global art market continues to transform new encounters into new kinds of art. From the reemergence of the long overlooked sacred art, like that of North American first nations, the indigenous people of Australia and the carvings of the African Makonde people, to new artists such as Ghanaian born sculptor El Anatsui, who sews together bottle tops into large scale assemblages that comment on consumption, waste and the environment. Today, in our increasingly globalized civilization, the sheer variety of our encounters both foreign and at home continues to be a major source of inspiration, shaping both our art and our world.

让我透彻的了解到中国文化与历史，也知道了许多著名的艺术家与他的作品。

从各个方面体现出了“文明精神”，给海内外的人们留下了深刻的印象。

文明是我们中华儿女的传统精神，我们应该将这只能给精神永远传承下去！

文明可以拉近我们人与人之间的距离，成为朋友。

有许多奇形各异的雕像引入我的眼帘，让我印象深刻，每个雕像都有它自己的历史与故事背景。

这部纪录片的内容很丰富，还是需要及时记录一下，但我记不住陌生的遗迹和艺术品的名称，所以只记录有印象有感触的那些部分。

第一集：改变世界的第二个瞬间，原来毕加索的公牛画作真的和洞穴里的公牛遗作有关，第一次了解到我国四川地区有三星堆文明，这雕塑的大眼睛大耳朵真的很威严，看到玛雅文明的后人宣称要重建自己的文明还是挺震撼的。

第二集：如何自视？

这一集的重点在于挖掘人类如此热衷于刻画人类塑像的心理机制。

不得不说，看到秦始皇兵马俑真的很感动，那种肃穆庄严的感觉真的一下子就抓住了我，毕竟对于自己国家的历史比较了解，也对秦始皇统一六国的历史意义有一定知识背景。

可以预见，以后去参观兵马俑的时候，与历史遗址只有几步之遥，我一定会流泪的。

但讲真，由于我对西方艺术和历史了解不太多，看外国的艺术品就不太有感觉，前两集讲到有关中国的部分都是让我很震撼的。

古罗马时期跟随皇帝参观门农像的的侍女好有意思，竟然激动地在雕塑上写下诗篇。