每集45分钟左右的四集纪录片,噱头是NHK跟拍了宫崎骏十年,其实时间段主要集中在波妞,虞美人,起风了三部电影创作期间,且大部分片段都在之前NHK的三部独立纪录片《聚焦宫崎骏与“波妞”300天亲密接触》《虞美人盛开的山坡·父与子300天的战争》《起风了:1000日的工作记录》中放出来了,基本没有什么新的内容,不过这么放在一起看确实真切地感受到宫崎骏这些年的坚持。
宫崎骏的创作过程是充满反复的自我怀疑,否定和焦虑的,时常挂在嘴边的是做导演要有把自己逼到死路,然后看看能得到些什么的觉悟。
虽然大多数时候是以慈祥的笑容形象面对大众的,但也会在创作时吐露心声 “搞创作的时候为什么还要挂着笑脸,电影就是在这样严肃的时候创作出来的,越是投入创作我就越是暴躁。
” 悬案上的金鱼姬原稿创作阶段,听着瓦格纳《女武神的骑行》他找到了波妞乘着大鱼冲向宗介那幕的灵感,为了达到心目中理想的视觉效果,这关键的一幕,耗时将近一个月。
当晚宫崎骏给团队写下了一些话:没有理想的现实主义者多如牛毛,这种人最糟糕了,我不希望我们的团队变成那样。
创作起风了的时候,宫崎骏对着大量复杂枯燥的作业也会烦躁的抱怨 “麻烦死了,麻烦死了”。
一边念叨一边仔仔细细的打磨分镜里每一个路人的细节,这个人物攥行李包的手势不够到位,那个人物跌倒的姿势不够真实,又一遍遍和自己和解,人生中重要的事情都是麻烦的。
看完宫崎吾朗的地海战记首映后,跟拍的荒川问他有什么感想,他说我是来看我的孩子的,他还不够成熟。
都说宫崎骏对自己的儿子太过苛刻,其实从他对自己的要求就该知道优秀的导演知道一个优秀的创作者该是什么样子,“要有去影响世界的决心,即使什么影响都产生不了也该如此。
” 而显然不管是从细节打磨还是整体格局上,吾郎的电影都远达不到这个标准。
后来虞美人制作阶段,铃木敏夫来找他讲吾郎的困境时,宫崎骏说了句 “我认为他应该放弃,他不是那块料”,我想作为一个导演,宫崎骏给出的评价是相当客观的。
大众普遍认为宫崎骏成功的关键在于画工和创作可爱动画形象的想象力,其实他电影里每一个角色的性格言行,都是经过反复思考打磨后的成果。
波妞制作后期,宫崎骏曾看着自己的笔记感叹 “都是些无聊的台词,我其实可以写大量的台词,但还是算了,小孩子看不懂,没必要为了无趣的老头子写这些。
” 这是最难的,他追求的是用精简的台词,充满细节的画面,实现精彩有趣的故事和饱满纯粹的情感。
纪录片里有个细节让人很有感触,宫崎骏第一次听久石让给波妞配的那首向日葵之家圆舞曲时,坐在工作台前握着笔一下就红了眼眶,这是一首旋律舒缓悠扬的歌,副歌的歌词是这样的:お迎えはまだ来ないから 人生的大限还未至その间にちょっとだけ歩かせて 在那之前就让我再走一小会儿吧もう一度だけ踊りたい 还想试着再一次起舞そよ风になって 就这样化作一阵微风这是从动画里辰婆婆(以宫崎骏母亲为原型的角色)视角出发的歌词,相信也是日渐老矣的宫崎骏的一些感慨,我想那一瞬间,亲自写了歌词的宫崎骏一定感受到了老搭档久石让曲子里的那份惺惺相惜。
宫崎吾朗说,只有在宫崎骏制作电影的时候才能感觉到他活力焕发,他通过不停的创作来感受自己的生命,这个人一直就是这么活着,对他来讲没有其他的方式。
所以就这么继续下去吧,借用宫崎吾朗那句中二的话:死ぬなよ。
杨晓林-原载《影博·影响》2014年第1期。
节选自《动画大师宫崎骏》一书。
一、宫崎骏动画和日本的历史文化以及艺术传统密切相关,主题一般都比较深刻,他反对不义的战争,其反战思想的形成是与国内政治腐败、国际上八九十年代以来的前苏联解体、海湾战争和南联盟内战的影响有关。
他渴望人与自然和谐相处、呼吁环保、鞭挞人性的异化、倡导博爱与宽恕。
他具有反人类中心主义的生态观,被誉为“环保主义教主”。
他在悲观中又满怀希望,通过一个又一个“弥赛亚救世”的故事,以浪漫主义的方式表达他对理想的人与自然关系的追求。
二、宫崎骏认为科技是中性的。
一方面由于受日本重视科技和高速发展的民间制造业影响,他像许多日本动画家一样,迷恋机械,由于小时候在叔父的飞机制造厂呆过,在动画中表现出对近代技术的无限热爱之情,是十足的“飞行狂”。
另一方面,他又是个“恨世者”,基于现实中科技的异化现象,他批判科技的负面作用、对未来技术和文明满怀忧思。
三、在选材方面,选择日欧史诗神话与现实题材,创作方式是通过二度创作,点铁成金、夺胎换骨,杂取种种,合成一个,缝缀“百衲衣”,体现出“和魂洋才”的特点。
他选用国外题材,表现“理想之欧洲”和异国情调,但内核却是“和魂”——日本文化的特质,诸如神道的万物有灵、巫术信仰;武士道的忠、勇等,表现出一个“古老之日本”形象。
文化人类学家中尾佐助的照叶林文化论对他的创作思想产生深刻影响,使它的作品具有超越国家民族的开阔视野。
四、日本动画在世界电影市场上的份额五分天下占其三,与日本大量制作电视动画占领世界市场的“蝗虫战略”有极大的关系。
但宫崎骏动画的市场定位却与众不同,他首先敬女性倡女权,制作老少咸宜的“宫式少女动画”;其次是敬神道,敬武士道,斥责充满暴力色情的“新日本动画”,制作的民族动画举世瞩目,第三是坚持做电影动画,做艺术动画,特别是传统形式的二维动画,逆电脑动画盛行的时代潮流而行,其敬业精神受到业界的一致称赞,使精品动画电影实至名归。
五、宫崎骏动画在叙事方面具有怀旧感伤的悲剧风格,在叙事结构上突破常规的因果式线性结构,强调悬疑、峰回路转、出人意料,复线、多个线索齐头并进或交织。
这是与高田勋在一些影片中淡化叙事,追求散文化的形散而神不散所不同的。
另外他还善于选择不同的叙述人,以独特视角控制观众。
六、宫崎骏动画的主角有扁平化、定型化的倾向,主人公都是具有崇高使命感的悲剧英雄。
其中柔弱且需要保护的天使与具有巫女魔女特征的少女,勇敢的少年与调皮可爱的小顽童是两类主角。
而反角则有模式化倾向,分为“十恶不赦的坏人”和“变好的坏人”两类形象;配角个性化十足,可分为智慧老者、豪女笨男和异类精灵三类形象。
七、宫崎骏坚持作者电影的路线,做艺术动画,这种理念与欧美动画有很深的渊源,特别是代表法国动画电影分水岭的《国王与小鸟》对宫崎骏有很大的影响。
而作为美国动画之“日式变奏”,宫崎骏动画与好莱坞动画有诸多不同,也有很多相同处。
宫崎骏动画具有强烈的教化意识、悲悯意识,强调动画的醒世、警世功能。
这和强调娱乐至上,老少咸宜、主题浅显的好莱坞动画区别开来,但同时又借鉴了好莱坞动画的成功之处,使欧洲作者电影的艺术探索与好莱坞类型电影的商业追求达到了完美的结合。
八、吉卜力在团队组成方面,形成了宫崎骏和高田勋“二马力”核心,而德间康快先生的鼎力支持和铃木敏夫的大力协助,以及固定的骨干团队和后备力量的培养是吉卜力取得成功的关键。
在管理方面,吉卜力的手工作坊模式为业内人士所津津乐道。
而宫崎骏“骏马独奔”的工作姿态,以“独裁化”的管理模式为主,兼有亲情、友情、温情模式,具有混合性质的企业管理模式,及某些方面的“非人性化”,共同成为吉卜力制作大量的闻名世界的优秀作品的有力保证,为动画业的运作提供了一种可资借鉴的模式。
在运营方面,投资联盟体系的建立,实行全职职员制、三鹰之森吉卜力美术馆的良好运营,国内外市场开拓和后产品开发对吉卜力的成功提供了有力保障。
不管是谁,创作的灵感大多来自与工作无关的地方。
别以为总会拍到有用的东西,生活中充满了很多无用的东西,这样才有喘息的机会。
01.孩子的世界,很多不讲逻辑性,而是充满了创造力。
天赋会在日复一日的创作中消磨殆尽。
天才也要不断吸收才能不断输出。
忠于内心才能持续性创作。
做一个不放弃理想的现实主义者,是拍好现实主义题材电影的不二法门。
自我思考,宫老过于追求细节,应该尝试一些更加质朴的画风。
高光和阴影都不加,返璞归真的快乐胜过一切华而不实的东西。
简单而扣人心弦在于真实,第一反应很重要。
完成电影《崖上的波妞》中的定稿画,宫老脸上的喜悦溢于言表。
领导父母都不是我们的人生导师,任何人都不是,只有自己领悟的东西才是牢牢窝在手里的。
关键时刻,这些东西能救命。
当然,不能指望它一定会变现。
灵感来自于一些无关紧要的事情,听歌、洗澡、散步都可以。
真正的独处,为内心带来片刻的宁静。
能力强的人一般脾气不会太好,总要在人流中坚持自我。
面对世界满脸笑容,面对自己真诚创作。
创作越投入越暴躁,总是对自己要求太高,画不出自己想要的东西。
02.电影的奴隶,不是我想怎么画就怎么画,电影有自己的规律。
每个线条也有自己的位置,画对了位置就能出现想要的情感。
这是一种真实的力度,能够打到观众心里。
来替各位家长操心一问:宫老如何发现自己拥有画画的天赋?
宫老说的是他小时候自卑,长大后就想成为有用之人,给人带来快乐。
小时候看漫画寻找到了慰藉,画了大量的时间画画,大学毕业后顺理成章地从事了和画画有关的职业。
工作时期,能力和想象力超出同龄人,异于常人的天赋很快显现。
重点是,这里的大量时间约等于十年以上。
03.该快的地方快,吸引人的地方会慢下来,这就是把握节奏。
竭尽努力之后失败,这就是人生意义,毕竟死的时候什么也带不走。
制作动画的时候不想原因,情感大过于理性选择。
不一定活得成功伟大,但是要活得充实。
人才不会遁入虚无的世界出不来。
回看以前的画作,不太敢相信是自己的创作。
创作的时候,总是对自己充满批判,老是觉得不够好。
总觉得不够好是为了追求进步,优秀的人就会越来越优秀。
过了很久再回过头来看,是用另一种视角审视自己的作品。
才发现,原来自己有了很大的进步。
这个才是不敢相信的意外之喜。
这部纪录片专门花了一集多的时间在谈论宫老和儿子的相处模式,宫老和大多数传统的父亲一样,父子俩相处也会不自在,互不干涉创作。
大概有人会说不近人情,不过独立且自由,冷静且克制才是相处的长久之道。
PS:日本的树叶真的好绿,难怪宫崎骏电影里的夏天都是绿树成荫的样子。
总觉得自己和宫崎老爷子有些地方相似。
他打开瓦格纳的音乐,给员工写信,那种灵感澎湃的瞬间,我也常常为自己制造。
他自己闷着头把一个事情推敲来推敲去,里里外外都弄妥当了,再拿出去给别人看,也像是我会做出来的事情。
2006年他65,今年就已经81了。
想到他已经是风烛残年,想到这样品格的人也许一不留神就会成为历史,顿时觉得万念俱灰。
他做事的风格,好像要稍微模仿一下,也不十分难。
但是,那些他没做的事情,可能对大部分人来说都是难以舍弃的:1. 他没有花心思发展和工作无关的兴趣爱好。
他算得上兴趣的东西,也只是诸如给英国展览画画一类的事情。
要么就是去看摄影展、美术展(得到画画的新灵感),在车上放摄像头——总之,他时刻都在创作的状态里。
他没有去培养什么和工作完全无关的活动,譬如养花、养鱼、拉琴、摄影……尽管这些在他的作品里很常见。
一天之中,他只会花一小会儿做一下操,这个为了保护身体的最低必需运动,似乎已经是他唯一的娱乐了。
他全身心扑在工作上。
2. 他没有追求闲适轻松的生活。
他说导演电影需要把自己逼到极限,自己就像电影的奴隶一般。
但是他并没有逃避这份痛苦,甚至在早该颐养天年的年纪,依然把这份罪承受下来。
他已经不缺钱了,也不缺名誉。
创作电影对他来说十分吃力,在身体和精神上都不是愉快的事情。
他自己说,创作时不需要保持微笑。
他仿佛没有追求那种闲适的快乐的想法。
他全部的生活动力在于让自己在这个世界上体现出价值。
3. 他没有追求在交际中获得认可。
纪录片拍到的其他人,都是三两成群,而他的身影总是孤独的。
在创作的时候,他甚至拒绝贴身的纪录片导演,自己一个人呆在屋子里。
在儿子电影的放映会上,熟人向他攀谈,他快速走开,对方也并没有露出意外的神色。
他周围的人看起来都习惯了他的形单影只,他的儿子和他很隔阂,连铃木敏夫在他身边看起来也有些距离。
4. 他没有追求成为自己知道更好的样子。
他的作品里充满了爱情,甚至是近乎完美的永恒之爱——但他自己说,自己从来没有那样爱过。
他的妻子在纪录片中没有出现过。
他的作品里有许多慈祥的老人和父母,也有生动的儿童和青少年心理,他看起来知道怎么和儿孙辈相处。
但他自己和儿子却很疏远,即便是现在也不会去主动亲近儿子,因为他为人处事有一些其它的原则。
总而言之,他似乎很清楚如何成为一个世俗意义上更好的人,但他选择不去做。
5. 他没有纠结于别人的看法。
他对观众反应的感知,只是笼统的“这样会无聊”“这样会太复杂”“这样会摸不着头脑”。
纪录片中没有展现他对任何个体评价的关注。
他看起来不用社交媒体和智能设备,纪录片中也没有出现任何一个他使用手机的画面。
即便在他在工作室力排众议的时候,他并没有流露出任何对于员工意见的担忧。
6. 他没有屈服于系统。
他创作第一部连载漫画的时候已经是41岁,创建工作室的时候是44岁,属于中年创业。
他此前所在的公司是东京电影新社,属于很大的公司,他在公司中也做到了不低的职位。
他清楚自己追求的奇幻类型电影在这个时代不受欢迎,他也知道如何融入系统,通过和别人的合作获得成功,但他选择不去这样做。
杨晓林-原载《影博·影响》2014年第1期。
节选自《动画大师宫崎骏》一书。
宫崎骏(Hayao Miyazaki)的作品具有浓郁东方色彩的唯美影像和哲学思考,代表了日本动画电影艺术价值和商业价值的巅峰成就,在日本,宫崎骏是继黑泽明之后日本第二位闻名世界的导演,被誉为“动画诗人”、“动画之神”、“国民电影作家”和电影界的“国宝”。
影片《千与千寻》在柏林国际电影节获得的广泛赞誉,奠定了他在动画电影界的大师级地位,被国际社会公认为“堪与迪斯尼遥遥相望的世界动画另一高峰”。
他在全球拥有无数的崇拜者,甚至被誉为“世界上最有影响力的动画大师”。
宫崎骏生平及创作 学生时代。
宫崎骏,1941年1月5日生于东京,在四兄弟中排行第二。
宫崎骏的家原本住在东京文京区,后来为了躲避“二战”战祸,全家由东京搬迁到东北部的枥木县乡下。
后因战事疏散,举家迁往宇都宫市和鹿沼市,伯父在鹿沼市经营了一家名为“宫崎飞机”的公司,主要制造著名的“尾式”战斗机“尾舵”和驾驶舱防风罩等军需附属产品,战争期间曾有1000名员工在那里工作。
宫崎骏的父亲在那家公司担任主管,因此家庭生活条件非常好。
就是在这个时候,宫崎骏迷恋上了飞行器,迷恋上了飞翔。
宫崎骏小学一到三年级都在宇都宫市的小学就读,也正是在这个时候,他开始了和大自然的亲密接触。
1947年,宫崎骏六岁,由于母亲患了肺结核,在床上整整躺了9年,其中得病的头几年一直住在医院里,影片《龙猫》就折射出他在那段灰暗的、缺少母爱的日子里成长的影子。
1958年年末,他高中三年级时准备考大学,在一家三流电影院观看了日本首部长篇彩色动画片《白蛇传》,他回忆说:“当我看完《白蛇传》后,如同醍醐灌顶般地顿悟过来,我开始觉得应该画一些表现儿童的单纯的、大气的东西。
” 东映动画和东京电影时代。
1963年,宫崎骏大学毕业后,进入了东映动画公司。
宫崎骏与那些心目中的大师在一起工作总觉得受宠若惊,总想如何才能达到大师的境界。
他第一部参与的作品是东映在1963年12月上映的剧场动画《旺旺忠臣藏》,紧接着参加了东映首次制作的第一部电视动画《狼少年肯》的拍摄工作。
员工一进公司就被警告作画时必须按经典的模式走,否则票房无法保证。
而富有创新意识的宫崎骏和高田勋年轻气盛,热情高涨,经常与公司发生争执。
1965年秋,宫崎骏进入高田勋导演的《太阳王子霍尔斯的大冒险》的制作小组,担任场面设计及原画。
影片在1968年上映后,成为日本新动画里程碑式的作品。
虽然现在看来,这部作品与中国的动画影片《海尔兄弟》不相上下,但以当时的制作水平而言,确实是非常了不起的创举。
这部82分钟的作品耗时3年多才完工,比计划超出了整整8个多月,预算超支严重。
影片结果赔得一塌糊涂,创造了东映最差的票房纪录,高田勋也被降薪贬职。
1971年,宫崎骏离开东映动画,和高田勋、小田部羊等人一起进入“A-Pro”工作。
宫崎骏和高田勋合作执导了电视系列片《鲁邦三世》的第一部,执导了全部23集中的后17集。
借助这位日本家喻户晓的风流英雄,二人迅速蹿红。
宫崎骏得到了执导《鲁邦三世》第二部以及该人物影院动画片的机会。
1972年,中国送给日本的一对熊猫在日本掀起了熊猫狂潮。
人人对这种可爱的动物充满了好奇,于是宫崎骏产生了把熊猫搬上银幕的想法,和高田勋合作《熊猫,小熊猫》,宫崎骏担任脚本创作。
1975年,宫崎骏准备制作52集系列片《寻母三千里》,并担任场景设计,高田勋为导演。
作品同年被日本文化厅授予电视动画奖的优秀播映作品奖的称号,荣获儿童节目优良影片奖。
1979年4月,日本国营电视台NHK每周播出电视动画《未来少年柯南》。
这是宫崎骏首次担任动画监督,负责全部26集中16集的人物设计、场景设计以及导演,高田勋为第9、10集的导演。
剧情方面也是首次在动画中出现“被洪水淹没的高度发达科技的未来”这一主题,主人公柯南和拉娜一对标准的日本动画男女主角“勇敢少年+温柔少女型”搭配。
这与同一时期的《大白鲸》及《小飞龙》也很相象。
1979年12月,宫崎骏执导的动画电影《鲁邦三世——卡里奥斯特罗之城》上映,再度展现了《未来少年柯南》的冒险风格。
尽管这部电影当年叫好不叫座,但巨大的罗马水下城市的创意令人叹为观止。
影片中好色、幽默、机智、勇敢的小偷神探鲁邦三世,简直就是一个瘦肉型的詹姆斯·邦德或书生相的印第安纳琼斯。
从宫崎骏的这一次导演开始,“鲁邦系列”成为日本动画的保留节目。
1982年长篇漫画《风之谷》在德间书店的Animage杂志上开始连载,这部漫画一直连载到1994年才完结。
这部连载为时12年、长达7卷的漫画巨著,不但包含着史诗般的宏大篇章,跨越生命和生死的追寻之旅,对人类和自然的深层哲学思考,更是宫崎骏自己对环境保护和人文主义不断深入思考的结晶。
1984年3月,剧场动画《风之谷》公映,丰富的想像力及深沉的内容震撼了观众和整个电影界。
《风之谷》独特的世界观以及人性价值观深刻地影响了其后十余年日本动画的走向,女主角娜乌西卡,更是连续十年占据历代动画最佳人气角色排行榜冠军之位。
优美精致的画面,丰富多彩的人物,幽默诙谐的对话,积极向上的精神……这一切使得宫崎骏作为老少咸宜的“国民动画家”声誉鹊起,也因此片而奠定了他在全球动画界无可替代的地位,迪斯尼将他尊称为“动画界的黑泽明”。
而影片体现了因人类的愚昧战争和过度掠夺而反噬的自然,巨大的菌类组成的腐海,因为人类产生的毒素而散发着毒气,更是被环保主义者作为圣经宝典珍重不已,宫崎骏作为“环保主义的教主”身份由此确定。
吉卜力工作室发展期。
1985年,在德间书店的支持下,吉卜力工作室[i]创立,宫崎骏开始了个人动画生涯中最为辉煌的十年,同时也是日本动画大发展的十年。
1986年上映的《天空之城》是吉卜力的开山之作,影片根据英国小说家斯威夫特《格列弗游记》第三卷改编。
电影中近乎完美地刻画出故事所发生时代的世界景观,有点科幻色彩,也有点神话色彩,还有点欧洲工业革命时期的味道。
1988年上映的《龙猫》是宫崎骏根据幼年时在家乡听到的传说,精心编织的精巧童梦。
宫崎骏热爱描写自然,《龙猫》带有其一贯的魔幻现实主义风格。
同年高田勋执导了自己在吉卜力工作室的首部动画长片《萤火虫之墓》。
考虑到学校也许会出于对学生进行历史教育的初衷而大批量组织观摩,吉卜力最终决定将《萤火虫之墓》与《龙猫》一起捆绑上映。
尽管《萤火虫之墓》是一部杰作,但它根本不适合儿童观看,这种为了分担票房风险的策略以失败告终。
1989年,宫崎骏带给观众的是宛如空中飞翔的歌声那样明朗的《魔女宅急便》。
影片成为年度最卖座的电影,而这也意味着吉卜力成为票房保证的开始。
1991年,宫崎骏和铃木敏夫担任制片人、高田勋担任导演的《岁月的童话》上映。
票房收入18亿7000万日元,是当年日本本土电影的票房冠军,成为1991年最卖座的一部电影。
《岁月的童话》淡化了童话色彩,改变了一贯的宫崎骏式的童话叙事模式,而采用了散文化的叙事风格。
1992年的夏天,《红猪》上映,又成为年度票房最佳的电影,甚至连《虎克船长》和迪士尼的《美女与野兽》都不是对手。
宫崎骏以《红猪》表现了自我的追求,虽然是成人的故事但一样得到青少年观众的喜爱。
带着激情在蓝天碧波间畅游,拥有名望和荣誉,却也有孤独和悔恨,这就是波鲁克·罗索——亚德里亚海上的红猪,也是宫崎骏自己的写照。
1994年《平成狸合战》上映,宫崎骏担任策划,高田勋担任原画、编剧和导演。
这部动画全体工作成员的平均年龄是29岁,本片首映观众人数达到325万4132人,票房收入26亿5000万日元,成为年度日本本土电影票房的第一名。
1995年,宫崎骏为“恰克和飞鸟“(CHAGE & ASKA)二人组合的新作歌曲On Your Mark[ii]制作了一部长六分多钟的音乐电影,被认为是吉卜力工作室的实验剧场版。
宫崎骏用自己对歌词的理解,融合自己对未来社会的看法,以动画的形式创造出了一个未来世界,一个充满希望与梦想的现实童话。
飞行器、邪教徒、现代都市、羽翼天使,再加上影片开初部分飞快掠过的辐射警告标牌,这就是宫崎骏所描绘的充满不安的未来大都会。
吉卜力工作室鼎盛期。
1997年7月12日公映的《幽灵公主》,至次年2月共上映184天,票房收入179亿日元,平均“日进斗金”,全国观众三千万人次。
主题曲由久石让作曲,宫崎骏作词,米良美一演唱,单曲专辑当年发行38万张。
其它周边产品不计其数,带动前作《龙猫》、《风之谷》、《侧耳倾听》、On Your Mark的动画录影带销量进入年度前六名。
该片成为日本当时有史以来第一卖座电影,吉卜力又一次改写了历史。
1998年迪士尼买断了《幽灵公主》在海外的版权,在全美100个城市的1000家影院放映,同时也在欧洲市场公映。
在《幽灵公主》制作的最后半年里,宫崎骏由于过度疲劳,右手得了严重的手疾,不得不接受按摩治疗才能参加工作。
已是56岁的他忍着伤痛完成了这部让人回味无穷的动画。
在《幽灵公主》的首映试上,宫崎峻宣布从此封笔。
1998年1月14日宫崎骏正式退出吉卜力工作室,在附近成立了名为“猪圈”的新工作室安享晚年。
1999年,高田勋担任编剧和导演的《我的邻居山田君》上映。
故事原作本是四格漫画,于朝日新闻连载,讲述一个有祖母、双亲、儿子和女儿的五人家庭的生活,一直以来受到广大读者欢迎。
这也是吉卜力第一部完全在电脑上完成绘图和动画制作的作品,没用过一张动画胶片。
这部漫画风格的简笔水彩画作品以其独特的风格赢得了评论界好评,但票房还是无法和年度票房第一的《幽灵公主》相比。
1999 年底,年届60岁的宫崎骏因为《幽灵公主》持续大获好评,加上爱徒近藤喜文的逝世,激起雄心万丈,撤回封笔宣言,重出江湖。
2001 年7 月20 日,他导演的《千与千寻》在日本公映,引起巨大轰动,4天票房即达到近20 亿日元的天价。
本土票房超越了前作《幽灵公主》和电影《泰坦尼克号》,在日本平均每十个人就有一人看过。
日本动画的年度经济总额才5000亿日元,而一般年度票房首位的作品往往不到30亿日元左右,超过300亿日元票房的《千与千寻》成为日本历史上的票房“怪物”,是日本影史票房总冠军。
《千与千寻》在美国、法国极受欢迎,迪士尼以巨资买下宫崎骏部分影片在美国、香港、台湾和中国内地的DVD发行权。
迪士尼将其引进美国作商业放映,更一举击退《冰河世纪》、《小马王》等片,摘下奥斯卡最佳动画片大奖。
2002年2月17日,该片赢得第52届柏林国际电影节金熊奖。
这是小金熊第一次授予一位动画电影人和一部动画电影,而且为此破例准备了两只小金熊同时授予两部电影。
2001年《千与千寻》上映后,宫崎骏再次宣布要退休。
2002年,宫崎骏担任策划、森田宏幸担任导演的《猫的报恩》上映。
这可以说是一部结构简单、节奏轻快、故事内容异想天开的动画片。
本片创造了一个相对于现实世界的奇幻猫国,并且把猫国设定成主角小春进行冒险的地带。
但是由于《猫的报恩》的票房不是很理想,宫崎骏再次执导了《哈尔的移动城堡》, 2004年上映两天就创下了14.8亿日元的历史纪录,比《千与千寻》首两日的入场人次多了37.2%,同时也打破了2003年日本年度票房冠军《跳跃大搜查线2封锁彩虹桥》创下的历史最佳首映纪录。
影片最终达1422万6千人次的入座数,并以196亿日元的傲人成绩稳居年度日本电影票房榜首,再次印证了宫骑骏在日本影坛不可动摇的地位。
该片2005年在美国公映,票房收入达421万美元,排名第一。
之后宫崎骏第三次宣布退休,由儿子宫崎吾朗执导了《地海传奇》于2006年7月上映。
影片气势辉煌,尽管2006年也夺得日本年度票房冠军,但是毁誉参半,影片最终成了日本年度票房冠军,但宫崎骏对作品却不甚满意。
2006年7月,宫崎骏为《悬崖上的金鱼公主》开始了准备工作。
宫崎骏独自一人完成了水彩的故事大纲,这在动漫场景中很少见。
这是一个围绕着5岁男孩宗介和想要成为人类的金鱼公主波妞而展开的故事。
宫崎吾朗的儿子(宫崎骏的孙子)是主要角色宗介的原型。
2008年7月19日,《悬崖上的金鱼公主》在日本481家影院全线上映,这种情况史无前例。
影片一经上映,连续五周荣登日本票房冠军,将排在第二位的好莱坞大片《木乃伊3》远远抛在后面。
2010年,由宫崎骏担任编剧、米林宏昌任监督的《借东西的小人阿莉埃蒂》上映,最终获票房96.5亿日元,获得第34届日本电影金像奖年度最佳动画。
2013年宫崎骏导演兼编剧的《起风了》上映,该片讲述的是日本零式战机的开发者堀越二郎年轻时的故事。
影片在日本454块银幕上同时公映,首映前两日总共动员约4.75万人入场观看,票房收入接近10亿日元,打破了不久前《怪兽大学》创下的票房纪录(8.475亿日元),首周初登场排名和观众满意度排名均位列第一位。
影片传递了一种平和的反战信息,宫崎骏本人也指出了日本应对以往历史罪行道歉,以及不能随意修改宪法等。
如此言论激起了日本右翼保守派们的愤怒,称其是一部彻头彻尾的“左翼”倾向电影,有人甚至给宫崎骏打上了“反日”和“叛国者”的标签。
吉卜力工作室9月1日在威尼斯电影节会场发布了宫崎骏息影的消息,《起风了》将成为他的最后一部作品。
[s1] [i]“吉卜力(GHIBLI)”这个名字事实上本意是指“撒哈拉沙漠上吹的热风”。
在“二战”时,意大利空军飞行员将他们的侦察机也命名为“吉卜力”。
宫崎骏是个飞行器狂,当然也知道这件事,于是决定用“吉卜力”作为他们工作室的名字。
而在这个名字的背后,还有一层含意,也就是希望这个工作室能在日本动画界掀起一阵旋风。
[ii] On Your Mark本意是各就各位。
一口气看完了这部宫崎骏老先生的纪录片,是截止目前第一次看一部纪录片看出了追剧的心态,甚至于偶尔错过了几句字幕,都要倒回去看的状态。
一部纪录片再长也概述不了一位大师的一生,但这也足以让无数平凡的我们感慨万千。
从B站刷完来豆瓣本想看看影评,找找陌生人的共鸣,没想到少有人看过,也并没有激起太多热烈的讨论,但是这9.4分的数字至少是几千个已看过的人发出的“值得”信号吧。
想写点什么,倒也不是为了吹捧什么,只是我想记录一下此刻的心情和想说的话,日后再回头看看会不会有不一样的感触。
关于纪录片的内容和背景,我就不赘述了,只想写写自己感触最深的一些点。
第一集里有一幕让我很动容,傍晚的工作室门口,宫崎骏先生遇到一位大约上幼儿园年纪的小女孩,小女孩看着他说“爷爷的胡子真好看”于是老先生就弯下腰拉起她的小手摸了摸自己的白胡子露出憨态的笑容,临走的时候小女孩鞠着躬说“谢谢你画了《哈尔的移动城堡》”,稚嫩的声音和小小的身影在傍晚的暮色里显得那么暖心,老先生用动画电影治愈了多少大人的心,应该也就温暖了多少孩子的梦吧。
全片是从2006年宫崎骏先生创作《悬崖上的金鱼姬》期间开始记录的,这是我个人最喜欢的一部宫崎骏作品,且不说技巧故事概念,我就是比较喜欢波妞这种“直给”的情感表达,真好呀,有多少人能真的大声宣布“波妞喜欢宗介!
”,虽然后来有一些声音出来说这部作品有种曾经出现的感觉,但每个观众都只是在电影里找自己想要的东西不是吗,我们没有要做一个专业的影片评审。
想象力固然是插画、动画等很多艺术的灵魂,但艺术源于生活这件事也真的不是说说而已,这里的生活是指对生活细微的动态超出常人的观察,随时拿着分镜尺寸的速写纸看到什么随手画下来的习惯造就了经典的龙猫车站场景;波妞再次见到宗介冲过去拥抱时衣角翻起的角度,激动的脚指头张开的状态;《起风了》二郎和菜穗子命运相逢时相拥的情绪形态以及共同生活时平凡的叠衬衫场景...所有这一切在观众看来合乎常理又恰到好处的营造了每一帧情感画面,都是老先生无数次揣摩和观察的结果,而这些“演员”的所有细节都在一双画笔的勾勒之下,看到这部分的时候我好像突然明白了为什么他总能精准的抓住观众的情绪氛围。
关于执念应该是所有艺术家都具备的基因,只是深浅程度不一吧。
最近自己也开始学习插画才明白一副看似简单的画实际要花费多少时间和精力,而宫崎骏先生的动画长片都是坚持手绘原画的方式(退休后的他也开始尝试用CGI做短篇动画),一部电影要几百个画师同时制作,需要完成几十万张原画,一个5秒的镜头大概需要一个成熟画师画一个星期。
甚至于在制作一个地震后的场景,仅仅4秒的镜头却做了1年多...这些数字是时间,是精力,更是一种精神的执念。
拍摄这部纪录片时宫崎骏先生已经65岁了,但我不想用高龄这个词,他让我想起90岁还在设计建筑图的贝律铭,80岁还在随时写作的木心,这些真正的大师老先生,头发花白都仍然在坚持双手握笔,或者也不该用“坚持”吧,对他们来说这可能就是生活中生命里最应该也最平凡的事情。
而现在的我们很多人年纪轻轻就已经在开始规划何时退休怎样才能尽早休息,当然没有必要讨论哪种思想价值观的对错,只是觉得能有一件忠爱一生的事情可做是多少人梦寐以求的啊,我们想早点退休或许也是因为想早点做自己喜欢的事情吧。
纪录片的后段,宫崎骏老先生已经明显身体欠佳,在濒临创作奔溃的边缘时,一边碎碎念重复着“麻烦死了。
麻烦死了。
”一边又像跟朋友聊天似的,跟旁边的镜头说“我告诉你这件事简直麻烦的要死,但是如果你问我为什么还不放弃呢?
我会让你闭嘴”,接着又说到“如果人生中的麻烦消失了,你反而想把它们找回来。
”想想何尝不是呢,每一个困难的存在都有它的意义啊。
没有人是完美的,纪录片中展现了宫崎骏天才般的艺术创作过程,也丝毫没有避讳他在面对状态不佳时的情绪燥怒,还有他与儿子之间微妙的父子关系。
因为大部分时间都在工作的宫崎骏错过了儿子的成长和陪伴,纪录片中穿插的宫崎骏和儿子之间的明明深爱又找不到正确交流方式的矛盾情感,似乎更有一种缺陷美,我是说一个天才的缺陷美。
父子之间的暗暗较劲,一个分镜中女主角起床到底是该先叠被子还是先换衣服,明明就在一个房间里,却要通过其他人来互相传达想法沟通,得知执拗的儿子同意按自己的想法改分镜时嘴角的会心一笑,突然让我觉得有点可爱...虽然父子俩人可能在艺术表达的方式没有完全的同步,但这一刻他们对艺术的坚守在某种意义上是一致的吧。
从第一次看儿子导演的作品时中途离场抽一根烟才能继续回去观看,到第二次看到儿子的作品时边笑着边让纪录片摄影师转达儿子“放马过来给我点压力”,这中间很难想象作为父亲宫崎骏先生的内心到底经历了怎样的过程。
但年轻帅气的儿子在听到这句话时也回应到“哦?
是吗,可别死了”,但脸上明明笑的好像洒满阳光。
父子情感真的是一个微妙的课题,相信很多人终其一生都在追求答案吧,所以才会有那么多艺术家将此作为创作母题。
其实我在想,应该不只是宫崎骏的儿子,整个纪录片中都没有出现过的宫崎骏妻子,应该也牺牲了很多,我当然相信他们的感情(纪录片中宫崎骏也提到过几次和夫人聊天的话语言语中想必也是一位善解人意的女子),但这样对艺术有执念和热情的大师,对家人的陪伴也会是超出普通人的缺失吧。
就像最开始小女孩说的那样,谢谢宫崎骏先生创作那么多美好的作品,也要谢谢他的家人为我们成全的一切。
总之,非常值得一看,然后各取所需。
祝大家在生命的长河里,终能找到自己的信念。
很喜欢宫崎骏的每一部电影。
最喜欢的是龙猫和起风了。
每次看龙猫让我觉得很平静,很治愈。
两个小女孩平常的乡下日常生活,加入了点奇幻色彩,变得很不平凡。
那么可爱的大中小号龙猫,还有猫咪巴士。
宫崎骏是位天才的大师,他的电影一看就知道是他的电影,里面有他的风格,他的世界观。
感谢他给了很多孩子的梦。
电影就是造梦的,他的想象力太强大。
起风了是人物传记型电影,但是里面同样有了奇幻色彩,我很喜欢梦境里面二郎和卡斯特鲁普的对话。
梦境里面对二郎的称呼从头到尾都是少年。
二郎和菜惠子的爱情也感人。
宫崎骏在观看完了影片后说他第一次被自己的电影感动哭。
“纵有疾风起,人生不言弃” 影片里面是以二战背景为题材,这是一个敏感的话题,日本二战的时候还有大地震,大家的生活都很困苦,但是在困苦的环境中大家还是坚强的想着活下去。
电影的结尾响起了一首飞机云,然后空空的房间。
我就是觉得感动。
我不喜欢谈政治,一部电影,我觉得它有触动到我,就是觉得感动,喜欢。
宫崎骏的电影每一帧都是手绘的,一个5秒钟的镜头就需要一个画师画一个礼拜。
画的非常的细致。
桌上放的什么物件,墙上该有什么,人的表情,细小的动作都处理的很真实。
作家,电影导演,艺术家都是善于观察生活的人。
他平时也喜欢散步,观察自己周围的环境,身边的人,然后再画进他的电影,他的电影是有灵魂的。
作家,导演,在他们的作品里是隐藏不了的,你可以看到他们的世界观。
在采访什么的时候可能还能隐藏。
但是作品里面的他们是最真实的。
作者在完成作品的时候也是在治愈自己。
看宫崎骏的纪录片,了解到,她的妈妈在他很小的时候就一直卧病在床,甚至不能抱他。
大半辈子就在床上度过。
宫崎骏是很爱他妈妈的,在他的电影里都有她妈妈的影子,比如,龙猫里面在住院的妈妈。
哈尔的移动城堡里面的苏菲,崖上的波妞里面坐轮椅的老婆婆,在电影的结尾,宫崎骏施展了他的魔法,让电影里面长期坐轮椅的老婆婆们都健步如飞。
这也是他的梦想吧,希望他妈妈可以健康的走路。
电影里面的这首向日葵之家圆舞曲就是宫崎骏做的词,久石让配乐,道出了他对母亲的思念。
他在创作崖上的波妞找不到灵感的时候,反复听着这首歌,让他情不自禁的落泪。
向日葵之家圆舞曲如果能再次自由行走想要尽情地打扫洗洗衣服做做饭一起出去散步吧晴空下阳光明媚太阳也笑开了颜我也喜欢下雨地日子 带着时髦地雨伞穿上雨衣外出走走接我的人还没有来趁这段时间稍微散个步我想再次起舞化为一阵清风牵着手 旋转起舞伸直腰背舒展关节轻轻踮脚一跃裙摆随风扬起大家都开心地笑着接我的人还没有来给我再多檫一片玻璃窗的时间便好我想再次起舞化为一阵清风
宫崎骏爷爷也太可爱了,小朋友说感谢他画了《哈尔的移动城堡》,还夸了他的胡子,他毫不掩饰自己的开心,还让小朋友摸了他的胡子,每天早上来到工作室,他还会面对空荡荡的工作室房间说早上好,他好好的保护了自己的内心世界,他是个好奇心十足的老顽童,在车上安装了摄像机,他说是想拍出每天路上风景中的不平凡,他还在工作室门口放上一张椅子,椅子上挂上牌子,上面写着“请坐”,“陷阱”布置好了,他等着人们走入他的画中。
他和儿子的相处方式也十分有趣,儿子的电影首映会结束后,导演问有没有什么话告诉儿子,他说:“放马过来,给我点压力”,儿子知道后说:“哦,是吗?
可别死了啊”,哈哈哈,这是什么毒舌父子啊,又别扭又好笑的一对父子。
这部记录片最冲击我的绝对是宫崎骏爷爷对待动画的态度,创作过程大多数都伴随着他的焦虑,嘴上不停的喊着“太麻烦了,太麻烦了”,甚至抓头搓脸抖腿,可一个分镜头他画了又画,如果不满意他仍然还是要推翻重来,他说他一定要做好,如果不够好一切就都白费了,如果有人问他为什么不放弃,他也会直接回“闭嘴”。
——想要做一个电影导演必须抱着奉献毕生的想法后再开始做电影导演——作为处女作是一部不错的电影这样的评价是一种侮辱——你得抱着改变世界的想法拍电影即便最后什么也没改变,这才是身为电影制作者的意义——我太执着于细节,我应该回归于质朴中去——我想要沉静在自己的世界里——搞创作的时候为什么脸上要挂着笑容,我创造越投入的时光越暴躁——无论你怎样隐藏,电影都会反映真正的自我,所以我要画真实的东西,我必须这样坚信——特别喜欢父子互动的那一幕,通过制片人指导儿子——他能画出静态的动——没有灵魂的画作是无意义的——你要赋予人物生命
我想从每天看到的日常风景中,发掘出不平常的一面。
我们要做不放弃理想的现实主义者。
没有梦想的现实主义者多如牛毛,这种人最糟糕了。
你得有用电影改变世界的决心。
哪怕什么都没有改变,这才是身为电影制作者的意义。
如果创作时没有忠于内心,到头来就会后悔。
我怎么知道,每个人都不一样。
我脾气不好,可这就是我。
我想要沉浸在自己的世界中,但这样会不容于社会,所以我才会在脸上挂上笑容,大家都会有这样的感觉吧,搞创作的时候为什么还要挂上笑容,电影就是在这样的时候创造出来的。
有些小孩觉得自己不应该出生,波妞告诉他们不是这样的。
死了就看不到落日了。
制作电影不是件容易的事,无论你怎样隐藏,电影都会反映真正的自我。
无论如何他一定要完成。
为了自己他必须这样做,因为这是他自己选择的路。
但是你问我为什么不放弃呢,我会说闭嘴,人生中最重要的事情就是很麻烦的。
宫崎骏和高畑不再互相传递鼓励的信息,然而,只要知道高畑的存在,就能对宫崎骏的心理起到振奋作用。
它让你觉得一定不能浪费生命。
人一定要拼尽全力活得充实,在他们有限的范围内,在他们自己的时代里,尽可能地活得充实,这是我们能做的。
“谢谢你创作了《哈尔的移动城堡》”“不客气”“就好像宫崎骏的母亲抱住了他”他用很多天的时间来想象不曾存在过的一个拥抱是什么模样,到后来,他电影里都有她的身影。
还很动人的是这对相谈甚少、默默不语的父子,宫崎骏给了所有人糖果最后走到儿子的面前,吾朗固执得不给父亲看自己的分镜,一直在动画的世界里去寻找父亲,或许吾朗在那个世界里能无限接近他的父亲。
最震撼的还是,依然坚持手绘,每一帧的每一处细节都仔细推敲,“人生中最重要的事情就是很麻烦的。
”
一个4秒的镜头可以用1.5年的时间来制作,突然让我觉得我们这个世界是可以慢下来的……不断揣摩心理来用恰当的表情或行为来表现人物真的是太厉害了……这么用心的做动画,不认真看都觉得对不起制作它们的人……宫崎骏实在太可爱了,一件围裙哈哈穿了多少年啊,我也想要一个
真实的宫崎骏工作样子,严谨苛刻,富有想象的创造力。人生就是就是麻烦的。好作品是精雕细琢的。
做他的孩子压力太大了,还不如一直做建筑师、景观设计师。他应该是会死在工作台上的那种大师。
我何其荣幸 因一个人的热爱 因一个人竭尽全力充实地过着人生 而获得那么多那么多来自动画的温暖与抚慰谢谢你创作了这些 谢谢你过好了自己的人生 ——宫老的作品之所以完全是人类真善美的概括 大概是因为他本身如此的真善美
创意背后是日复一日的辛勤劳作。
持之以恒。
每看吉卜力的纪录片,都有非常多感触。很想说一嘴的是总有观众认为宫崎骏过于强势,没有培养出吉卜力的接班人。我也常想无奈离开,现在有所成绩的监督,有些是不是被错误判断了。但我们都是抱着希望吉卜力永续的心情,并且不希望它只是一个招牌。每个动画人并不都能成长为吉卜力需要的接班人,人的才华多半已有定型,若要留下必须就是吉卜力所需的那种。失去过有才能的后辈,细田守的离开,看上去更像是机缘不巧,而非完全是个人强势所致。仅宫崎骏的片子,最爱还是过去的几部,充满生命力量的浪漫,又有时代背景加持。而今几部可以看到不少惶惑不安,我想这是因为监督也害怕时间不够,如他片中坦白被时代追上了。十载同行,何止十载,但现在时间真的不多了。
紧凑而细节铺满的镜头里,是作为动画电影大师级人物的宫崎骏以近乎苛刻的水准来面对自己的每一件艺术作品的精益求精。在短暂的近200分钟的剪辑素材里,宫崎骏的形象就像那一张张推倒又重来的分镜图,充满了极限的想象力、洞察力与体悟力。这样高标准的对于自我和团队的要求,自然也体现在了他对下一辈——自己的儿子吾朗的期望里。也许很难理解这样严格的父亲,但是对于看过他的大部分电影的我来说,宫崎骏毫无私心地践行了一个动画电影从业者的自我牺牲与自我苛责。正是由于有了这样完美主义的期许,我们才能在大荧幕上看到那么多鲜活生动的动画形象。
大师是牺牲和压榨自己和身边的人的心血而生出作品
老爷子是人生榜样
第一集最感动的大概是去搬椅子的时候 小女孩对他说“谢谢您画出哈尔的移动城堡” 他揉揉她的头 啊那瞬间我也好想哭 谢谢您画了这么多美好的作品:D
创作就是一件这么痛苦的事情,即便了不起如宫崎骏,也要一次又一次地不断面对。技术经验可以积累,可痛苦经验每一回都是崭新的。即便知道全世界的创作者都在和你面对着同样质地的痛苦,也对解决你个人的痛苦没有任何帮助和宽慰。总而言之,创作这件事就是要靠「硬去」啊。
我们要做不放弃理想的现实主义者。
原创内容过低,由之前NHK跟踪拍摄的三部纪录片《聚焦宫崎骏与“波妞”300天亲密接触》、《虞美人盛开的山坡·父与子300天的战争》与《起风了:1000日的创作记录》(铃木敏夫为了宣传而做的合作)拼凑而成,新鲜素材近无,一个很单薄的科普向作品,与如今风行的解读电影剧情无疑,同样喜欢加解读内心式的语句。而且因为是不同创作者拍摄的原片,所以分裂之处比比皆是,比如荒川格在后两集的彻底消失。唯一成脉络的反倒是和宫崎吾朗的感情,第一集算作了一个小的铺垫,第三集展开讲述父子感情,将两个纪录片做了延续融合。一个特殊场景加两人矛盾吐露心声,使宫崎骏作为父亲失败的一面展现在了银幕之上。同样应当还有动画内母亲的影响,荒川格当时拍摄就注意到了这一点,可后面两部的创作者就完全不顾家庭影响,而这次编辑时也就完全不管。
创作者永远在漂流 父子关系那段很有趣了
作为纪录片真的不太行,高分都是给宫爷爷的吧
影20379:想象力是奇幻动画片的根基,情感丰富画作细节是大师的自我要求,年老依旧在突破自己,努力在消除没有灵感的烦恼,镜头较多的还是挠头,吸烟,亲自画分镜,愤怒弃稿,修改等。对母亲的思念融入作品中,对儿子作品的否定与背后支持与鞭策直至后来的一致战线终于缓解了冷淡与孤傲。
纵有疾风起,人生不言弃。原来那是个爱情电影。
老片重剪。
我的初心,是宫老爷子给的。 泪目了,每一部作品的背后真的是付出了多少心血。